Uma breve história do filme policial

Todos os gêneros mais populares têm uma história de como foram sendo definidos; o filme policial não tem nenhuma – ou melhor, tem tantas que é impossível dar uma explicação direta da evolução do gênero sem se perder em inúmeras passagens, à medida que diferentes fórmulas criminais surgem, evoluem, competem, mudam e polinizam. 

Os filmes policiais surgem de uma ambivalência radical em relação ao romance criminal. Esse romance deu a detetives heróicos como Sherlock Holmes (1900 ou 1903, a data exata é incerta), no trigésimo segundo Sherlock Holmes Baffled – uma oportunidade incomparável de dar a vida à esse mundo melodramático e fascinante, e criou criminosos de seriados mudos como Fantômas (Fantômas e suas quatro sequências, França, 1913-1914) e Bull Weed (Underworld, 1927), ambos vilões e heróis. 

A chegada do som sincronizado em 1927 e a Grande Depressão em 1929 criaram um enorme apetite por entretenimento escapista e uma forma de entretenimento em massa, capazes de atingir até o público menos sofisticado, incluindo os milhões de imigrantes de classe baixa que haviam chegado aos Estados Unidos. Os grandes filmes de gângsteres da década de 1930 e a longa série de filmes de detetive que floresciam ao lado deles, seus detetives agora eram cada vez mais étnicos, como por exemplo: Charlie Chan Carries On de 1931, com 41 sequências; O Misterioso Mr. Moto de 1937, com sete sequências e Mr. Wong, Detective de 1938, com quatro sequências.

Esses filmes eram nominalmente baseados em romances. Mas os filmes policiais não atingiram o prestígio como seu correspondente literário até o surgimento do filme noir – contos atmosféricos de heróis condenados pela paixão – nomeados e analisados ​​por jornalistas franceses, mas produzidos na América ao longo da década, a partir de 1944.

Os filmes policiais do pós-guerra, independentemente da fórmula adotada, foram moldados nos EUA pela ansiedade cultural em relação à bomba nuclear (A Morte num Beijo 1955) e à família nuclear (Horas de Desespero, 1955). O declínio do filme noir após A Marca da Maldade (1958) foi compensado por uma série notável de comédias criminais nos Ealing Studios da Inglaterra (como O Mistério da Torre, 1951) e uma série magistral de thrillers psicológicos dirigidos por Alfred Hitchcock (Pacto Sinistro, 1951; Janela Indiscreta, 1954; Um Corpo que Cai, 1958; Intriga Internacional, 1959; Psicose, 1960). 

A década de 1960 foi a década do herói internacional de espionagem James Bond, que encabeçou a franquia de filmes mais lucrativa da história em uma longa série que começou com O Satânico Dr. No (1962). Mas foram os filmes Bonnie e Clyde (1967), O Poderoso Chefão (1972), O Poderoso Chefão: Parte II (1974) e Chinatown (1974), que reinventaram os filmes policiais para um público jovem.

A substituição do Código de Produção de 1930 pelo sistema de classificação de 1969 permitiu que filmes de nicho fossem comercializados com sucesso, mesmo que fossem tão graficamente violentos quanto Henry – Retrato de um Assassino (1990) ou tão sombrios em sua visão da política americana quanto A Trama (1974) ou JFK (1991). 

Os anos finais do século, marcados por um crescente medo público do crime, um fascínio pelo sistema de justiça pública e uma profunda ambivalência em relação aos advogados, permitiram que mil flores envenenadas desabrochassem ao redor do mundo, a partir da varredura sociológica dos britânicos teve a minissérie televisiva Traffik (1989), refeita e suavizada para o público americano como Traffic (2000), para os filmes de crime ritualísticos de Hong Kong de John Woo (Die xue shuang xiong [The Killer], 1989) e Johnny To (Dung fong saam hap [The Heroic Trio], 1993) e sua progênie americana (Pulp Fiction, 1994), ao erotismo fumegante de Instinto Selvagem (1992). Talvez a nova linhagem mais distintiva do gênero tenha sido a comédia policial dos Irmão Coen, cujos filmes, Gosto de Sangue (1985) e Matadores de Velhinha (2004), deixaram alguns espectadores rindo e outros confusos ou com nojo (via Encyclopedia).

