Nesta postagem, revisaremos os fundamentos da gravação de som direto no set. Isso inclui equipamentos, elementos e técnicas de gravação adequadas (via StudioBinder).

Sistemas de som direto: Qual é o certo para o seu projeto?

O que é single system?

Quando se trata de captação de som de filme e vídeo, a primeira coisa que você precisa determinar é se usará um single system ou double system.

Em um single system, o áudio é capturado diretamente na câmera e gravado simultaneamente com a imagem. Para um double ou dual system, o som é capturado independentemente da câmera e em um gravador de áudio digital.

A vantagem de um single system é que ele não exige que o áudio seja sincronizado na pós-produção. Isso é vantajoso em formatos de notícias e documentários que geralmente exigem uma rápida entrega do material.

O que é double system?

O double system é ideal se sua câmera não tiver entradas de áudio de alto nível. Mas o mais importante, um double system oferece uma qualidade de áudio maior. Um dos motivos pelo qual ele oferece isso é por causa que ele oferece uma taxa de amostragem mais alta.

Quando um sinal analógico é convertido em digital, as curvas do sinal de onda precisam ser divididas em amostras. O número de vezes que uma onda é mostrada determina a precisão com que a conversão digital corresponde ao original. Quanto mais amostras coletadas por segundo, mais precisa será a representação digital.

Esse processo é conhecido como quantização e é medido em quilohertz (kHz). Por exemplo, 11 kHz seria um som de baixa qualidade e 48 kHz seria o padrão para gravação de som digital.

Os double systems também oferecem maior profundidade de bits (bit depht). Este termo se refere a quantos valores diferentes de amplitude cada amostra de som possui. Quanto maior a profundidade de bits, mais preciso um sistema pode registrar e reproduzir as flutuações sutis em uma forma de onda.

Por exemplo, o áudio de 16 bits, que é padrão para um gravador de áudio digital, pode capturar 65.536 valores diferentes de som. Isso contribui para a riqueza e complexidade da gravação de som.

Talvez o benefício mais aparente do double system seja que o áudio não precisa ser conectado à câmera.

Se você tem um projeto que depende muito de filmagens de Dolly e Steadycam, não quer correr o risco de tropeçar em cabos ou equipamentos excessivos. Desta forma, você pode se concentrar na imagem, sabendo que o design de som não ficará comprometido.

Esteja usando um single system ou double system, é importante identificar qual configuração é mais apropriada para o seu projeto.

Tipos de ruído indesejados: Ruído adicional que você deseja evitar

O que é ruído controlável?

O ruído controlável é a interferência que pode ser gerenciada.

Os maiores infratores desse tipo de ruído são geladeiras, telefones celulares e eletrônicos pessoais. Certifique-se de que todos os telefones e aparelhos estejam desligados.

Mas, especialmente quando se trata de refrigeradores, lembre-se de ligá-los novamente após a produção pelo motivo óbvio.

O que é ruído incontrolável?

Como o nome sugere, o ruído incontrolável se origina de forças fora de nosso controle. Pode ser um carro ou avião que passa, ou música que emana de um prédio próximo.

É aqui que entram em jogo os fones de ouvido profissionais. Se você perceber alguma dessas interferências indesejadas, certifique-se de anunciá-las no set. Espere até que o som pare, ou se não parecer que vai parar tão cedo, vá para outro local.

Uma grande parte de um bom design de som e uma boa gravação de som virá por meio de um operador de som experiente. Embora o som seja possivelmente mais da metade do seu projeto, muitas produções limitam sua equipe de áudio.

Independentemente da sua filosofia, você quer uma pessoa experiente no set. Ao organizar seu elenco e equipe, você pode inserir informações de contato de mixadores de som e operadores de boom em sua agenda.

Isso não se limita às pessoas que você contrata, porque você pode querer manter uma lista altamente organizada de potenciais profissionais de som prontos para caso você precise.

Tipos de microfone: Os diferentes tipos de mics que você pode usar

Microfones shotgun

O microfone shotgun se tornou o padrão da indústria para gravação de som direto de filme e vídeo.

O que é ótimo sobre este dispositivo em forma de zepelim é que ele pode captar áudio sem capturar o ruído ambiental excessivo.

Freqüentemente, o microfone shotgun é montado em uma haste de boom, onde pode ser segurado acima ou abaixo de um ator para capturar o diálogo.

