É de conhecimento geral que os maquiadores tradicionais tornam os atores e atrizes (e o resto de nós!) Mais atraentes, escondem as falhas e aumentam a beleza. Mas transformar personagens em criaturas assustadoras, feridas, sobrenaturais ou mutiladas para o cinema, a TV e o palco é o papel dos maquiadores de efeitos especiais (maquiadores SFX).

Esses profissionais sabem simular o aparecimento de lesões, envelhecimento, outras características mundanas e deformidades. Eles sabem como criar feridas de bala e queimaduras, e podem até mudar completamente o formato do nariz de alguém. E eles fazem tudo isso parecer real! Vamos conhecer mais sobre como funciona a maquiagem de efeito (via New York Institute of Beauty).

Maquiadores SFX e suas ferramentas e materiais

Os maquiadores de efeitos especiais usam maquiagem padrão de palco / filme, mas também usam uma variedade de próteses – geralmente feitas de látex, silicone ou borracha. Alguns até incluem peças robóticas móveis.

Criar essas alterações realistas geralmente significa muitas horas com o ator na cadeira, com o artista SFX trabalhando duro. É necessária uma atenção meticulosa aos detalhes no processo de várias etapas de reforma do rosto.

Qualidades de um grande maquiador SFX

Os artistas SFX devem ser capazes de se comunicar bem com os atores e membros da equipe enquanto planejam suas mudanças no SFX e mantêm uma presença calma durante a aplicação e os testes de maquiagem. Eles terão que coordenar seu trabalho com o departamento de efeitos especiais, bem como com figurinistas e maquiadores convencionais.

Em quais tipos de projetos os maquiadores SFX trabalham normalmente?

Os maquiadores de efeitos especiais costumam trabalhar em ficção científica e filmes de terror, mas são necessários em qualquer filme em que os personagens passam por uma mudança dramática na aparência.

Por exemplo, um personagem pode precisar de dez, vinte ou mais anos. Eles podem precisar ser baleados ou espancados ou passar por uma transformação sobrenatural. Isso significa que o artista SFX é uma presença importante no set de muitas produções. De zumbis a vítimas de tiros, alienígenas a monstros, os artistas SFX criam a realidade na tela que dá vida à história do cinema, da TV e do palco.

Ideias de maquiagem de efeito para iniciantes 

1. Cortes e feridas

Itens necessários:

• discos de algodão
• cola branca
• sangue falso (você pode fazer o seu próprio – veja o número 2)
• sombra ou tinta (opcional).

O artista neste vídeo usa cola, discos de algodão e sangue falso para criar três tipos diferentes de feridas. É bastante comum não ter látex líquido quando você está começando e cola branca ou cola para cílios são alternativas excelentes. Se você quiser acelerar o processo de secagem, é definitivamente uma boa ideia obter uma ajudinha de seu secador de cabelo. Para fazer cortes e feridas com esse tipo de técnica, você pode usar cola branca ou cola para cílios e bolas de algodão, discos de algodão, papel de seda ou basicamente qualquer outra coisa com que você possa fazer uma ferida. Você pode colorir suas feridas com delineador labial vermelho, sombras, pinturas faciais ou uma roda de hematoma. Use diferentes tons de sombra ou tintas para adicionar realismo e profundidade às suas feridas.

2. Sangue falso

Itens necessários:

• corante alimentício vermelho
• outros produtos de cozinha opcionais, como cacau em pó e xarope de milho.

Muitos tutoriais, como o primeiro que coloquei nesta lista, presumem que você já tenha sangue falso. Mas se não tiver, não tem problema. Sangue falso é provavelmente um dos produtos de maquiagem SFX mais fáceis de fazer em casa e existem zilhões de diferentes receitas possíveis por aí. Foi escolhido esse tutorial do Ellimacs porque eles fornecem quatro receitas diferentes e são todas coisas que você pode encontrar facilmente em sua casa. Com um pouco de experimentação, você pode até criar sua própria receita de sangue falso. Outra razão pela qual foi escolhido um tutorial caseiro de sangue falso é que nunca se sabe se um sangue comprado em loja é seguro para a boca ou não, então se você for colocar sangue na boca é melhor saber que tudo veio de coisas da sua cozinha. Uma terceira razão, como se você precisasse de mais alguma para escolher um sangue falso saboroso e caseiro, você pode realmente personalizar a cor e a consistência do seu sangue. Dependendo da idade do sangue, de onde está fluindo, quão vermelho brilhante e berrante você quer que pareça, um jarro de sangue padrão pode não funcionar para você. É definitivamente útil saber como personalizar seu próprio sangue falso.

3. Gelatina FX e Próteses de Gelatina

Itens necessários:

• gelatina
• glicerina
• água

Há tantos tutoriais de próteses usando silicone, látex, espuma de látex e tantos outros produtos que provavelmente um maquiador iniciante não tem em casa. Usar gelatina FX caseira para próteses é tão incrível quando você está começando porque é barato e fácil. Se você não gosta de como sua prótese sai, você pode facilmente fundir a gelatina novamente e tentar novamente. Os materiais de que você precisa para fazer essa mistura são gelatina, glicerina (que são fáceis de encontrar em seu supermercado ou farmácia) e água.

Foi incluído um segundo tutorial sobre esculpir e moldar com argila, gesso e gelatina, mas você pode estar usando sua gelatina de várias maneiras diferentes. O gesso é muito barato e fácil de usar. É importante salientar que você nunca deve aplicar o gesso diretamente na pele porque ele aquece durante a cura, portanto, sempre use uma escultura de argila em vez da pele para criar o molde de gesso. Ao usar gelatina, você pode optar por aplicá-la diretamente na pele para criar efeitos diferentes, mas, novamente, tome cuidado com a gelatina porque ela fica muito quente quando você a derrete.

