Embora o silêncio total e absoluto no filme seja relativamente raro, o silêncio parcial, em que não há diálogo por um período prolongado de tempo ou onde não há música de fundo, é comumente utilizado com grande efeito devido ao impacto emocional que tem sobre os espectadores, o nível de imersão que cria e a quantidade de intriga que gera para cativar melhor o público.

O filme Um Lugar Silencioso ajudou os espectadores a apreciar o silêncio como um artifício dramático. Aqui, exploramos as razões pelas quais às vezes o silêncio no filme reina (via ecg productions).

O silêncio no filme constrange

Não estamos acostumados a silêncios e, de certa forma, temos medo deles. No mundo ocidental, é considerado estranho ou rude não falar por um longo período de tempo. Portanto, o silêncio que precede a palavra falada pode criar tensão. Martin Scorsese usa essa técnica em uma cena notoriamente desconfortável de Os Bons Companheiros.

Impacto emocional

Coll Anderson, o supervisor de edição de som e engenheiro de regravação de Martha Marcy May Marlene, afirma que a cena mais traumática do filme (não quero estragar o filme para ninguém, mas se você viu o filme então sabe exatamente de qual parte estou falando) inicialmente não havia som audível proveniente da apresentação de Elizabeth Olson; apenas o som de um drone ambiente enquanto soa assustadoramente ao fundo. Mas na última hora, bem quando o filme ia ser entregue, decidiu-se que não ter som nenhum da atuação do ator seria muito perturbador para o público. Eles não seriam capazes de lidar com isso. Então, para diminuir o golpe, eles adicionaram som suficiente à cena para que o público ainda ficasse emocionalmente atingido pelo que estavam testemunhando, sem causar qualquer tipo de colapso emocional que os impedisse de terminar o filme.

Ao adicionar o som de volta à imagem, a equipe criativa do filme estava essencialmente fornecendo um meio ao público de se manterem firmes e dando-lhes a oportunidade de serem meramente uma testemunha do que estava acontecendo no filme, em vez de serem ativos participante. Quando você retira uma parte do som de uma cena, cria um vazio que os membros do público devem preencher por conta própria para compreender o que estão vendo. Preencher os espaços em branco faz com que o espectador se torne mais intimamente ligado ao filme, deixando-o mais emocionalmente exposto e vulnerável.

Criando uma Imersão Mais Profunda

Recentemente, vi o filme Silêncio nos cinemas com um bom amigo meu e, condizente com o título, o filme é bastante silencioso. Tem uma paisagem sonora sutil que é utilizada de forma eficaz para aumentar o drama do filme, bem como enfatizar o diálogo e os efeitos sonoros. O som das ondas quebrando rasgando a carne dos devotos cristãos não seria tão doloroso se uma música de fundo tocasse durante a cena. A ausência de som invoca uma sensação amarga de realismo arrepiante, de que é difícil escapar. Ao omitir a música de certas cenas como essa, o público é mais capaz de se conectar com o que está vivenciando, pois a lacuna que existe entre o membro do público e o que é retratado na tela é drasticamente reduzida. O espectador é enrolado, ficando totalmente imerso na cena como se ele próprio estivesse nela.

Criando intriga

A atuação de Viola Davis indicada ao Oscar como Rose Maxson teve muito espaço para respirar em Um Limite Entre Nós, em grande parte devido à escassa paisagem sonora musical que permeava o filme. A trilha musical do filme funcionou mais como uma ferramenta de transição entre as cenas do que como um agente de desenvolvimento emocional. O filme permitiu que as longas sequências de diálogo entre os personagens permanecessem livres do acompanhamento musical, dando aos espectadores uma perspectiva interna e direta do que esses personagens estavam realmente passando. 

Durante a cena em que o personagem de Denzel Washington, Troy Maxson, faz uma revelação surpreendente para sua esposa que muda para sempre a dinâmica entre eles (novamente, sem spoilers), o público fica sem nada em que se apoiar para suporte emocional enquanto são expostos para o desempenho impressionante dado pelos dois atores principais. A ausência de uma pista de apoio nos obriga a prestar muita atenção ao que está sendo dito na câmera. O silêncio faz com que uma cena pareça importante e, se o espectador considerar uma cena importante, é mais provável que ele dê atenção a ela. Cada palavra trocada corta profundamente e ganha mais significado devido à gravidade percebida da situação. Isso permite que o conteúdo seja mais prontamente absorvido e digerido pelo espectador, tornando o uso do silêncio uma ótima técnica para enfatizar os trechos dramáticos importantes de um filme.

O silêncio no filme tem um papel profundo no desenvolvimento do tom emocional de um filme e é uma ótima ferramenta para capturar a sinceridade por trás das performances vistas na tela enquanto simultaneamente cativa o público enquanto suas mentes correm para preencher as lacunas do que eles não estão realmente ouvindo.

Confira também:  O que é som no audiovisual?

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O que é o processo de casting?

O casting é um processo de pré-produção que envolve a escolha de atores para preencher os papéis em um determinado programa de TV, filme, comercial ou peça. Diretores e produtores contratarão um diretor de elenco para supervisionar o processo de casting, que inclui audições, testes de interação e callbacks. 