Além disso, acessórios protetores de vento, como um “blimp” ou o “dead cat”, se encaixam perfeitamente no microfone e reduzem os ruídos.

Microfones Dinâmicos

Microfones dinâmicos são os que você imagina quando normalmente pensa em um microfone. O mesmo que a maioria dos cantores segura quando canta.

Embora um microfone dinâmico não tenha a capacidade direcional de um microfone shotgun, ele é excelente para gravar em espaços barulhentos.

Esses microfones não requerem alimentação externa e não possuem um amplificador interno. Por causa disso, eles tendem a ser usados durante transmissões ou performances.

Microfones de lapela

O microfone de lapela é um microfone omnidirecional que se prende à roupa de um ator. Eles tendem a ser usados quando um ator irá se mover com frequência na cena.

O posicionamento desse tipo de microfone é fundamental para uma boa captação de som. Como o microfone de lapela não tem o equilíbrio de frequência de outros dispositivos, ele pode adicionar uma qualidade nasal indesejada ao diálogo.

Além disso, o microfone de lapela opera por meio de um sistema sem fio. Isso, claro, oferece um maior grau de movimento, mas corrói a vida útil da bateria muito rapidamente. Também existe o risco de uma interferência de rádio estragar um take.

Quando possível, a segurança de uma conexão com fio é sempre preferida na gravação de som.

Confira também:  Porque o silêncio no filme é importante?

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Claro, nos lembramos de citações específicas e / ou ações físicas dos atores, mas todos nós podemos cantarolar alguns trechos dos filmes Jurassic Park, O Senhor dos Anéis ou A Rede Social. E há também o uso de canções populares (ou obscuras) pelos diretores em seus trabalhos. “Sister Christian” nesta cena de Boogie Nights, “I Got You Babe” em Feitiço do Tempo e “Day-O (The Banana Boat Song)” em Beetlejuice são todos ótimos exemplos de cenas que utilizam perfeitamente uma música.

Todas essas músicas e filmes são muito diferentes, mas todos utilizam a trilha sonora para criar ritmo e significado na cena. Aqui embaixo estão algumas das maneiras de usar música de forma eficiente no seu filme. Lembre-se disso ao selecionar a trilha para seu próximo projeto (via POND5).

1. Combine o tom da música com o tom da cena

Esta é provavelmente a forma mais comum de escolher uma trilha sonora. Você escolhe uma música ou composição que reflita o tom pretendido da cena. Um vídeo de lapso de tempo lento da Via Láctea não funciona muito com death metal, nem uma música atmosférica lenta funciona com um vídeo de tilt-shift de rali de monster truck.

Não é apenas a melodia ou batida da música que transmite a mensagem. Pode ser também a letra (se a música tiver letra). Letras tristes com uma melodia otimista podem não funcionar com um vídeo otimista, porque as letras ficariam muito contrastantes. O mesmo vale para músicas mais lentas com letras alegres. Certifique-se de que toda a peça se encaixe com o que você deseja transmitir.

Veja “The Sound of Silence” de Simon and Garfunkel. É uma música icônica e que foi usada em vários filmes, programas de TV e, sim, em memes. Mas como é uma música mais lenta e sombria com letras sérias, é usada para denotar uma virada triste, especialmente o riff de abertura. Dito isso, tem sido usado em comédias, dramas e filmes de ação, porque ainda dá aquela mudança tonal com as notas de abertura.

Aqui está um supercut de todos os exemplos mais notáveis (começando com o original, A Primeira Noite de um Homem), onde “The Sound of Silence” entra em ação é levada a sério – especialmente se os personagens cometeram um grande erro.

2. Faça o oposto e não combine a trilha de propósito

Por outro lado, os cineastas usarão uma música ou composição “inadequada” para transmitir o caos em uma cena calma ou a calma em uma cena caótica. Muitas vezes isso é usado para efeitos cômicos, como no filme Vingança sob Encomenda, quando o personagem de Chris Farley quer uma ótima música de luta, mas escolhe… bem, você terá que clicar aqui embaixo e ver com seus próprios olhos.

Um exemplo de música calma em uma situação caótica seria em Procurando Dory, no final em que o caminhão salta do penhasco e o filme inteiro fica mais lento quando “What a Wonderful World” começa a ser reproduzido. Isso nos dá uma sensação de humanidade, pois o caos está acontecendo. (SPOILERS!)

