Qualidades básicas da luz: Iluminação Natural vs. Artificial

A primeira grande distinção na iluminação é entre a iluminação natural e a iluminação artificial. Iluminação natural é um termo amplo usado para descrever a luz cuja fonte aparece no quadro, em outras palavras, fontes que são visíveis para o público. Isso contrasta com a iluminação artificial, cuja fonte está além do enquadramento. Ela cria a ilusão de fontes de luz fora do campo de visão da câmera.

Aqui em cima vemos uma fonte de luz artificial através da janela que sugere um exterior de luz do dia, embora o cenário seja um estúdio interno.

Na verdade, muitas vezes a iluminação natural é reforçada pela iluminação artificial.

Este abajur acima não fornece iluminação suficiente por si só, então adicionamos um holofote artificial acima dele para criar uma maior força e sensação de calor à luz.

Qualidades da Luz – Ângulo de Lançamento

Agora, vamos falar sobre outra das qualidades básicas da luz, o ângulo de lançamento. A direção de onde vem a luz é extremamente significativa e pode afetar a percepção do público sobre o clima e o local. Vamos dar uma olhada em alguns exemplos:

1. Luz solar diretamente acima da pessoa:

Significa meio-dia um horário associado a confrontos climáticos.

2. Luz solar em um ângulo baixo:

Significa o crepúsculo e pode trazer consigo todas as emoções associadas ao final de um segmento de uma narrativa.

Nos atores, a direção da luz pode influenciar sua aparência. 

3. Se a luz for direcionada diretamente para o rosto dos atores, seus detalhes parecerão sem expressão e desfavoráveis:

4. A luz por cima tende a enfatizar as rugas de uma forma nada lisonjeira:

O topo da cabeça e o nariz são iluminados e os olhos são escuros, o efeito geral é envelhecer o ator. Também pode inferir uma sensação de mistério, uma vez que os olhos estão escondidos nas sombras.

5. Luzes de ângulo baixo iluminando para cima produzem um efeito estranho usado com frequência em terror e suspense:

Os detalhes do rosto são enfatizados com sombras por cima.

Qualidades da luz – cores e seus significados

Outra qualidade da iluminação é a cor, esta é sem dúvida a qualidade de luz mais importante para a comunicação com o público. Fontes de luz diferentes, na verdade, produzem luz de cores diferentes devido à temperatura de cor.

Uma situação comum que pode ocorrer em uma sessão de filmagem é uma mistura de iluminação natural e iluminação de estúdio:

Por exemplo, uma sala pode ser configurada e iluminada com luzes típicas de estúdio de tungstênio, mas também pode haver luz do sol entrando em uma janela. Se você balancear o branco nas câmeras para a iluminação do estúdio, a luz do sol que entra pela janela aparecerá forte e azul. Se as câmeras forem balanceadas com a luz do sol, a iluminação do estúdio produzirá um tom laranja amarelado em tudo o que iluminar. Existem algumas soluções para quando isso acontece:

• Você pode pode bloquear a luz do dia fechando as cortinas ou persianas.
• Coloque uma gelatina azul ou filtro sobre as luzes do estúdio para mudar sua cor para combinar com a luz do dia da janela.
• Ou cubra a janela do lado de fora com um gel ou filtro laranja para combinar com a luz da artificial.

Com o desenvolvimento do cinema, certas convenções surgiram no que diz respeito ao significado das cores, a iluminação quente laranja e vermelha pode significar segurança e proteção, a iluminação fria e azulada pode sugerir o oposto –  “perigo”.

A cor azul também serve a outro propósito importante na convenção cinematográfica: cenas noturnas. A noite é, por definição, um período de escuridão, uma representação exata da noite na tela impediria o público de ver a ação. Em vez disso, os cineastas precisam iluminar mais as cenas noturnas para torná-las inteligíveis para o público, tingir a luz de azul tende a suavizar a intensidade da iluminação e transmitir ao público que a cena está realmente ocorrendo durante a noite.

As convenções das cores são muito vagas e seus significados podem variar de cultura para cultura e até mesmo entre os gêneros de filme. O importante não é memorizar um léxico de combinações de cores, mas pensar sobre o que a cor da sua cena pode significar para o seu público. E se a sua filmagem não estiver funcionando, considere o que mudando na cor na produção ou na pós pode te ajudar.