Subgêneros

Filmes de Gângster

Os filmes de gângster são um subgênero dos filmes policiais que se concentram no crime organizado ou na máfia. Muitas vezes, a trama gira em torno da ascensão e queda de um líder do crime organizado. Muitos filmes de gângster exploram a natureza destrutiva do crime organizado, enquanto outros tentam mostrar a humanidade dos personagens individuais.

Exemplos: Os Bons Companheiros, Scarface, Os Infiltrados.

Filmes Noir

Filme noir não é simplesmente um gênero, mas um termo para um tipo distinto e estilístico de drama criminal que foi popular nas décadas de 1940 e 1950. O filme noir é caracterizado por um estilo visual em preto e branco e efeitos de iluminação intensos. O personagem principal é geralmente um herói cínico. O subgênero conta com uma voz narrativa e vários flashbacks para explicar sua intrincada trama.

Exemplos: Crepúsculo dos Deuses, Relíquia Macabra, A Embriaguez do Sucesso.

Neo-Noir

Neo-Noir refere-se ao filme moderno que assume as características do filme noir. Atualizações modernas são feitas no Neo-Noir em termos de mídia e elementos visuais. Os filmes Neo-Noir também atualizam temas e conteúdos para se ajustarem à sociedade atual.

Exemplos: Chinatown, Sin City, Los Angeles – Cidade Proibida.

Thriller Policial

O thriller policial é um subgênero que incorpora os aspectos de suspense com um enredo de filme policial. O enredo desse subgênero geralmente se concentra em um serial killer, assassino, assalto ou caça ao homem. Ao contrário dos filmes policiais tradicionais, o enredo se concentra tanto no criminoso quanto no protagonista. Thrillers policiais usam aspectos de ação e aspectos psicológicos para criar tensão e suspense.

Exemplos: Os Suspeitos, O Fugitivo, O Fio da Suspeita.

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A comédia é um dos gêneros mais maleáveis do cinema e da televisão. A comédia pode iluminar uma cena, falar muito sobre o humor de um personagem e até ajudar a sustentar longas explicações e discursos expositivos (via No Film School).

Ainda assim, existem muitos aspectos e características das comédias que as pessoas esperam quando estão lendo seu roteiro ou piloto. A comédia pode ser a coisa mais difícil de fazer, e é certamente uma das coisas mais arriscadas a se lançar ou desenvolver. Uma comédia que não funciona é super constrangedora.

Mas corra o risco! Porque precisamos de mais comédias! Quando o mundo ao nosso redor fica envolto em ódio e escuridão, a comédia é a luz brilhante que nos mostra o caminho de volta à alegria, de volta à nossa humanidade. 

Agora vamos começar a definir os principais elementos da comédia.

Definição do gênero comédia

O gênero de comédia abrange qualquer trabalho no cinema ou na televisão cujo objetivo geral é criar humor e gerar risadas intencionais para o público. Tem origem nas peças gregas antigas e na tradição oral.

Surgiu muito tempo atrás quando existiam apenas comédia ou tragédia. Não havia intermediário! Se todo mundo não morresse no final, era uma comédia!

As definições hoje em dia se tornaram um pouco mais refinadas. Vamos falar sobre elas a seguir.

Características da comédia

As comédias geralmente apresentam falas, brincadeiras com palavras, situações desconfortáveis e, às vezes, se inclinam para o lado oposto do realismo. Seus arcos são geralmente pessoais e a violência é quase sempre praticada para gerar risos e sem consequências sérias.