Qual dessas ideias de maquiagem de efeito para iniciantes você vai experimentar?

Todos esses tutoriais não são apenas úteis para mostrar truques que não exigem nenhum produto especial de SFX, mas também para fazer com que você olhe para as coisas que tem ao seu redor e considere outro uso para elas. Muitas das melhores maquiagens SFX não usam nada mais do que suprimentos de supermercados e a própria criatividade do artista.

Quando você está apenas começando com a maquiagem SFX, é muito importante praticar o máximo que puder e ficar realmente confortável com a criação de feridas falsas, contusões, próteses e todas essas outras coisas boas. Não há necessidade de esperar até ter um kit profissional completo para fazer isso, apenas encontre uma maneira de contornar a necessidade daquele produto e vá em frente! (via MixxSFX).

Confira também: Direção de arte: 7 pequenos detalhes que você não pode esquecer

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Não subestime o poder da maquiagem no audiovisual! (via cinelinx).

Usando maquiagem no audiovisual para criar um estilo

Exemplo: Edward Mãos de Tesoura (1990)

Enquanto Edward Mãos de Tesoura pode ser um dos personagens mais amados de Burton por causa da atuação de Johnny Depp, o personagem também é memorável por sua aparência. Para começar, há seu cabelo de ninho de pássaro. A aparência rala de teia de aranha não só reafirmou o público sobre a existência triste, solitária e sem pais de Edward, mas também se tornou um identificador fácil para o estilo gótico de Burton. Na verdade, o penteado selvagem, indomado, mas sólido, de Edward era semelhante ao de Beetlejuice, cujo filme foi lançado dois anos antes, e seria semelhante a muitos outros personagens que veríamos em filmes posteriores de Burton.

A maquiagem branca pastosa de Edward ajudou o público a entender que ele não era apenas um homem normal. A cor pálida de sua pele ajudava a destacar seu cabelo e roupas pretas, mas também era usada para enfatizar as cicatrizes em relevo em seu rosto. Ao direcionar a atenção do público para as feridas auto infligidas acidentalmente, o público de certa forma sente pena de Edward, o que é uma necessidade para a história funcionar. E o personagem Edward Mãos de Tesoura também deve muito ao supervisor de efeitos especiais Stan Winston, que já havia trabalhado em Aliens, O Enigma de Outro Mundo e O Exterminador do Futuro. Especificamente, Winston trouxe seu conhecimento de próteses funcionais para Edward Mãos de Tesoura para criar a característica mais memorável do personagem.

Usando maquiagem para expressar uma opinião

Exemplo: A Mosca (1986)

Enquanto a maioria dos filmes de Cronenberg apresenta trabalhos de maquiagem louváveis, aqui escolhemos destacar A Mosca porque os efeitos de maquiagem são uma parte muito importante do filme e de sua história. O filme rendeu um Oscar para o artista Chris Walas e para o trabalho de sua equipe na transformação do cientista Seth Brundle em um híbrido humano / mosca. O filme é considerado uma metáfora para os efeitos do envelhecimento e, portanto, a equipe de efeitos se concentrou em fazer a aparência de Brundle parecer mais frágil com o tempo. Isso inclui manchas na pele, queda de cabelo e postura corporal cada vez mais curvada. Eles começaram criando primeiro o visual do estágio final da transformação e, a partir daí, retrocederam para representar as diferentes etapas durante o curso do filme. Cronenberg realmente queria mostrar o desamparo de todos nós à medida que envelhecemos, e ele usou cenas como as unhas de Brundle caindo para nos lembrar de nossa mortalidade. Embora grotescos e perturbadores, os efeitos de maquiagem e criatura usados ​​em A Mosca são eficazes.

Maquiagem como um mecanismo de plot

Exemplo: Tootsie (1982)

A maquiagem no audiovisual permite que os atores se transformem em seus papéis, e nenhum filme destacou essa observação tão bem quanto Tootsie. No filme, Dustin Hoffman interpreta um ator chamado Michael Dorsey, que não consegue um emprego como ele mesmo. Como resultado, ele se veste de mulher e cria uma nova identidade. Ele se apaixona por sua nova persona e, devido ao seu sucesso, torna-se mais confiante. O filme torna-se, portanto, uma exploração interessante da beleza interna e externa, bem como do impacto que a maquiagem e a aparência podem ter na vida de um indivíduo. Por um lado, a maquiagem deixa Dorsey mais perceptível e, quando as pessoas o notam, valorizam seus talentos. Por outro lado, uma vez que ele se torna esse novo personagem, ele percebe coisas que nunca havia notado sobre si mesmo, das quais sente falta. Quando Dustin Hoffman se inscreveu para o papel, ele queria ter certeza de que a personagem feminina que interpretou parecia o mais realista possível. A equipe de maquiagem passou por várias rodadas de testes a fim de obter o visual perfeito no filme.

Uso inovador de maquiagem para criar algo novo

Exemplo: O Mágico de Oz (1939)

O Mágico de Oz foi a maior produção cinematográfica de seu tempo e realmente preparou o cenário de maquiagem e figurinos sofisticados para as décadas seguintes. Com tantos personagens que precisavam de maquiagem antes de filmar, o estúdio realmente criou uma “linha de montagem” para reduzir o tempo de preparação. Esse planejamento avançado para aspectos da produção, como maquiagem, foi um importante ponto de inflexão na produção de filmes que mais tarde se tornaria uma necessidade à medida que os filmes se tornassem maiores e mais complicados. Para o público, foi emocionante ver um filme mainstream com personagens variados e de aparência realista que não eram humanos. O sucesso e o status duradouro do filme ajudaram a convencer os estúdios de que maquiagem e efeitos de figurino mais realistas podiam valer o esforço extra.