3. Utilizar música diegética e não diegética

Música diegética é a música que está acontecendo a partir de uma fonte de dentro do mundo do filme. No vídeo do Feitiço do Tempo que linkamos lá no começo, o despertador é um exemplo de música diegética. Está vindo de um suporte de dentro do mundo do filme. Música não diegética é a música adicionada fora do espaço da história. Isso é basicamente qualquer base musical ou partitura que você adiciona para criar ritmo e significado na cena.

Quando ouvimos música diegética, não temos a mesma reação de quando ouvimos a não diegética. Entendemos que está afetando os personagens da história (o que pode, por sua vez, nos afetar como espectadores), mas não tem tanto vigor, porque existe a barreira da realidade da qual estamos atrás, experimentando a música do fora. No entanto, se a música diegética se transformar em música não diegética, instantaneamente nos sentiremos imersos na história e seremos afetados diretamente pela música.

Veja esta cena de Mong e Lóide. Veja a música passar de diegética no rádio no carro para não diegética e vice-versa. Você notará a diferença quando estiver no carro; é uma sensação diferente de quando muda para o mundo exterior no filme.

4. Dê ênfase aos momentos importantes

Filmes de esportes são notórios por suas canções gigantescas que provocam uma onda de emoções. Quando você traz uma música tão épica e intensa, é realmente difícil não ter um grande efeito no espectador – então, tenha isso em mente se quiser que seja mais sutil – mas, no geral, você pode utilizar uma trilha sonora épica para realmente aprimorar a emoção que você deseja transmitir. Assista à última tentativa de Roy Hobson (Robert Redford) em The Natural e tente não ficar arrepiado. (SPOILERS)

A música aumenta, atingindo os espectadores bem no coração e puxando as cordas até que eles tenham calafrios e estejam catalogando este momento como um dos melhores que já viram. Nunca tenha medo de ser épico – apenas certifique-se de que se encaixa. Uma trilha sonora épica para um vídeo sobre como cortar vegetais não vai realmente fazer muito sentido.

Para ver a importância de uma trilha, confira este vídeo de E.T. O Extraterrestre (SPOILERS ) sem a trilha sonora final épica de John Williams.

5. Transporte o público para um horário e local específico

Se você apenas ouvisse um filme passando na outra sala e houvesse alguma música de Huey Lewis and The News ou Michael Jackson na cena, você saberia que este filme provavelmente se passa na década de 1980. 

Os cineastas podem ambientar datas e períodos de tempo específicos apenas usando certas músicas. Diferentes gerações podem compreender essas músicas de maneira diferente, é claro, mas o resultado final é que elas criam uma tapeçaria muito detalhada para quando e onde uma narrativa ocorre e podem plantar os espectadores ali para experimentar os mesmos sentimentos daquele período de tempo – como, por exemplo, a era disco dos anos 1970/80.

Existem algumas ressalvas a esta regra, no entanto. Como acontece com a maioria das “regras” de cinema, elas podem ser quebradas. Escolhas musicais anacrônicas foram usadas por muitos cineastas ao longo dos anos. Sofia Coppola usou música pós-punk moderna em Maria Antonieta; Coração de Cavaleiro apresenta canções clássicas de rock do Queen e AC / DC; Baz Luhrmann usou todos os tipos de canções modernas de artistas como Nirvana e U2 em medleys e números musicais para o Moulin Rouge; e Quentin Tarantino usou canções de Rick Ross e John Legend para Django Livre.

Pode ser muito chocante e muito estranho, mas também pode se misturar perfeitamente com o clima, personagens e enredo para dar uma grande justaposição de música e visuais. Use essa tática com precaução, porque muitas pessoas odeiam isso, e também porque é difícil de conseguir acertá-la.

Confira também:  Como operar um microfone boom? 5 dicas para melhorar o áudio do seu filme

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Embora o silêncio total e absoluto no filme seja relativamente raro, o silêncio parcial, em que não há diálogo por um período prolongado de tempo ou onde não há música de fundo, é comumente utilizado com grande efeito devido ao impacto emocional que tem sobre os espectadores, o nível de imersão que cria e a quantidade de intriga que gera para cativar melhor o público.

O filme Um Lugar Silencioso ajudou os espectadores a apreciar o silêncio como um artifício dramático. Aqui, exploramos as razões pelas quais às vezes o silêncio no filme reina (via ecg productions).