Aqui está uma boa compilação de alguns exemplos:

Principais elementos da comédia e seus principais subgêneros

É aqui que a comédia se separa em subgêneros específicos. Esses tipos de comédia ajudam a restringir o tom e o teor da piada, bem como a história do roteiro. Vamos examinar alguns dos principais.

Comédia erótica

Filmes como O Virgem de 40 anos e séries de TV como You’re the Worst vivem no espaço sujo da comédia. Eles adoram piadas sobre sexo, relacionamentos e humor desagradável.

Ela funciona porque nos deixa desconfortáveis. As funções e os desejos corporais são um grande equalizador. Os Irmãos Farrelly são referências desse tipo de comédia, combinando sexo e humor desagradável em um humor atemporal.

Humor negro

Vamos falar sobre a morte. E violência. E situações horríveis. A comédia sombria ilumina o que você costuma ver nos dramas. Filmes como Morte no Funeral e séries como Bored to Death iluminam o que não podemos suportar.

Confira esta cena clássica (mas bastante nojenta) de Fargo dos Irmãos Coen:

Esta é uma cena em que um criminoso está colocando o corpo de seu parceiro em um cortador de madeira. Mas é engraçada. Por quê?

Bem, veja como é filmado e enquadrado. À distância, permitindo que algumas das estranhezas e absurdos sejam vistos de longe. Você certamente já ouviu o clichê (que não é inteiramente verdade, mas tanto faz) Tragédia + Distância = Comédia? Bem, isso é o que acontece aqui.

Comédia do Constrangimento

Schadenfreude é a palavra alemã que significa ter prazer na dor de outras pessoas. Uma das minhas séries favoritas da comédia do constrangimento é The Office. Quão divertido é ver Michael colocar o pé na boca repetidamente? No cinema temos como exemplo Missão Madrinha de Casamento, Entrando numa Fria e The King of Comedy.

A comédia de constrangimento também vem de algo chamado ironia dramática. É aquilo de você saber o que está acontecendo com o personagem enquanto ele tenta escondê-lo. Também é comum na comédia situacional (sitcom).

Assista a esta cena clássica de Os Simpsons:

Comédia Deadpan

O humor deadpan geralmente nos apresenta algumas das frases mais engraçadas do audiovisual. Como esse é mais um estilo do que qualquer outra coisa, pense em Ron Swanson em Parks and Recreation ou até no filme Apertem os Cintos… O Piloto Sumiu! Todas as falas são entregues com sinceridade, mas todas são engraçadas.

Confira esta cena do Apertem os Cintos… O Piloto Sumiu!

Leslie Nielsen não era um talento da comédia. Pelo menos, não durante a maior parte de sua vida. Ele era um ator que estrelava dramas. Assim como muitos outros atores de Apertem os Cintos… O Piloto Sumiu!.

O que isso tem a ver com comédia deadpan?

Ao usar atores que interpretaram todos os momentos “de maneira séria”, a bobagem do que estava acontecendo no roteiro ou na tela foi imediatamente contrastada por eles. É hilário.

Muito rapidamente, Nielsen ficou conhecido por ser hilário. Mas seu deadpan foi o que fez isso.

Contraste e contexto são essenciais. Se você faz um filme em que TUDO na tela é ridiculamente bobo, é difícil para o público aproveitar a onda, encontrar os picos e nuances. Eles apenas ficarão cansados.

Seria como assistir a um filme de ação em que nunca houvesse uma pausa entre as cenas da luta.

Mockumentary

Nada como um pequeno mockumentary para zombar da seriedade da maioria dos documentários. Talvez o grande mockumentary de todos os tempos seja Isto É Spinal Tap. Na TV, programas como Modern Family e What We Do in the Shadows usam estilos de mockumentary para mostrar a vida cotidiana.

Mas esse subgênero geralmente deixa você se perguntando quem está realizando os documentários nessas séries.

Em certo sentido, parece uma espécie de ‘trapaça’ que os personagens deixem de lado a audiência. Por outro lado, nos aproxima da ‘família’ da série.

