As filmagens de filmes e séries de TV podem ser caóticas. A grande quantidade de detalhes – desde as configurações da câmera até os adereços – que entram na filmagem de cada cena individual pode ser difícil de acompanhar e isso pode causar problemas com um aspecto importante da narrativa chamado continuidade. Erros de continuidade são um dos erros mais comuns em filmes, e podem ocorrer em qualquer produto audiovisual, desde séries de TV independentes de pequeno orçamento a filmes de alta produção de Hollywood (via Masterclass).

O que é continuidade no filme?

Continuidade é o princípio de garantir que todos os detalhes em um filme ou série de TV sejam consistentes de cena a cena. Se uma cena mantém os padrões de continuidade, ela parece fluir perfeitamente da cena anterior, reforçando uma sensação de realismo na história. Na realidade, porém, cada cena pode ter sido filmada em um momento diferente e em uma ordem completamente diferente. Por exemplo, se no início de uma cena um ator pega um copo com a mão direita, a continuidade determina que ele deve segurar aquele copo com a mão direita durante toda a cena.

Problemas de continuidade ocorrem com mais frequência em cenas de ambientação (geralmente chamados de “planos principais” ou “planos gerais”) e planos médios ou close-ups. Os planos de ambientação são uma visão ampla da cena e podem incluir muitos adereços e móveis, enquanto os planos médios e close-ups focam apenas no ator sem muito background. Durante as filmagens, as equipes de set freqüentemente movem todos os adereços e móveis para dentro e para fora da cena para vários tipos de planos. Esse vaivém facilita os erros de continuidade visual surgirem.

Como identificar erros de continuidade em filmes

Existem várias categorias de continuidade em longas-metragens e séries de TV que os cineastas devem estar cientes durante a produção e pós-produção do filme:

• Continuidade de adereços e figurinos. Inconsistências de adereços e figurinos são os erros de continuidade mais comuns no cinema e na TV. Exemplos de erros entre tomadas incluem canecas de cores diferentes sendo usadas entre as cenas ou diferentes números de botões sendo abotoados no casaco de um ator.
• Continuidade de atuação. Os cineastas costumam gravar vários planos da mesma cena para dar aos editores o máximo de opções possível durante a pós-produção – e com tantos planos, os atores podem acabar fazendo as coisas de forma ligeiramente diferente a cada vez, introduzindo pequenos erros de continuidade. Exemplos de erros na continuidade da atuação incluem atores usando uma mão diferente ao pegar um objeto ou olhando em uma direção ligeiramente diferente em cada plano, criando um ponto de vista flutuante.
• Continuidade de tempo. Quando as programações de filmagem exigem que as cenas sejam filmadas com horas de diferença uma da outra, ou até dias ou meses de intervalo, pode haver variações de continuidade espacial entre as tomadas que podem ser difíceis de planejar. Exemplos de erros na continuidade do tempo incluem mudanças significativas no clima ou na estação, ou diferentes comprimentos de sombras entre as cenas.
• Continuidade de plot. Talvez os erros de consistência mais significativos sejam erros na continuidade de plot. Frequentemente chamados de “buracos na trama”, esses erros não têm a ver com continuidade visual, mas sim com inconsistências conceituais que podem ocorrer quando um roteiro não foi escrito com cuidado, quando um roteiro passou por revisões significativas ou quando os atores improvisam durante as cenas. Por exemplo, se um personagem diz que é filho único e depois conta uma história sobre um irmão, isso seria um problema de continuidade do plot.
• Continuidade de câmera e áudio. Ao longo de um filme ou episódio de TV, as configurações de imagem e os níveis de áudio devem ser consistentes, o que significa que os cineastas precisam ter um cuidado especial para garantir que estejam usando o mesmo equipamento e as configurações corretas para cada plano em uma cena. Caso contrário, pode haver variações perturbadoras em coisas como níveis de luz, nitidez da imagem ou volume.

Por que é importante manter a continuidade?

A continuidade no filme é vital para uma boa narrativa porque ajuda a manter os espectadores imersos na história. Os cineastas querem que o público possa prestar atenção à ação e ao diálogo durante sua história como se estivesse acontecendo no mundo real, e quando cada detalhe de um cenário é consistente em toda a cena, o público pode prestar atenção total.

No entanto, se pequenos detalhes forem inconsistentes ou se houver lacunas no enredo na história, os espectadores se distrairão e não conseguirão se concentrar na narrativa; eles vão passar mais tempo pensando sobre os níveis de água flutuantes no copo de um personagem e menos tempo ouvindo o diálogo ou se preocupando com a história. É por isso que manter a continuidade é crucial – porque ela mantém o público envolvido.