O diretor de elenco frequentemente contratará uma equipe para ajudá-lo a facilitar os aspectos administrativos e organizacionais do processo. O trabalho do diretor de elenco é encontrar o melhor talento possível para os papéis e apresentar essas opções aos diretores e produtores que, então, tomam as decisões finais do elenco.

Enquanto a maioria dos atores faz testes para papéis na TV, longas-metragens, curtas-metragens e peças, alguns atores notáveis recebem papéis sem fazer testes, com base na força de suas atuações anteriores ou potencial para atrair determinados públicos.

Por que o casting é importante?

O casting é uma das partes mais cruciais do processo de filmagem porque o desempenho do elenco pode impactar significativamente a forma como o público e os críticos recebem um filme. Escolher o ator certo pode aprimorar seu projeto, enquanto um papel errôneo pode diminuir a credibilidade de um personagem em particular, o que pode ser prejudicial para um filme ou programa de TV. 

Mesmo que o personagem seja desagradável ou um anti-herói, o público deve acreditar no desempenho do ator para permanecer inserido na história. Encontrar o talento certo para uma função pode ser desafiador porque requer uma combinação de análise crítica, instinto e bom timing.

Como fazer o casting de um filme

Diretores independentes notáveis como Spike Lee e David Lynch têm suas próprias dicas exclusivas para o elenco de um filme. Para uma análise geral das etapas essenciais a serem executadas ao lançar seu projeto, confira as dicas a seguir:

1. Decupe o roteiro. Para decupar um roteiro, os diretores de elenco irão ler um roteiro e criar descrições de personagens para cada papel falado. Eles compilam essas descrições em uma análise do elenco que contém informações sobre todos os diferentes papéis, incluindo a faixa etária dos personagens, aparência, anotações sobre os personagens e qualquer história de fundo relevante que possa ajudar o ator a incorporar ainda mais o papel.
2. Envie as análises dos personagens. Alguns diretores de elenco abrirão uma convocação para audições online ou enviarão os detalhes do elenco diretamente para os agentes de talentos. Para realizar uma chamada de elenco aberta, poste os perfis dos personagens em sites de elenco relevantes ou grupos em redes sociais para encontrar atores menos conhecidos que podem ser certos para o papel. Se você estiver enviando o detalhamento para uma agência de talentos, eles o usarão para determinar qual talento em sua lista atual pode cumprir a função e recomendar os atores que eles acham que são a escolha certa.
3. Forneça cenas-testes. Existem dois tipos de audições: presenciais e à distância (o talento grava a audição e envia para o casting). Esteja chamando um ator para uma audição pessoal ou solicitando uma gravação, você precisará fornecer a eles cenas-testes, uma pequena amostra de diálogos relevantes e ações para o talento interpretar. Cenas-testes podem ajudar o diretor de elenco a imaginar um determinado ator como o personagem, ou descartá-lo completamente.
4. Envie um callback. Ao selecionar o elenco, é essencial ver o maior número possível de artistas para ampliar a seleção de talentos à sua escolha. Você pode precisar ligar de volta para alguns atores várias vezes para realizar diferentes cenas para ver se eles são realmente adequados para o papel. Você também deve comparar o desempenho deles com o de outros atores em potencial para ajudá-lo a tomar a melhor decisão possível de elenco. Os callbacks ajudam o departamento de elenco a restringir sua busca pelo artista perfeito, permitindo que a equipe analise novamente uma escolha viável.
5. Teste de tela. Um teste de tela é uma audição filmada em que um ator interpreta cenas-testes na câmera. O departamento de elenco usa testes de tela para analisar desempenho, figurino, maquiagem e a química na tela entre os atores. Se o seu projeto tiver vários protagonistas, você precisará garantir que eles funcionem bem juntos e tenham uma boa química. Os testes de tela permitem que você veja como um ator se apresenta para a câmera, sua química na tela com seus colegas de elenco e se eles têm a presença certa para o papel.
6. Faça as seleções. Enquanto a empresa de elenco é responsável por fornecer o talento, o diretor e os produtores decidem quais atores contratar para o papel. Escolha o ator que melhor se adapta ao papel e ao seu orçamento.

Confira também: 5 métodos de atuação para atores que você precisa conhecer

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Você pode não perceber, mas existem vários métodos de atuação para atores.

Na sua grande diversidade de estilos, formas, temas e funções, o teatro de hoje tem suas raízes em um impulso básico de incorporar expressões mimeticamente.

A falta de evidências documentais torna impossível determinar exatamente como o teatro começou, embora geralmente se acredite que tenha evoluído a partir de rituais religiosos.

A primeira vez que o teatro realmente se libertou do ritual religioso para se tornar uma forma de arte foi na Grécia no século VI aC, quando o ditirambo foi desenvolvido. O ditirambo era uma forma de música coral cantada em festivais em homenagem a Dionísio, o deus do vinho, da fecundidade e da vegetação. De acordo com a tradição grega, o ator e dramaturgo Thespis inventou o drama quando ele aumentou o coro do ditirambo com um único ator que usava máscaras para retratar vários personagens diferentes.

