Existem poucas coisas mais frustrantes do que filmar uma cena, apenas para perceber mais tarde que sua filmagem está tremida e inutilizável. Você sabe que a próxima etapa para um conteúdo melhor é uma filmagem mais estável, mas não sabe quais opções são melhores para você e seus projetos.

Gimbals de 3 eixos, estabilizadores, sistemas de estabilizador com colete, Steadycams. Iremos guiá-lo pelas opções disponíveis no mercado para que você possa obter a filmagem mais suave possível.

Vamos acompanhá-lo passo a passo, tipo por tipo, para você encontrar os melhores estabilizadores de câmera (via moviola.com).

O que são estabilizadores de câmera?

Um estabilizador de câmera é um equipamento montável que funciona para evitar qualquer movimento indesejado e manter a filmagem suave durante a operação. Os estabilizadores muitas vezes precisam ser devidamente balanceados e podem incorporar gimbals para evitar que as imagens tremam, alguns dos quais são eletronicamente acionados por motores sem escova para ajustes precisos.

Os estabilizadores de câmera são todos baseados no peso da câmera, portanto, embora os diferentes tipos de estabilizadores sejam frequentemente criados para câmeras mais pesadas, também existem opções profissionais criadas para câmeras mais leves.

Alguns estabilizadores podem até prejudicar a filmagem de uma câmera se ela for de um peso inadequado para ele. Sempre certifique-se de verificar isso antes de comprar.

Tipos de estabilizadores de câmera

• Estabilizadores portáteis: evita o uso de colete ou gimbal de 3 eixos. Freqüentemente, é uma opção menos cara que depende muito de uma operação suave.
• Gimbal de 3 eixos: incorpora um conjunto de gimbals giratórios. Frequentemente eletrônico e pode depender muito da bateria e do tempo de carga.
• Sistema Estabilizador com Colete: Combina um acessório de colete, molas, braços isoelásticos, gimbal multieixo e trenó com pesos.

Estabilizadores de mão

Um estabilizador de mão é qualquer estabilizador que não usa um colete ou gimbal de 3 eixos para criar estabilidade extra. Essas são normalmente as opções menos caras e que dependem muito do operador.

O estabilizador na imagem acima foi criado para câmeras mais pesadas em comparação com os outros estabilizadores de mão Glidecam.

Sempre verifique a capacidade de peso do estabilizador.

Gimbals 3 eixos

Um gimbal de 3 eixos é um estabilizador de câmera que faz ajustes automáticos com base na gravidade para fornecer uma filmagem estável. As opções motorizadas ajudam a fazer ajustes, mas requerem tempo de carga e baterias.

O que é um gimbal?

Um gimbal é simplesmente uma montagem giratória que permite que um objeto gire em torno de um único eixo. Eles são freqüentemente usados em navios para dispositivos de navegação ou para manter as coisas estáveis enquanto o barco balança na água.

Pode parecer confuso quando descrevemos estabilizadores modernos porque um estabilizador específico pode ter um gimbal (ou gimbal de 3 eixos) como parte de sua construção, mas da mesma forma esse estabilizador NÃO será referido como um gimbal, mas sim um sistema estabilizador com colete.

Algumas das opções de estabilizador mais populares são gimbals motorizados de 3 eixos alimentados por bateria, como o DJI Ronin M.

Esses estabilizadores podem levar 15 minutos para montar e balancear, com alguns dos estabilizadores mais avançados ostentando um recurso de auto-balanceamento eletrônico.

Você também pode ajustar a rigidez do motor em alguns estabilizadores, permitindo mais controle sobre sua operação. Essa função é particularmente útil ao alternar para uma câmera diferente.

Existem estabilizadores de gimbal de 3 eixos não motorizados, como o estabilizador SNOW. Sem necessidade de baterias e organicamente precisas.

Sistemas Estabilizadores com Colete ou Steadicam

Um sistema com colete é um estabilizador que combina um acessório de colete, molas, braços iso-elásticos, gimbal multi-eixo e trenó com pesos.

A versão mais conhecida deste é o Tiffen Steadicam.

Curiosidade: Steadicam na verdade um nome de uma marca.

Esses estabilizadores são usados com mais frequência com câmeras de cinema de última geração e, dependendo de sua faixa de suporte, podem ter problemas para equilibrar câmeras muito leves.

A chave para usar efetivamente um sistema de estabilização com colete, ou qualquer estabilizador baseado em peso, é transferir o centro de gravidade da câmera para o “trenó” (placa de peso).

Quando os sistemas de colete são montados com câmeras profissionais (bateria da câmera, monitor, lente, etc.), eles podem pesar até 27 kilos, mas esse peso é distribuído uniformemente por seu torso, permitindo que o operador se mova com relativa facilidade.

Muitos desses estabilizadores não requerem baterias para operar, pois são puramente mecânicos, mas o estresse físico pode forçar o operador a fazer pausas durante um set.

Aqui está um vídeo útil da Bart Johnson Productions, onde eles testam um DJI Ronin M (gimbal motorizado de 3 eixos) versus o Tiffen Steadicam (sistema estabilizador com colete)

Ao fazer uma lista de filmagens de suas cenas, certifique-se de adicionar o fato de que você usará um estabilizador – porque às vezes isso significa algum tempo extra de configuração para montar sua câmera em qualquer equipamento que estiver usando.