Na verdade, os atores de Mágico de Oz enfrentaram muita luta para fazer tudo certo. O Homem de Lata originalmente deveria ser interpretado por Buddy Ebsun, mas ele desenvolveu uma alergia à maquiagem que o levou ao hospital por 6 semanas para se recuperar. Jack Haley foi o seu substituto e ele teve que trabalhar em um terno de metal incrivelmente restritivo que não lhe permitia sentar. Os trajes e a maquiagem do Leão Covarde, do Espantalho e da Bruxa Má eram tão realistas que os funcionários da MGM que não faziam parte da produção pensaram que eram reais. A MGM fazia com que os atores que representavam esses personagens almoçassem em seus trailers quando fantasiados, porque assustavam demais as pessoas. Por fim, o filme também desenhou seus figurinos e maquiagem em torno do processo Technicolor. A filmagem colorida exigia muita iluminação, então a maquiagem não precisava destacar as características faciais tanto quanto era típico em preto e branco. Em vez de chinelos prateados como no livro, um dos diretores do filme escolheu chinelos vermelho rubi para destacar o efeito de cor. Da mesma forma, o branco não ficava bem em Technicolor, então, em vez disso, um tom claro de rosa foi usado onde trajes brancos eram necessários, como a blusa de Dorothy.

Confira também:  Como fazer um storyboard: Principais fundamentos

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Há uma etapa importante entre a idealização e a criação de filmes e outras mídias que exigem o planejamento de cenas: fazer um storyboard.

Confira abaixo como fazer um storyboard e seus principais fundamentos (via MasterClass).

O que é um storyboard?

Um storyboard é um esboço visual de um filme (seja um curta ou longa-metragem) ou animação. É uma parte importante do processo de pré-produção e consiste em uma série de imagens que mostram tudo o que vai acontecer em sua peça acabada.

Muitos storyboards são desenhados à mão, mas alguns criadores ou animadores optam por usar software de storyboard. O resultado final lembra uma história em quadrinhos.

Por que o storyboard é importante?

Se você está trabalhando com um script, já conhece o fluxo do seu projeto. A chave é traduzir esse fluxo e as novas ideias da forma de palavra para a forma de imagem. Cada imagem em seu storyboard precisa incluir informações suficientes para que alguém que nunca leu seu roteiro possa vê-la e saber o que está acontecendo. Mas não deve conter muitas informações, pois isso irá atrapalhar os detalhes relevantes.

• Pense no storyboard como a novelização gráfica de seu roteiro, em que cada painel representa um novo ângulo de câmera ou um momento-chave da ação.
• O objetivo do processo de storyboard é duplo: garantir que você obtenha toda a cobertura necessária no set para criar uma história coerente e emocionante na sala de edição e fazê-lo de forma econômica, para evitar gastar tempo desnecessário com filmagens ou perder dinheiro na produção de vídeo ou efeitos especiais.
• Bons storyboards podem ser extremamente úteis ao dirigir grandes sequências de ação. Desenhar sua lista de filmagens pode ser um princípio organizador na cacofonia de produzir filmagens complicadas. Os storyboards tornam-se um mapa preciso do que é quase certo que será um dia agitado de filmagem. Você quer que tudo saia como planejado.

Tomadas e cortes

Depois das câmeras e lentes, todo narrador de vídeo possui duas ferramentas essenciais: tomadas e cortes. Essas duas ferramentas são muito, muito mais importantes do que o equipamento que você usa.

Uma tomada é um clipe de vídeo. Tem um começo e um fim, mas além disso pode durar qualquer período de tempo (desde que seja ininterrupto) e conter o que você quiser. A escolha das cenas é a ferramenta expressiva fundamental da narrativa em vídeo, e há muitos tipos diferentes de cenas que você pode fazer. A maneira como você faz suas filmagens é o principal sinal para que seu público se sinta de uma certa maneira ao assistir ao seu vídeo.

Um corte é o fim de uma tomada. Os cortes são sua ferramenta narrativa essencial. A forma como uma cena termina e, em seguida, como a próxima começa, é a forma principal com que o vídeo conta uma história. Bons cortes criam continuidade e coesão e mantêm o público envolvido com a história. Você decide quando fazer um corte duas vezes: uma vez quando você está gravando seu vídeo original e novamente na pós-produção quando você corta e edita seus clipes juntos.

Fazer boas tomadas e cortes é mais difícil do que parece! É especialmente difícil fazê-los bem sem um planejamento.

Como fazer um storyboard em 4 etapas fáceis

Siga estas etapas para criar seu primeiro storyboard.

1. Faça uma lista de planos. Pegue uma cena de seu roteiro e faça uma lista de planos. Como os ângulos de câmera específicos podem contar a história ou tornar um momento mais impactante? O que você pode revelar sobre seus personagens e a história através dos ângulos da câmera? Desenhe um esboço de sua lista de planos.
2. Faça um esboço. Esteja você trabalhando em um longa-metragem ou em um curta de animação, escolha uma das sequências mais complexas e analise uma visão da cena. Liste todos os planos que você prevê que serão necessários como matéria-prima e, a seguir, esboce-os nos quadrados de seu storyboard, como uma história em quadrinhos. Se você não é muito bom em desenhar, não há problema em usar formas básicas e figuras fixas em um pedaço de papel. Mas se você não está obtendo o efeito desejado, pode trabalhar com um artista de storyboard para fazer alterações ou mapear uma sequência proposta. 
3. Preencha com os detalhes. Seu storyboard deve conter os elementos mais importantes de cada cena. Mas, embora seja uma imagem estática, o resultado final será um vídeo ou animação em movimento que segue todo o enredo. Com isso em mente, certifique-se de indicar movimento em seu storyboard. Por exemplo, você pode indicar a direção em que uma pessoa está caminhando com setas. Você também deve incluir quaisquer adereços que estarão presentes no produto final, bem como os ângulos da câmera e o enquadramento de cada cena. Uma boa regra prática é incluir um esboço geral de todos os detalhes relevantes de cada plano, sem se aprofundar muito nos detalhes que distraem.
4. Adicione palavras. Depois de criar as imagens, pode ser útil adicionar palavras na parte inferior das imagens para dar mais contexto sobre o que está acontecendo. Este é um ótimo lugar no processo de storyboard para incluir qualquer coisa que não possa ser expressa em seus desenhos simples, como qualquer locução que você planeja incluir.