O mockumentary permite que você e os personagens compartilhem um olhar de conhecimento. Ele conecta o público aos personagens de uma maneira poderosa. Talvez seja por isso que a geração Y não consiga parar de assistir ao The Office em loop.

Mais sobre a comédia no audiovisual

A comédia é um ótimo gênero, porque pode se misturar a qualquer outro gênero por aí. A leveza pode fornecer uma reviravolta interessante em qualquer coisa. Das piadas e risadas em Janela Indiscreta ao terror-humor encapsulado em Todo Mundo Quase Morto.

As comédias de ação tradicionalmente se saem muito bem nas bilheterias. Em filmes como Central de Inteligência e A Espiã Que Sabia de Menos, os dois conseguiram integrar a comédia em seus cenários e foram extremamente lucrativos.

Na televisão, a comédia é a espinha dorsal das sitcoms, mas, à medida que a TV expande seus horizontes, observe os sucessos de comédias sombrias como Barry, It’s Always Sunny in Philadelphia, Fleabag e End of the F * cking World.

A palavra dramédia também tem sido muito usada. Séries como Casual e filmes como Tully enfatizam eventos de vida dramáticos e realistas, enquanto os expressam com humor para fazer com que a pílula amarga da realidade tenha um sabor mais doce.

Você deve ter percebido que escrever no gênero comédia do audiovisual permite que você mescle com todos os outros gêneros em geral. Apenas certifique-se de definir o tom e o tema, e tudo vai dar certo.

Confira também: O que é tema no audiovisual e porque precisamos dele?

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1. Violência
2. Raça secundária: o vilão
3. Cavalos e o cenário do faroeste
4. Herói Clássico do Faroeste

1. Violência no Gênero Faroeste

Você não pode categorizar um livro ou um filme no Gênero Western, se não houver presença de violência, é impossível. É como tentar chamar um filme de romance sem haver romance nele. Os enredos de livros e filmes de faroeste giram em torno do conceito de violência. No entanto, a forma como a violência é apresentada é diferente dependendo do tipo de faroeste que seja. Se for um faroeste clássico, teremos violência física que normalmente é apresentada como confronto de armas ou uma briga de socos. O Super Western vai ficar na violência física. A violência que ocorre em um livro do Super Western é muito mais detalhada e violenta em geral. Assim como as cenas violentas de Blood Meridian. Se eu estiver correto, cada capítulo do Blood Meridian explica como alguém foi assassinado. Todos os detalhes que McCarthy usaria e toda a violência são suficientes para provar o quão mais violento é o gênero Super Western. Tanto o gênero clássico de faroeste quanto o super faroeste compartilham a convenção da violência (via The Western Genre).

2. Raça secundária: o vilão

É convencional para o Gênero Faroeste identificar uma raça diferente dos brancos como os vilões da trama. No faroeste clássico, esse papel pertence aos personagens nativos americanos. Existem centenas de exemplos que eu provo isso, um dos melhores exemplos seria No Tempo das Diligências. Embora o enredo do filme não gire em torno de batalhas com os nativos americanos, há uma cena específica que mostra a convenção aceita de uma raça secundária como vilão. O papel do vilão muda drasticamente em um Super Western. Na verdade, é muito difícil apontar quem é o herói e quem é o vilão. É uma questão de controle psicológico e um fator geral de quem está causando mais danos à sociedade. É assim no filme Super Western Os Imperdoáveis, você esperaria que alguém que mata e assassina fosse o bandido do filme, no entanto, este não é o caso aqui, o protagonista William Munny mata a todos no último confronto ainda que seja visto como o herói do filme. Mas a pergunta é porque? Bem, na verdade, é muito simples. Identificamos quem está causando mais danos no presente e quem está tentando impedi-los. Os personagens que causam danos à sociedade são os bandidos e aqueles que tentam impedi-los são os heróis. É por isso que William Munny é visto como um herói.