O Processo de Design da Iluminação

Agora que sabemos suas qualidades, vamos partir para o processo real de configurar a iluminação de uma cena. Primeiro determinamos se estamos filmando em tons altos ou baixos. Se for uma história alegre, podemos escolher a tonalidade alta, caso em que começaremos temperando o conjunto com muitas fontes de luz suave de ampla distribuição. Se for um drama sombrio, podemos fornecer iluminação de preenchimento mínima e luzes de destaque extremas e cuidadosamente anguladas.

Em seguida, é importante lidar com quaisquer fontes de luz existentes. Em um estúdio profissional você tem controle total sobre o que ilumina o cenário. Em uma locação, o Sol ou outras fontes de luz, como a iluminação da rua ou a luz das janelas, devem ser levadas em consideração. Conforme mencionado na seção sobre a cor da luz, você precisará trabalhar para equilibrar a temperatura da cor, o uso de um medidor de luz para medir a temperatura da cor de suas fontes de luz ajudará muito a atingir esse equilíbrio.

Em tudo isso, é importante levar em consideração a exposição correta, para obter a profundidade de campo apropriada você pode precisar ajustar a intensidade da iluminação. Para close-ups íntimos, você deseja um forte efeito de profundidade de campo, o que requer uma ampla abertura da câmera e, conseqüentemente, redução do brilho da iluminação para evitar a superexposição da foto. Por fim, use luzes artificiais para realçar fontes naturais e para preencher quaisquer seções irregulares do quadro.

Não espere criar uma única solução de iluminação para cada ângulo de câmera. Para close-ups, é comum trazer refletores para preencher as áreas de sombra severas. Apenas certifique-se de prestar atenção à continuidade, se a iluminação mudar radicalmente de um plano para o próximo, pode ser confuso ou chocante quando os dois planos são colocados juntos durante a edição.

Conclusão

Ok, então vamos revisar o que falamos. A iluminação pode ser dividida em natural e artificial. As qualidades primárias de uma fonte de luz são ângulo de projeção e cor.

A primeira qualidade da luz é o ângulo de projeção, que se refere à direção de uma luz e pode transmitir um significado para o público. A iluminação de ângulo mais alto produz uma imagem fundamentalmente diferente da iluminação de ângulo direto ou baixo.

Outra qualidade da iluminação é a cor, enquanto o significado de cores específicas pode variar com o contexto, algumas cores se tornaram padronizadas na linguagem do cinema, como o uso da cor azul para representar a noite.

Observamos também os contrastes de iluminação. Configurações de alta intensidade produzem filmagens com iluminação uniforme com sombras suaves, e configurações de iluminação de baixa intensidade produzem algumas áreas contrastantes de iluminação forte e sombras.

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A pessoa que cuida da cinematografia de um filme é chamada de diretor de fotografia, ele é o chefe da equipe que opera a câmera e das equipes de luz em uma produção.

Ele está envolvido durante todo o ciclo de vida da produção e tem uma ligação muito próxima com o diretor para criar as imagens que você vê na tela.

Por que a Cinematografia é importante para o filme? 

A cinematografia define e dá suporte a aparência geral da narrativa visual de um filme. Cada elemento visual que aparece na tela, também conhecido como mise-en-scène de um filme, pode servir e aprimorar a história – portanto, é responsabilidade do diretor de fotografia garantir que cada elemento seja coeso e apoie a história. Os cineastas costumam optar por gastar a maior parte de seu orçamento numa cinematografia de alta qualidade para garantir que o filme pareça incrível nas telonas (via MasterClass).

6 deveres e responsabilidades de um diretor de fotografia

• Escolher um estilo visual para o filme: Um diretor de fotografia determina o estilo visual e a abordagem do filme com o intuito de causar uma maior imersão na história. 

• • Estabelecer a configuração da câmera para cada cena: Um diretor de fotografia decide quais tipos de câmeras, lentes, ângulos, e técnicas de filmagens são as melhores para trazer o filme à vida. Além disso, um diretor de fotografia trabalha com o supervisor de roteiro e, se necessário, com o gerente de locações para analisar cada cena e projetar quais serão os planos mais eficazes para a câmera. Isso ajuda a preservar a intenção e a escala do filme.