Quais são os melhores templates e programas de storyboard?

Se você tem algumas centenas de dólares sobrando, invista em um software de roteiro. Essas ferramentas cuidam da formatação do seu script para que você não tenha que mexer com margens, espaçamento, quebras de página e outros comandos desajeitados de processamento de texto. Esses programas também apresentam muitas outras ferramentas para ajudá-lo a como fazer um storyboard, listas de tomadas, agendas e orçamentos.

Abaixo estão os quatro principais programas de storyboard, do mais caro para o mais barato:

1. Final Draft
2. Movie Magic Screenwriter
3. Fade In
4. Celtx

2 programas alternativos e gratuitos para storyboarding

Se você preferir trabalhar com um programa de modelo de storyboard gratuito com os fundamentos de formatação básicos, considere estas opções.

• Se você já conhece bem o Photoshop, pode usá-lo para criar seu storyboard. Existem até vários modelos de storyboard gratuitos que você pode carregar direto para o Photoshop, tornando mais fácil e acessível a criação de seus próprios storyboards.
• O StudioBinder oferece soluções personalizadas para gerentes de produção, como detalhamentos de scripts, listas de tomadas, storyboards, cronogramas de filmagem, listas de contatos, gerenciamento de tarefas e calendários e muito mais. Disponível em vários níveis de assinatura diferentes, bem como para uma avaliação gratuita, o site também publica um blog útil cheio de dicas para a pré-produção.

Ao começar sua carreira no cinema, lembre-se de que um bom storyboard é parte integrante do processo criativo – aquele que o ajudará a traduzir com sucesso sua visão em uma obra de arte.

Confira também:  Continuidade no Filme: Principais fundamentos para manter a fluidez nas suas filmagens

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A cena define o pano de fundo para qualquer história ou experiência, por isso o seu trabalho como cenógrafo é tão importante. Aqui estão alguns detalhes que são importantes para a direção de arte (via TerraCast Products).

1. Use materiais leves e versáteis para acessórios

Usar adereços de palco pesados pode fazer com que todos comecem a se sentir um pouco mal-humorados. Como as coisas precisam ser movidas, é demorado encontrar alguém forte o suficiente para fazer a tarefa todas as vezes. 

Os vasos, por exemplo, são acessórios comuns de direção de arte, mas muitos vasos de boa aparência são extremamente pesados, especialmente depois de adicionar plantas, solo e água à mistura. 

2. Seja criativo e pense fora da caixinha

Você não quer que seu set se pareça com todos os outros, caso contrário, a produção provavelmente perderá sua qualidade única. É muito mais divertido para os espectadores se um set inclui elementos criativos de design de cenário que se destacam e se relacionam com o tema geral. Em vez de pensar nele como um cenário, imagine o que você quer que o espaço seja e torne-o verdadeiro.

3. Remova tudo que não deveria estar ali

Qualquer coisa fora do lugar distrai o público do que realmente está acontecendo. Às vezes, certos elementos da trama exigem uma bagunça, mas não é disso que estamos falando. Estamos falando de cabos, laptops, embalagens ou qualquer outra coisa que lembre o público de que ele está simplesmente assistindo a uma produção, e uma que precisa de uma melhor direção de arte.

4. Considere todos os pontos de vista do público

Um certo adereço de set pode parecer ótimo de um certo ângulo, mas e se mudarmos o ponto de vista? Certificar-se de que todos os adereços estão funcionando para todos os planos fará a diferença para o seu público.

5. A iluminação orienta o filme

A iluminação é um dos aspectos mais importantes de todos quando se trata de cenografia. Uma boa iluminação pode fazer uma caixa de papelão e fita adesiva parecer um castelo real feito de madeira com dobradiças de prata. A cor, a textura e a intensidade da lente são apenas algumas das coisas que a iluminação altera para qualquer público. Se você não é o responsável pela iluminação é muito importante conversar com a pessoa responsável para aproveitar ao máximo os seus adereços.

As luzes LED são altamente recomendadas porque produzem muito menos calor do que outras formas de iluminação. Como resultado, o set não fica tão quente e menos energia é consumida. 

6. Seja eco-friendly 

Seja eco-friendly e crie uma produção mais ecológica usando adereços e materiais de origem responsável. Reduza o desperdício planejando tudo cuidadosamente e comprando a quantidade certa de materiais para a tarefa em questão. Adicione iluminação LED à sua lista para reduzir o uso de energia, economizar dinheiro e manter o aparelho mais confortável.

7. Faça uma lista de tarefas da direção de arte

Uma direção de arte bem-sucedida começa com um plano completo, que provavelmente passará por uma série de mudanças antes de ser finalizado. Aqui está um esboço básico das etapas pelas quais qualquer diretor de arte passa à medida que conclui o processo criativo.