3. Cavalos e o cenário do faroeste

Há outra coisa além da violência que o Gênero Faroeste deve ter para ser chamado de Faroeste, deve haver cavalos, armas e o cenário da história deve ser um cenário de Faroeste. De certa forma, o Gênero Faroeste é forçado a incluir o cavalo nos filmes porque era uma convenção do faroeste viajar a cavalo. Um cowboy sempre viaja a cavalo. Em segundo lugar, esperamos armas na trama de faroeste, uma vez que a violência é essencial e é uma convenção para o gênero. Não seria correto dizer que todos os confrontos no Gênero Faroeste envolvem confronto mortal porque não é assim. Mas seria normal dizer que na maioria dos confrontos que ocorrem no Gênero Faroeste o uso de uma arma é necessário. Provavelmente, o elemento mais essencial do Gênero Faroeste é o cenário. Você literalmente não pode ter um Western sem que ele ocorra no faroeste. Mais uma vez, seria como ter um filme de terror sem cenas assustadoras. Não percebemos isso, mas um cenário ocidental é uma das convenções mais fundamentais para o Gênero Faroeste.

4. Herói Clássico do Faroeste: Cowboys

Cowboy é outra convenção do Gênero Faroeste. O cowboy tem sido um elemento significativo para o Gênero Faroeste, você não pode ter, fazer ou chamar um filme de faroeste se ele não tiver uma figura de cowboy nele. Como todo filme de super-herói, devemos ter um vilão, e é preciso ter um herói. Todos nós aceitamos esse fato e nem pensamos nisso quando assistimos a um filme de super-herói, é senso comum. Esse próprio conceito levou o público do Faroeste a aceitar figuras de cowboy como heróis. No entanto, o resultado disso foi que um vilão teve que ser identificado e categorizado para futuros Faroestes. Esse papel foi atribuído aos nativos americanos ou a uma raça secundária diferente dos brancos. O White Cowboy foi retratado como um herói e, na ocasião, tanto os nativos americanos quanto os mexicanos eram vistos como os “bandidos”. Seria muito difícil nomear um filme de faroeste que não retratasse uma figura de caubói branco como um herói, se estamos falando de um filme de faroeste clássico. Se for um Super Western, um conjunto de regras completamente novo se aplique para identificar um herói. O herói do Super Western, é um herói que, por algumas de suas ações, não se enquadra no título de herói. Basicamente, o que quero dizer com isso é que, o herói do Super Western não realiza nenhuma ação heróica particular no sentido de que está salvando uma pessoa. Na verdade, é o oposto completo. Os heróis do Super-Western realizam trabalhos e atendem pessoas com base moral em uma recompensa ou por um motivo específico que os beneficia de uma forma ou de outra.

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Para definir o filme de guerra é preciso, portanto, estabelecer parâmetros, o primeiro dos quais é separar o fato (documentários e cinejornais) da ficção (histórias criadas, mesmo que baseadas em fatos), e determinar quantas lutas devem aparecer na tela para poder ser designado como um filme de guerra. Alguns filmes têm a guerra como pano de fundo significativo, mas não retratam nenhum combate. Alguns têm sequências de combate como um episódio na história maior, como …E o Vento Levou, que começa no pacífico Velho Sul, avança para a Guerra Civil e segue para o período de Reconstrução e os problemas do pós-guerra. Por esse motivo, …E o Vento Levou, um grande filme sobre a Guerra Civil, raramente é rotulado simplesmente como um filme de guerra (via Film Reference).

O filme de guerra como gênero é melhor definido como um filme que conta uma história ficcional, ou baseada em fatos reais, sobre uma guerra histórica real. Lutar naquela guerra, planejá-la e travar o combate dentro dela deve preencher a maior parte do tempo do filme. Isso incluiria biografias de combatentes, como o herói da Segunda Guerra Mundial Audie Murphy (1924-1971) (Terrível Como o Inferno, 1955) e filmes ambientados em combate, mas que removem seus personagens do conflito por meio de flashbacks visualizados (Desembarque Sangrento, 1967). Essa definição elimina o cenário doméstico, a guerra como pano de fundo ou episódio único, o filme do acampamento militar, o filme do campo de treinamento e a biografia que não contém o combate real.