• Determinar a iluminação para cada cena: Um diretor de fotografia usa a iluminação para criar o humor visual certo que o diretor aspira a alcançar. Eles devem saber como aprimorar a profundidade, o contraste e o contorno de uma imagem para apoiar a atmosfera da história.

• Explorar o potencial de cada local: Um bom diretor de fotografia entende quais visuais excitam o diretor e pode fazer recomendações sobre quais cenas capturar.

• Participar de ensaios: Um diretor de fotografia assiste aos ensaios com os atores, pois a movimentação de uma cena provavelmente mudará e evoluirá. Durante os ensaios, os diretores de fotografia ajustam a câmera em resposta a um gesto ou ação em particular, à medida que os atores ajustam suas posições e movimentações, para assim melhorar o enquadramento da cena.

• Elevar a visão do diretor: Um bom diretor de fotografia apresentará ideias e conceitos que o diretor pode não ter considerado.

Termos e definições da técnica cinematográfica

Os diretores de fotografia devem pensar cuidadosamente sobre cada cena, considerando o ângulo, a luz e o movimento da câmera, porque existe um número infinito de opções que podem ser feitas. Confira abaixo algumas técnicas e termos comuns de cinematografia:

Plano geral: conforme indicado abaixo, é usado no início de uma cena quando o diretor deseja identificar onde a cena está ocorrendo. A imagem estabelecida é uma foto de um local com o qual o espectador está familiarizado; portanto, é realizado um reconhecimento imediato da configuração da cena pelo espectador (via Milne Publishing).

Plano Médio: filma um indivíduo da cintura para cima. Planos médios são usados geralmente para filmar conversas, quando o diretor deseja que as duas ou mais pessoas envolvidas em uma conversa sejam vistas ao mesmo tempo. Quando o diretor deseja apenas uma pessoa no quadro, a pessoa que fala pode ser mostrada e a reação da outra pessoa pode ser exibida em um enquadramento separado.

Plano Fechado (close-up): é usado em uma cena emotiva. Esse plano é usado para cenas muito dramáticas, nas quais o diretor deseja que o público sinta emoção em relação ao personagem em uma cena específica.

Plano Over the Shoulder (acima do ombro) e Plano Primeira Pessoa: são usados quando o diretor deseja dar ao público um ponto de vista subjetivo ou fazer com que ele se sinta parte da ação.

O plano Over the Shoulder é filmado sobre o ombro de um dos personagens, para que o espectador veja o ombro e um lado do rosto e do pescoço de um indivíduo enquanto essa pessoa está conversando com outro indivíduo.

O plano Primeira Pessoa fornece ao espectador a imagem exata do que um personagem vê sem o ombro e sem o lado da cabeça na foto. É quando o espectador vê exatamente o que o personagem está vendo.

Os enquadramentos e as posições da câmera nas imagens acima são escolhidos para fornecer um conhecimento visual entre o espectador e uma imagem criada e interpretada pelo diretor e pela equipe de filmagem, à medida que a história avança e os retratos dos personagens se desenvolvem e mudam.

Iluminação

Luz principal: A principal fonte de luz direta que ilumina um personagem ou objeto. 

Luz de preenchimento: Se houver pouca luz de preenchimento, haverá muitas sombras e isso dará uma aparência sombria e misteriosa. Mais luz de preenchimento preenche as áreas escuras de uma imagem.

Contra luz: Dá uma aparência tridimensional a um objeto ou pessoa.

Há também cinematografistas que utilizam um quarto ponto de iluminação, ou seja, iluminação de fundo. Isso é usado se houver um objeto com um plano de fundo específico que precise ser iluminado por um motivo especial.

A luz baixa e a luz sem preenchimento deixam sombras. Esse é o tipo de humor que seria apropriado para tramas de crimes, horror ou filmes noir. Quanto mais forte a iluminação principal e de preenchimento, mais brilhante e alegre o clima do filme ou da cena. Muita iluminação principal e de preenchimento é apropriada para comédias e musicais.

Três a quatro minutos do filme Curva do Destino, há um bom exemplo de luz principal brilhante que vai ficando mais escura com sombras e, em seguida, a luz principal fica mais brilhante novamente quando o filme se move para um flashback.

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