• Leia o roteiro. Comece lendo o roteiro e as anotações do diretor de fotografia. Você não precisa ler linha por linha ou memorizar nada. No momento, você está apenas em busca de pontos-chave do enredo ou conjuntos de peças sobre os quais precisa estar informado.
• Reúna-se com os diretores. O próximo passo é fazer uma reunião com os diretores de produção. Na maior parte do tempo, você senta e escuta durante esse processo, permitindo que os diretores descrevam sua visão. Enquanto alguns diretores darão a você toneladas de liberdade criativa, outros irão controlar e regular quase todos os elementos. Depois de ouvir o que os diretores têm a dizer, é sua chance de discutir quaisquer ideias ou preocupações que você tenha após ler o roteiro e ouvir seus pensamentos. Esta é sua chance de ter certeza de que suas ideias estão de acordo com o que os diretores têm em mente.
• Desenhe sua visão no papel. Depois de conversar com os diretores, você tem uma boa ideia de como vai projetar os cenários. Transforme os planos em esboços que outras pessoas possam ver e entender. Vê-lo no papel também pode desencadear novas ideias a serem formuladas.
• Reúna-se com a equipe criativa. Como cenógrafo, você precisará se reunir com os diretores, o carpinteiro, e qualquer pessoa envolvida nos adereços ou na produção geral. Essas reuniões provavelmente causarão impacto em suas ideias de design, causando um maior desenvolvimento dos planos atuais.
• Seja específico com os detalhes. Agora é a hora de traçar seu plano em escala, usando um programa de desenho de computador ou papel milimetrado para que todas as dimensões estejam em escala. Inclua a escala exata que você está usando. Não se esqueça dos corredores e saídas. Depois de concluído, isso pode ser enviado a todos os gerentes de palco e diretores.
• Pense em cada peça do set. Pense cuidadosamente em cada peça do cenário, em suas dimensões e como elas ficaram nos planos escolhidos. Bem como o tipo de madeira ou outros materiais. É inflexível que o carpinteiro no set ou qualquer outra pessoa responsável pela construção de adereços compreenda totalmente a sua ideia.
• Crie sua lista de materiais necessários. Ao fazer sua lista, você não quer superestimar, mas ainda pior, você não quer subestimar. É melhor examinar um pouco o que você acha que pode precisar. Verifique o que já tem em estoque antes de fazer qualquer compra.

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Talvez você tenha pensado imediatamente na movimentada paisagem urbana industrial de Blade Runner ou no mar de máscaras de Guy Fawkes enchendo as pitorescas ruas de Londres em V de Vingança. Qualquer que seja o mundo do cinema em que você pensou, foi um bom orçamento de arte que fez as configurações do filme ganharem vida – mostrando como a arte do filme pode ser escondida nos elementos que o público não vê.

Para o departamento de arte, um filme é uma oportunidade de simular mundos ou criar mundos totalmente novos. Esteja você procurando fazer um curta-metragem, um longa-metragem ou algo totalmente diferente, a qualidade de seus projetos de mídia pode ser bastante aprimorada pelo trabalho árduo de um talentoso diretor de arte.

No entanto, muitas pessoas, especialmente cineastas independentes, subestimam o valor da direção de arte. Você não precisa dos atores mais conhecidos ou da melhor câmera de vídeo para fazer filmes, contanto que seja capaz de cultivar uma história e um mundo. Nenhuma quantia de dinheiro, escola de cinema ou edição de filme irá salvá-lo se o esqueleto do seu filme não estiver lá.

É por isso que o departamento de arte – e o orçamento para ele – é tão crucial.

Em seu livro Rebel Without a Crew (considerado um dos melhores livros sobre cinema), o cineasta independente Robert Rodriguez conta a história da criação de seu filme de sucesso El Mariachi com apenas US$ 7.000. El Mariachi arrecadou colossais 2 milhões de dólares, o que mostra que você não precisa estar cheio de dinheiro para entrar na cena do cinema- você só precisa saber como montar um bom orçamento de arte  (via The Film Fund).

Improvisar no orçamento de arte do seu filme vai lhe custar dinheiro e energia desnecessárias

Muitos cineastas independentes pensam que, como seu filme custará menos do que uma produção de sucesso de Hollywood, eles terão que se preocupar menos com o orçamento de seu filme.

Isto está muito longe de ser verdade.

Na verdade, você, como cineasta independente, provavelmente precisa prestar mais atenção à origem e destino do seu dinheiro, porque ele não é tão descartável. Mil dólares extras perdidos em uma locação com falha são alguns trocados para muitos cineastas de Hollywood, mas essa mesma quantia de dinheiro pode encerrar ou adiar seriamente o seu projeto de filme no local.

Por esse motivo, é essencial que você crie um orçamento detalhado para o seu filme, especialmente o orçamento de arte. Senão você irá gastar com locações, com um cenógrafo e adereços, e quando perceber seu dinheiro já terá secado.

Crie um modelo para o orçamento do seu filme. Anote todas as fontes de financiamento e calcule quanto você tem. Tire o essencial do caminho – câmera, elenco, equipe, tudo o que o seu filme precisa para existir. Quanto restou? Atribua uma parte ao seu departamento de arte. Não deixe o dinheiro do departamento de arte sair do seu bolso, e olha que esse pensamento com certeza irá passar pela sua cabeça.

Agora que você tem o orçamento básico do filme, detalhe os custos do departamento de arte. Não deixe seu modelo de orçamento ser simplesmente, “Direção de arte: _______ reais.” Pense no que você precisa e faça perguntas a si mesmo.

É uma boa ideia contratar um cenógrafo? A contratação de um cenógrafo deixará dinheiro suficiente para eles comprarem e projetarem?

Como você vai proteger suas locações? Elas vão custar alguma coisa? Você pode encontrar um local diferente se um determinado for muito caro?

Quais adereços são essenciais para o enredo? O que fará com que o ambiente pareça mais autêntico, mais realista? Onde você pode conseguir móveis baratos que realcem o local sem parecerem cafonas?

O mais importante é planejar todos os gastos do seu departamento de arte até o último centavo. Olhe para todas, e quero dizer todas, as suas opções e compare-as. Pegue um pouco dos locais e dê aos adereços, ou vice-versa – não seja ganancioso. Porque se você não fizer um orçamento, vai gastar 20 reais aqui, 50 reais aqui, 100 reais ali, e vai levar à falência o dinheiro do seu filme antes de ter a chance de dizer: “Uau, eu consegui isso por muito mais barato!”