Depois que o gênero de combate foi estabelecido, apareceram filmes com tons cômicos que teriam sido inadequados durante a própria guerra. Papai, Você Foi Herói? (1966) e Anáguas a bordo (1959) foram comédias de sucesso ambientadas na Segunda Guerra Mundial, a primeira na campanha italiana e a segunda em um submarino no Pacífico sul. M*A*S*H (1970) foi uma comédia dura sobre a Coréia, ambientada em uma unidade hospitalar cirúrgica móvel; a sitcom A Marinha de McHale tratou a guerra marinha no Pacífico como uma brincadeira; e Guerra, sombra e água fresca, também uma série de televisão, zombou da vida em um campo de prisioneiros de guerra na Alemanha.

Os filmes retrataram a guerra, junto com suas lutas, horrores e oportunidades inerentes para o heroísmo, desde os primeiros anos do cinema. A categoria de filmes de guerra abrange quase todos os gêneros cinematográficos, incluindo ação, suspense, romance, faroeste e até comédia. Os temas apresentados nos filmes de guerra variam e incluem liderança, patriotismo, luta contra inimigos, efeitos na sociedade, colapsos pessoais e os aspectos absurdos da guerra. Mesmo levando em consideração sua diversidade, os filmes de guerra compartilham algumas características, veremos algumas delas abaixo (via Our Pastimes). 

Cenas de Combate

Sequências retratando batalhas que envolvem tanques, aviões de combate, navios de guerra, armas de fogo e combate corpo-a-corpo têm sido marcas consistentes dos filmes de guerra desde os primeiros dias do gênero. Por exemplo, O filme mudo de D. W. Griffith de 1918, “Hearts of the World”, retratava a guerra de trincheiras da época da Primeira Guerra Mundial. Mesmo os filmes de guerra que exploram o funcionamento interno da mente de seus personagens frequentemente incluem cenas de combate também. Por exemplo, “Patton”, um filme biográfico premiado de 1970 sobre o general George S. Patton, apresenta extensas cenas de campo de batalha, bem como sequências baseadas em diálogos.

Elenco  de personagens multiculturais

Os filmes de guerra freqüentemente retratam unidades de combate compostas por soldados de várias origens geográficas, étnicas e raciais. Essa característica tornou-se clara em filmes de guerra feitos durante e após a Segunda Guerra Mundial, com foco nas tropas americanas. As unidades retratadas em filmes da época da Segunda Guerra Mundial normalmente incluíam combatentes americanos com raízes irlandesas, italianas e judaicas. Os personagens eram de grandes cidades como Nova York ou Filadélfia, bem como de pequenas cidades do Sul e do Meio-Oeste. “Os Bravos Morrem Lutando”, um filme de 1965 estrelado por Frank Sinatra, levou esse conceito a outro nível, mostrando indivíduos japoneses do campo inimigo sob uma luz simpática.

Psicologia da Guerra

Explorar os aspectos psicológicos da guerra, incluindo a tensão mental que o combate exerce sobre os soldados, é outra característica dos filmes de guerra. Ao longo da história dos filmes de guerra, por exemplo, um personagem que age de maneira covarde muitas vezes pode passar por um período de crescimento pessoal e se redimir com um ato de coragem. “A Guerra de Hart”, um filme de prisioneiros de guerra de 2002, estrelado por Bruce Willis e Colin Farrell, é um exemplo dessa característica. O exemplo de um filme que examina como a guerra pode destruir o estado mental de um homem é “Apocalypse Now”, o épico da Guerra do Vietnã de 1979.

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