O silêncio no filme constrange

Não estamos acostumados a silêncios e, de certa forma, temos medo deles. No mundo ocidental, é considerado estranho ou rude não falar por um longo período de tempo. Portanto, o silêncio que precede a palavra falada pode criar tensão. Martin Scorsese usa essa técnica em uma cena notoriamente desconfortável de Os Bons Companheiros.

Impacto emocional

Coll Anderson, o supervisor de edição de som e engenheiro de regravação de Martha Marcy May Marlene, afirma que a cena mais traumática do filme (não quero estragar o filme para ninguém, mas se você viu o filme então sabe exatamente de qual parte estou falando) inicialmente não havia som audível proveniente da apresentação de Elizabeth Olson; apenas o som de um drone ambiente enquanto soa assustadoramente ao fundo. Mas na última hora, bem quando o filme ia ser entregue, decidiu-se que não ter som nenhum da atuação do ator seria muito perturbador para o público. Eles não seriam capazes de lidar com isso. Então, para diminuir o golpe, eles adicionaram som suficiente à cena para que o público ainda ficasse emocionalmente atingido pelo que estavam testemunhando, sem causar qualquer tipo de colapso emocional que os impedisse de terminar o filme.

Ao adicionar o som de volta à imagem, a equipe criativa do filme estava essencialmente fornecendo um meio ao público de se manterem firmes e dando-lhes a oportunidade de serem meramente uma testemunha do que estava acontecendo no filme, em vez de serem ativos participante. Quando você retira uma parte do som de uma cena, cria um vazio que os membros do público devem preencher por conta própria para compreender o que estão vendo. Preencher os espaços em branco faz com que o espectador se torne mais intimamente ligado ao filme, deixando-o mais emocionalmente exposto e vulnerável.

Criando uma Imersão Mais Profunda

Recentemente, vi o filme Silêncio nos cinemas com um bom amigo meu e, condizente com o título, o filme é bastante silencioso. Tem uma paisagem sonora sutil que é utilizada de forma eficaz para aumentar o drama do filme, bem como enfatizar o diálogo e os efeitos sonoros. O som das ondas quebrando rasgando a carne dos devotos cristãos não seria tão doloroso se uma música de fundo tocasse durante a cena. A ausência de som invoca uma sensação amarga de realismo arrepiante, de que é difícil escapar. Ao omitir a música de certas cenas como essa, o público é mais capaz de se conectar com o que está vivenciando, pois a lacuna que existe entre o membro do público e o que é retratado na tela é drasticamente reduzida. O espectador é enrolado, ficando totalmente imerso na cena como se ele próprio estivesse nela.

Criando intriga

A atuação de Viola Davis indicada ao Oscar como Rose Maxson teve muito espaço para respirar em Um Limite Entre Nós, em grande parte devido à escassa paisagem sonora musical que permeava o filme. A trilha musical do filme funcionou mais como uma ferramenta de transição entre as cenas do que como um agente de desenvolvimento emocional. O filme permitiu que as longas sequências de diálogo entre os personagens permanecessem livres do acompanhamento musical, dando aos espectadores uma perspectiva interna e direta do que esses personagens estavam realmente passando. 

Durante a cena em que o personagem de Denzel Washington, Troy Maxson, faz uma revelação surpreendente para sua esposa que muda para sempre a dinâmica entre eles (novamente, sem spoilers), o público fica sem nada em que se apoiar para suporte emocional enquanto são expostos para o desempenho impressionante dado pelos dois atores principais. A ausência de uma pista de apoio nos obriga a prestar muita atenção ao que está sendo dito na câmera. O silêncio faz com que uma cena pareça importante e, se o espectador considerar uma cena importante, é mais provável que ele dê atenção a ela. Cada palavra trocada corta profundamente e ganha mais significado devido à gravidade percebida da situação. Isso permite que o conteúdo seja mais prontamente absorvido e digerido pelo espectador, tornando o uso do silêncio uma ótima técnica para enfatizar os trechos dramáticos importantes de um filme.

O silêncio no filme tem um papel profundo no desenvolvimento do tom emocional de um filme e é uma ótima ferramenta para capturar a sinceridade por trás das performances vistas na tela enquanto simultaneamente cativa o público enquanto suas mentes correm para preencher as lacunas do que eles não estão realmente ouvindo.

Confira também:  O que é som no audiovisual?

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