4 dicas para manter a continuidade durante a filmagem

Com tantos dias de filmagem e tantos detalhes em cada cena, pode ser extremamente difícil manter a continuidade em um set. Aqui estão algumas dicas:

1. Tirar fotos. A melhor maneira de garantir que até mesmo os menores detalhes de uma sessão de filmagens permaneçam consistentes é tirando fotos. As fotos ajudam a rastrear detalhes que você não pensaria em notar de outra forma e tornam significativamente mais fácil configurar os adereços da mesma forma entre as tomadas. Essas fotos não precisam ser tiradas com uma câmera DSLR – os cineastas usam câmeras digitais simples ou até mesmo polaroids para manter o controle da continuidade.
2. Mantenha relatórios detalhados de continuidade. Os relatórios de continuidade são registros detalhados de cada dia de filmagem, incluindo configurações da câmera, direção da tela, clima, adereços e quaisquer possíveis desvios do roteiro. Os relatórios de continuidade são uma ótima maneira de garantir que tudo – até a qualidade do som – seja consistente de uma tomada a outra.
3. Mantenha seus dias de filmagem próximos um do outro. Quanto mais tempo passa entre as filmagens, mais espaço há para os cineastas esquecerem os detalhes de cada cena – ou pior, maior a possibilidade de que os locais de filmagem passem por mudanças significativas, como a transição do verão para o outono. Sempre que possível, um curto período de tempo entre as filmagens pode ajudar a garantir que os membros da equipe se lembrem dos detalhes de cada cena e podem minimizar a possibilidade de mudanças climáticas ou outras variações de localização.
4. Contrate um supervisor de roteiro. A continuidade é uma grande responsabilidade no set, e com tantos outros trabalhos que precisam ser feitos, manter a continuidade pode rapidamente se tornar opressor para os membros da equipe com outros trabalhos. É por isso que a maioria das equipes de cinema e TV incluem um supervisor de roteiro, cuja única responsabilidade é garantir a continuidade entre tomadas e cenas.

Confira também:  Iluminação de 3 pontos: Como configurar sua luz principal, luz de preenchimento e contraluz

Gostou das nossas dicas para manter a continuidade no filme? Deixe um comentário abaixo sobre o texto e não esqueça de compartilhar o post com seus amigos. 

Acompanhe outras dicas de audiovisual e cinema aqui no nosso site. 

O post Continuidade no Filme: Principais fundamentos para manter a fluidez nas suas filmagens apareceu primeiro em Luz, Câmera e ação! .

Walter Murch, editor de “O Poderoso Chefão”, “Apocalypse Now”, entre outros, introduz essa questão em seu livro “In The Blink of an Eye”. Se em nossa vida cotidiana experienciamos a realidade de forma contínua, por que aceitamos tão facilmente a descontinuidade no cinema? Ele coloca a questão dessa forma para explicar justamente o contrário: Nossa realidade aparenta ser um contínuo, mas experienciamos descontinuidade em muitos aspectos da nossa vida. Todos temos a experiência de ver algo na realidade e ser automaticamente transportados para uma imagem mental, ou para uma memória, ou ainda para cenas dentro da nossa imaginação. A própria experiência da memória pode ser relacionada à experiência de cortes em um filme: Quando lembramos o que fizemos ontem, uma série de imagens e fatos nos vem à mente de forma ordenada, mas não lembramos cada segundo do dia. Há “cortes”, vácuos no tempo e, ainda assim, entendemos tudo como parte de um todo, como numa história. Da mesma forma, podemos dizer que nossos sonhos apresentam descontinuidade, similar ao conceito de edição.

Para Murch, o que mais chama atenção sobre essa questão é o paralelo que pode ser feito entre cortes e o ato de piscar. A experiência de observar algo, piscar, e olhar para outra coisa é bastante similar a experiência de edição. Neste paralelo, Murch vai adiante e observa que o ato de piscar vai muito além do que mera função biológica de umedecer a superfície dos olhos. Ele nos chama a atenção para a hipótese de que há uma relação entre a frequência das piscadas com nosso estado emocional. “Se fosse apenas uma questão biológica (…) você piscaria apenas quando seu olho começa a ficar seco, e isso seria um numero constante para cada tipo de ambiente. Claramente não é este o caso: pessoas ficam sem piscar por minutos em determinados momentos e, em outros, piscam repetidamente, com variações entre um momento e outro”. Então fica a pergunta: o que nos faz piscar? 

Para Murch, o ato de piscar representa pausas em nossos pensamentos. Piscamos quando entendemos algo, ou para separar e organizar ideias dentro de nossas cabeças da mesma forma que cortes em um filme são como “piscadas” que pontuam imagens. Cada corte, para Murch, deve então refletir uma pausa em um pensamento, como vírgulas e pontos finais num texto. Dessa forma, o ato de editar um filme passa a estar muito mais relacionado com o estado emocional que o editor quer criar no expectador e não mais o simples ato de unir imagens numa cena. De fato, se é certo que o ritmo com que piscamos se relaciona diretamente com nossas emoções e pensamentos, o ato de piscar diz respeito intimamente com quem somos. Murch então nos dá um de seus maiores insights: A forma como cada ator pisca pode influenciar como editamos um filme. Para ele, um bom editor é aquele que se sensibiliza “com o ritmo que um (bom) ator nos dá, e acha caminhos para expressar esse ritmo (…) de forma que o filme como um todo é uma elaboração desses padrões de sentimentos e pensamentos”, sendo que uma das formas para acharmos esse ritmo é observando quando o ator pisca. 

O post Por que cortes funcionam? A teoria de Walter Murch apareceu primeiro em Luz, Câmera e ação! .