Reserve um tempo para montar seu cenário

O cenário é a tarefa simples (às vezes enganosamente simples) de povoar, posicionar, reposicionar e substituir um espaço vazio ou atual por objetos para criar uma estética coerente e profundidade. Isso muitas vezes é comprometido por uma questão de tempo em detrimento do produto final. Há mais ênfase na tecnologia de câmera ou lente, e não o suficiente na criação de um mundo verossímil em primeiro lugar. Não tenha medo de perguntar ao elenco, à equipe e à família quais itens eles podem possuir e que estariam dispostos a emprestar. Você não precisa de um grande talão de cheques, apenas de um check-list bem organizado!

Explore até achar o local certo

Todos nós sabemos que as locações são obrigatórias para uma narrativa independente convincente, mas parece que muitas produções se esquecem de encontrar um espaço que tenha a capacidade de ser multitarefa. Algumas horas ou dias extras de reconhecimento de locais e planejamento economizarão tempo no seu set.

Você não precisa contratar um olheiro profissional. Faça Você Mesmo.

Obter as locações certas faz parte do seu projeto de produção geral. Sei que você tem muitas coisas a fazer, mas isso é importante. Ninguém conhece sua visão como você. Tente reservar vários dias para encontrar locais próximos que possam ser usados do jeito ​​como estão. Por exemplo, quase todas as cidades têm alguns locais góticos. Tenha cuidado com os cemitérios – por mais impressionantes que possam ser, as pessoas ficam irritadas se você filmar lá sem permissão, e isso não é fácil de obter. Encontre igrejas e obtenha permissão. Não faça cenas nojentas e sangrentas lá. 

Use a iluminação como parte do design do cenário

Invista em uma boa iluminação. Ela pode esconder uma infinidade de pecados. Não é barato, mas pode ser razoável. Lembre-se de que uma boa iluminação no set define o clima, direciona a atenção do público e faz um set comum parecer extraordinário. No mínimo, seu diretor de fotografia precisa saber os fundamentos da iluminação de três pontos e ter um bom olho para isso. Trabalhe junto com ele. Você precisa de uma pessoa responsável pela iluminação, e você precisa ter certeza de que ele também está atento para isso

Considere a atmosfera. Em uma cena noturna filmada sob um poste de luz, aprimore os visuais com névoa ou neblina para realçar os feixes de luz. Filtros de câmera podem ajudar aqui. Flares podem ser adicionados na pós, mas devem fazer parte do plano desde o início. O diretor de fotografia pode supervisionar tudo, mas você precisa de alguém que o controle. Uma boa iluminação pode fazer um filme ruim ficar razoável, e um bom filme ficar ótimo.

Confira também:  Cor na cinematografia: Como usar cores nos filmes

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As filmagens de filmes e séries de TV podem ser caóticas. A grande quantidade de detalhes – desde as configurações da câmera até os adereços – que entram na filmagem de cada cena individual pode ser difícil de acompanhar e isso pode causar problemas com um aspecto importante da narrativa chamado continuidade. Erros de continuidade são um dos erros mais comuns em filmes, e podem ocorrer em qualquer produto audiovisual, desde séries de TV independentes de pequeno orçamento a filmes de alta produção de Hollywood (via Masterclass).

O que é continuidade no filme?

Continuidade é o princípio de garantir que todos os detalhes em um filme ou série de TV sejam consistentes de cena a cena. Se uma cena mantém os padrões de continuidade, ela parece fluir perfeitamente da cena anterior, reforçando uma sensação de realismo na história. Na realidade, porém, cada cena pode ter sido filmada em um momento diferente e em uma ordem completamente diferente. Por exemplo, se no início de uma cena um ator pega um copo com a mão direita, a continuidade determina que ele deve segurar aquele copo com a mão direita durante toda a cena.

Problemas de continuidade ocorrem com mais frequência em cenas de ambientação (geralmente chamados de “planos principais” ou “planos gerais”) e planos médios ou close-ups. Os planos de ambientação são uma visão ampla da cena e podem incluir muitos adereços e móveis, enquanto os planos médios e close-ups focam apenas no ator sem muito background. Durante as filmagens, as equipes de set freqüentemente movem todos os adereços e móveis para dentro e para fora da cena para vários tipos de planos. Esse vaivém facilita os erros de continuidade visual surgirem.

Como identificar erros de continuidade em filmes

Existem várias categorias de continuidade em longas-metragens e séries de TV que os cineastas devem estar cientes durante a produção e pós-produção do filme:

• Continuidade de adereços e figurinos. Inconsistências de adereços e figurinos são os erros de continuidade mais comuns no cinema e na TV. Exemplos de erros entre tomadas incluem canecas de cores diferentes sendo usadas entre as cenas ou diferentes números de botões sendo abotoados no casaco de um ator.
• Continuidade de atuação. Os cineastas costumam gravar vários planos da mesma cena para dar aos editores o máximo de opções possível durante a pós-produção – e com tantos planos, os atores podem acabar fazendo as coisas de forma ligeiramente diferente a cada vez, introduzindo pequenos erros de continuidade. Exemplos de erros na continuidade da atuação incluem atores usando uma mão diferente ao pegar um objeto ou olhando em uma direção ligeiramente diferente em cada plano, criando um ponto de vista flutuante.
• Continuidade de tempo. Quando as programações de filmagem exigem que as cenas sejam filmadas com horas de diferença uma da outra, ou até dias ou meses de intervalo, pode haver variações de continuidade espacial entre as tomadas que podem ser difíceis de planejar. Exemplos de erros na continuidade do tempo incluem mudanças significativas no clima ou na estação, ou diferentes comprimentos de sombras entre as cenas.
• Continuidade de plot. Talvez os erros de consistência mais significativos sejam erros na continuidade de plot. Frequentemente chamados de “buracos na trama”, esses erros não têm a ver com continuidade visual, mas sim com inconsistências conceituais que podem ocorrer quando um roteiro não foi escrito com cuidado, quando um roteiro passou por revisões significativas ou quando os atores improvisam durante as cenas. Por exemplo, se um personagem diz que é filho único e depois conta uma história sobre um irmão, isso seria um problema de continuidade do plot.
• Continuidade de câmera e áudio. Ao longo de um filme ou episódio de TV, as configurações de imagem e os níveis de áudio devem ser consistentes, o que significa que os cineastas precisam ter um cuidado especial para garantir que estejam usando o mesmo equipamento e as configurações corretas para cada plano em uma cena. Caso contrário, pode haver variações perturbadoras em coisas como níveis de luz, nitidez da imagem ou volume.