Hoje em dia o método de atuação para atores mais difundido é o Stanislavski. Confira abaixo mais detalhes sobre ele (via Project Casting).

Métodos de Atuação para Atores

1 – Método Stanislavski

Constantin Stanislavski (1863-1938) foi um ator, diretor, pedagogo e escritor russo de grande destaque. Ele criou a técnica de atuação chamada Atuação Clássica. O método de Stanislavsky é uma técnica de atuação que tem uma abordagem sistemática para treinar atores.

As áreas de estudo incluem:

• concentração
• voz
• habilidades físicas
• memória emocional
• observação
• análise dramática.

O objetivo de Stanislavsky era encontrar uma abordagem universalmente aplicável que pudesse ser útil a todos os atores. Ele disse sobre seu sistema:

“Crie seu próprio método. Não dependa servilmente do meu. Construa algo que funcione para você! Continue quebrando tradições, eu imploro.”

No método de Stanislavski são usados os sentimentos e as experiências de um ator para se conectar com o personagem que ele está representando.  O ator entra na mente dos personagens, encontrando coisas em comum para dar uma representação mais precisa deles.

Esse método influenciou muitos dos seguintes métodos de atuação para atores, como o do Strasberg.

2 – Método Strasberg

Esse método é creditado a Lee Strasberg (1901-1982) e aos membros de seu grupo de teatro. Os atores Sanford Meisner, Robert Lewis e Stella Adler foram alguns que trabalharam com Lee Strasberg e ajudaram a desenvolver essa técnica de atuação.

O ensino de Strasberg enfatizou a prática de se conectar a um personagem baseando-se em emoções e memórias pessoais, auxiliadas por um conjunto de exercícios e práticas, incluindo memória dos sentidos e memória afetiva.

A técnica de atuação de Strasberg possui diferentes variedades. No geral, as técnicas desse método obrigam os atores a se imaginar com os pensamentos e emoções de seus personagens para desenvolver performances realistas. Esse tipo de método de atuação é comum a muitos atores americanos que você vê na televisão, como Jared Leto, Jake Gyllenhaal e Angelina Jolie.

Esse método foi uma das grandes influências para outro muito conhecido, o método da Stella Adler.

3 – Método da Stella Adler

Stella Adler (1901-1992), atriz, professora e fundadora do Stella Adler Studio of Acting, desenvolveu um estilo único de atuação, centrado na imaginação do ator.

Entre as influências de Adler estavam Konstantin Stanislavski e Lee Strasberg. Adler foi uma das poucas atrizes americanas que realmente estudou com Stanislavski. E embora seu método de atuação tenha semelhanças com esses dois ícones renomados, ela se separa do grupo, acrescentando o poder da imaginação ao conceito de recordação emocional.

Adler acreditava que focar demais em recordar emoções pessoais não era uma maneira saudável de abordar a arte da atuação. Ela disse:

“Mergulhar nas emoções que eu vivenciei – por exemplo, quando minha mãe morreu – para criar um papel é doente e esquizofrênico. Se isso é atuar, eu não quero fazer isso.”

Confira também: A Importância da Regra dos 180º

4 – Método do Peter Brook

O método de atuação de Peter Brook(1925-)enfatiza a comunicação entre os atores e o público. Esse foco, resumido na nomenclatura de Antonin Artaud “Teatro da Crueldade”, foi direcionado para provocar a maior reação emocional dos membros da plateia. Em outras palavras, faça-os se contorcer desconfortavelmente em seus assentos. Alguns dos exercícios de direção desse método mostram essa mudança de foco, tentando fazer com que os atores vão além do “texto”, expressando emoções muito mais fisicamente.

Brook acreditava que, quando o público consegue simpatizar com as emoções dos atores, eles são bem-sucedidos. Quando a plateia fica entediada, ouvindo um recital de palavras sem emoção, o ator falha.

Se o ator não estiver 100% comprometido com o papel e não tiver investido na profundidade emocional e não acreditar no personagem, ele não fará uma conexão com seu papel, assim fazendo com que ele não faça uma conexão com os seus parceiros de cena, com a peça e, principalmente com o seu público.

5 – Método Meisner

A técnica de atuação de Sanford Meisner (1905-1997) está intimamente relacionada à técnica de atuação do Strasberg. Ela requer que o ator se concentre não em si mesmo, mas inteiramente no outro, como se ele fosse real e só exista naquele momento. Esse tipo de método de atuação faz a cena do ator parecer mais autêntica para o público.

O exercício essencial que Meisner inventou para treinar as respostas dos atores é chamado de Exercício de Repetição.

Neste exercício, dois atores se sentam um diante do outro e respondem um ao outro através de uma frase repetida. A frase é sobre o comportamento um do outro e reflete o que está acontecendo entre eles no momento. A maneira como essa frase é dita, conforme se repete, muda de significado, tom e intensidade para corresponder ao comportamento que cada ator produz em relação ao outro. Através desse dispositivo, o ator deixa de pensar no que dizer e fazer e responde de maneira mais livre e espontânea, tanto física quanto vocalmente.

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