Por que é importante manter a continuidade?

A continuidade no filme é vital para uma boa narrativa porque ajuda a manter os espectadores imersos na história. Os cineastas querem que o público possa prestar atenção à ação e ao diálogo durante sua história como se estivesse acontecendo no mundo real, e quando cada detalhe de um cenário é consistente em toda a cena, o público pode prestar atenção total.

No entanto, se pequenos detalhes forem inconsistentes ou se houver lacunas no enredo na história, os espectadores se distrairão e não conseguirão se concentrar na narrativa; eles vão passar mais tempo pensando sobre os níveis de água flutuantes no copo de um personagem e menos tempo ouvindo o diálogo ou se preocupando com a história. É por isso que manter a continuidade é crucial – porque ela mantém o público envolvido.

4 dicas para manter a continuidade durante a filmagem

Com tantos dias de filmagem e tantos detalhes em cada cena, pode ser extremamente difícil manter a continuidade em um set. Aqui estão algumas dicas:

1. Tirar fotos. A melhor maneira de garantir que até mesmo os menores detalhes de uma sessão de filmagens permaneçam consistentes é tirando fotos. As fotos ajudam a rastrear detalhes que você não pensaria em notar de outra forma e tornam significativamente mais fácil configurar os adereços da mesma forma entre as tomadas. Essas fotos não precisam ser tiradas com uma câmera DSLR – os cineastas usam câmeras digitais simples ou até mesmo polaroids para manter o controle da continuidade.
2. Mantenha relatórios detalhados de continuidade. Os relatórios de continuidade são registros detalhados de cada dia de filmagem, incluindo configurações da câmera, direção da tela, clima, adereços e quaisquer possíveis desvios do roteiro. Os relatórios de continuidade são uma ótima maneira de garantir que tudo – até a qualidade do som – seja consistente de uma tomada a outra.
3. Mantenha seus dias de filmagem próximos um do outro. Quanto mais tempo passa entre as filmagens, mais espaço há para os cineastas esquecerem os detalhes de cada cena – ou pior, maior a possibilidade de que os locais de filmagem passem por mudanças significativas, como a transição do verão para o outono. Sempre que possível, um curto período de tempo entre as filmagens pode ajudar a garantir que os membros da equipe se lembrem dos detalhes de cada cena e podem minimizar a possibilidade de mudanças climáticas ou outras variações de localização.
4. Contrate um supervisor de roteiro. A continuidade é uma grande responsabilidade no set, e com tantos outros trabalhos que precisam ser feitos, manter a continuidade pode rapidamente se tornar opressor para os membros da equipe com outros trabalhos. É por isso que a maioria das equipes de cinema e TV incluem um supervisor de roteiro, cuja única responsabilidade é garantir a continuidade entre tomadas e cenas.

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Como a cor na cinematografia pode contar uma história?

O principal motivo para usar cores em filmes é óbvio: tornar as imagens coloridas, dinâmicas e bonitas. Mas há uma razão secundária que é facilitar a narrativa visual. É isso mesmo, os melhores usos da cor no filme também contam uma história.

A cor na cinematografia é uma grande parte da mise-en-scéne, ou o efeito geral de tudo o que vemos no quadro. A cor pode nos afetar emocionalmente, psicologicamente e até fisicamente, muitas vezes sem que percebamos.

A cor no filme pode criar harmonia ou tensão em uma cena. Ela pode também ajudar a chamar a atenção para um tema-chave. E isso é apenas o começo.

Quando contamos uma história, as cores podem:

• Suscitar reações psicológicas
• Trazer foco a detalhes importantes
• Definir o tom do filme
• Representar peculiaridades de personagens
• Mostrar mudanças no arco da história.

Sabemos que a cor no cinema pode ser usada para contar histórias, mas como? O que as cores individuais representam ou sugerem? E como eles podem ser combinados para comunicar um significado em várias camadas? Vamos continuar dando uma rápida olhada na psicologia por trás da teoria das cores do cinema.

A psicologia das cores nos filmes

Uma paleta de cores de filme bem projetada evoca o clima e dá o tom para o filme. Ao escolher uma cor específica, lembre-se de que existem três componentes principais – matiz, saturação e brilho.

• Matiz: A própria cor
• Saturação: A intensidade da cor
• Brilho: A escuridão ou claridade de uma cor.

Como Lewis Bond menciona em seu vídeo sobre a teoria das cores do filme, muitos espectadores terão reações previsivelmente semelhantes a certas cores. Foi comprovado que uma forte cor vermelha aumenta a pressão arterial, enquanto uma cor azul provoca um efeito calmante.

Em um dos melhores filmes de M. Night Shyamalan, O Sexto Sentido, a cor vermelha é usada para representar o medo, o pavor e o prenúncio; enquanto, em Pleasantville, Gary Ross usa vermelho para representar esperança, amor e sensualidade. O vermelho cria uma experiência no espectador, portanto, escolha sua presença na paleta de cores do filme com cuidado.

Já ficou claro como escolher as cores certas pode criar emoções que seu público nem perceba. Para mostrar o que queremos dizer, reunimos abaixo as cores principais do círculo cromático com suas associações emocionais mais comuns. Ao considerar a cor em seu próximo projeto, pode ser útil começar com a ressonância emocional da cena e basear a paleta de cores do filme em torno disso.

A psicologia das cores no filme: As cores e as emoções

As normas da teoria da cor devem ser entendidas pelos cineastas, mas nunca vistas como uma limitação. Portanto, escolha suas paletas de cores com sabedoria! Como todas as outras partes do cinema, você deve pensar sobre o uso de cores no filme desde o início.

Ao fazer isso, certifique-se de manter a paleta de cores do filme em mente. Vamos ver abaixo esquemas de cores, exemplos de paletas de cores em filmes e todas as maneiras bonitas e significativas de usar as cores na produção de filmes.

Exemplos de paletas de cores de filmes

Criar um esquema de cores equilibrado pode ser mais complicado do que se pensava inicialmente. Você não pode simplesmente ter todas as imagens vermelhas em sua lista de cenas.

Embora não pareça necessariamente “equilibrado” ter um filme em que tudo é azul e laranja, essas cores são complementares o círculo cromático. Então, isso seria sim de fato um uso muito equilibrado de cores em filmes.

Vejamos os tipos de esquemas de cores que você pode usar para criar uma paleta de cores equilibrada para o filme.

Paletas de cores monocromáticas

Vamos começar com o esquema de cores monocromático.

Um esquema de cores monocromático é quando um único “matiz” de base é estendido usando sombras e tons. As tonalidades são obtidas adicionando brancos, e as sombras adicionando preto.

Como você pode ver nesta imagem de um dos melhores filmes de Wes Anderson, O Grande Hotel Budapeste, sua equipe utilizou uma paleta de cores monocromática. O rosa claro dá lugar a roxos mais profundos. O resultado mantém o tom de cor escolhido intacto, mas permite que você crie contraste dentro dele.

As paletas de cores monocromática é formada por tons de uma única cor, como vermelho, vermelho escuro e rosa. Ela cria uma sensação profundamente harmoniosa que é suave, aconchegante e calmante.

Um dos melhores filmes de ação, Matrix é outro bom exemplo de paleta de cores monocromática de filme. Quase todas as cenas no Matrix utilizam uma paleta de cores verdes. Tons de verde permeiam tudo no quadro para criar um efeito anti natural e doentio.

As paletas de cores monocromáticas não exigem que seu filme seja homogêneo em sua aparência. Ele apenas fornece um matiz de cor para criar contraste.

Paletas de cores complementares

Paletas de cores complementares ocorrem quando duas cores de lados opostos do círculo monocromático são usadas em conjunto uma com a outra para formar as paletas de cores.

O objetivo das paletas de cores complementares é criar uma ‘vida’ visual no quadro. Vermelho e verde, no caso de O Fabuloso Destino de Amélie Poulain, ambos se destacam mais na presença de sua cor complementar.

Drama contrastante (ou seja, quente vs. frio), cores complementares vivem opostas uma à outra no círculo cromático. Por exemplo, laranja e azul são cores complementares comumente usadas nas paletas de cores de muitos filmes de sucesso.

Duelo de cores geralmente está associado a conflitos internos ou externos. Não importa a seleção de cores, as cores complementares combinam cores quentes e frias para produzir uma tensão vibrante e de alto contraste no filme.

Paletas de cores análogas

Paletas de cores análogas utilizam cores que estão próximas umas das outras no círculo cromático. Elas tendem a ocorrer na natureza e criar uma sensação harmoniosa que é agradável aos olhos.

Bons exemplos de cores vizinhas que podem criar paletas de cores análogas são vermelho e violeta ou amarelo e verde limão. Como as cores não têm o contraste e a tensão das cores complementares, elas criam uma espécie de unidade visual.

Em geral, ao criar uma paletas de cores análoga, uma cor é escolhida para dominar, uma segunda para apoiar e uma terceira (junto com tons de preto, branco e cinza) para acentuar.

A paleta de cores análoga do filme Filhos da Esperança parecia combinar com o estado perigoso de seu mundo em que nenhuma criança estava nascendo. Ao focar em cores análogas (e assim eliminar o resto), a terrível situação é combinada com um terrível esquema de cores.

Em um dos melhores filmes de crime, Traffic, as paletas de cores são usadas de várias maneiras – para estabelecer cada história paralela e conectá-los umas às outras. Essencialmente, essas paletas de cores análogas acabam criando um tipo diferente de esquema de cores complementar.

Por exemplo, as cenas com Michael Douglas usam uma paleta de cores análoga aos azuis. As cenas com Benicio Del Toro usam uma paleta de cores análoga de laranja.

Sendo um dos melhores filmes de Steven Soderbergh, é muito engenhoso dar a diferentes linhas da história seus próprios esquemas de cores. Este, por sua vez, usa a justaposição para criar um esquema de cores completamente diferente. Sem dúvida, esse plano mestre foi auxiliado por um complexo moodboard e processo de storyboard, resultando em um excelente exemplo de cor na cinematografia.

Paletas de cores triádicas

Uma paleta de cores triádica ocorre quando três cores uniformemente espaçadas em torno do círculo cromático são usadas em conjunto.

Uma cor na paleta de cores triádica é escolhida para ser a dominante, com as outras duas sendo usadas de forma complementar. Os esquemas de cores triádicos são um pouco menos comuns porque podem parecer um pouco de desenho animado, como no Superman.

Mas isso significa que uma paleta de cores triádica só pode ser usada em filmes como Superman? Não, claro que não, e a maneira de contornar isso é deixar as cores com menos brilho e menos saturação.

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