Quanto mais detalhado você for com sua lista de filmagens, mais poderá criar programações precisas e discutir importantes escolhas criativas com sua equipe.

Compartilhe com sua equipe e colabore para o sucesso.

Como escolher um estabilizador

Quanto você quer gastar?

O orçamento não é o único fator determinante para o equipamento, mas geralmente ele tem a voz mais alta. Felizmente, existem algumas opções fantásticas para quase todos os orçamentos.

Agora, se você é um operador de câmera procurando entrar no mundo dos sistemas com colete, pode se ver segurando a mesma etiqueta de preço que encontraria em uma concessionária Honda.

De qualquer forma, não desanime.

Se você deseja uma filmagem estável, existem opções para você.

Qual câmera você vai usar?

Sua escolha na câmera é tão importante quanto sua escolha no estabilizador, e os dois têm uma relação simbiótica um com o outro.

Às vezes, um estabilizador mais caro funcionará contra você, porque muitas vezes eles foram construídos para lidar com câmeras maiores que pesam mais do que DSLRs.

A maioria das opções de estabilizadores funcionam melhor quando são “pesadas na parte inferior” porque isso força a câmera a permanecer na posição vertical.

Mas nem sempre se trata de peso…

Outras vezes, sua câmera será muito volumosa, especialmente com uma lente acoplada, e pode exigir acessórios adicionais ou uma opção totalmente diferente.

Se você não possui uma câmera, mas está no mercado, sugiro escolher sua câmera primeiro e, em seguida, encontrar um estabilizador que funcione melhor com ela.

Mesmo que você tenha uma ideia geral do tamanho e peso da câmera, isso o ajudará a eliminar opções que não funcionam e reduzir sua lista a um tamanho administrável.

Quais acessórios você precisa?

Alguns estabilizadores e sistemas de estabilizador podem não funcionar com todas as câmeras ou em todas as situações, mas muitos desses estabilizadores oferecem acessórios como extensões de braço ou opções adicionais de vida útil da bateria.

Se você estiver dividido entre dois estabilizadores e descobrir que um tem mais funcionalidade quando emparelhado com acessórios compatíveis, isso pode tornar sua decisão muito mais fácil, especificamente com placas de montagem de liberação rápida mais adequadas para sua câmera.

O que você vai filmar?

Sabe aquela nova minissérie de romance que sua mãe sempre pede para você assistir? Essa produção tem necessidades diferentes de, digamos, um vídeo de skate.

Para qual você está se preparando?

Não importa qual desses você planeja filmar, você vai querer a capacidade de capturar imagens estáveis.

Mas cada um desses projetos requer um tipo diferente de sistema de estabilização, e você vai querer ter o correto para você em seu próximo projeto.

Você quer lidar com eletrônicos?

Algumas das opções neste artigo têm motores alimentados por bateria que fazem ajustes guiados enquanto você opera o estabilizador.

Isso significa baterias; muito provavelmente de íon de lítio recarregável ou alcalino.

Outros estabilizadores não requerem assistência motorizada e permitem que a gravidade faça grande parte do trabalho.

Não há correlação direta entre preço e eletrônicos, já que alguns dos estabilizadores mais caros não requerem fonte de alimentação.

O estabilizador é muito avançado para você?

Seu nível de experiência é importante, porque os estabilizadores geralmente exigem que o usuário equilibre o estabilizador antes que ele possa ser usado efetivamente no campo.

A melhor maneira de aprender com estabilizadores é a abordagem prática junto com tutoriais do YouTube. Podem ser necessárias algumas tentativas até você conseguir equilibrar corretamente o estabilizador.

Confira também: Teoria de Enquadramento: Princípios fundamentais para a filmagem

Gostou do nosso texto sobre suportes e estabilizadores para câmera? Deixe um comentário abaixo e não esqueça de compartilhar o post com seus amigos. 

Acompanhe outras dicas de audiovisual e cinema aqui no nosso site.

O post Suportes e estabilizadores de câmera apareceu primeiro em Luz, Câmera e ação! .

Teoria de enquadramento: A regra dos terços

A regra dos terços, estabelecida pela primeira vez em 1797 pelo pintor inglês John Thomas Smith, recomenda que uma imagem seja dividida em três seções, tanto horizontal quanto verticalmente. A imagem deve então ser composta de forma que os elementos mais importantes da cena passem pelas linhas divisórias entre os terços. 

Isso pode incluir objetos ou personagens na cena e elementos de perspectiva fundamentais, como a linha do horizonte. A regra dos terços nunca deve ser tratada como uma lei, mas certamente serve como um ponto de partida útil para explorar a configuração de uma cena. A assimetria de elementos alinhados a essas linhas divisórias cria uma tensão e peso para a cena que não estaria presente se um item em destaque fosse simplesmente centralizado no quadro.

Uma boa regra prática é dar 2/3 do quadro ao assunto da foto e ⅓ a outros elementos significativos. Isso está de acordo com a famosa regra de Hitchcock de que “o tamanho de um objeto no quadro deve ser igual à sua importância na história naquele momento.” Então, em uma cena por cima do ombro, seria enquadrado ⅔ assunto, 1/3 do ombro. E para um close-up, será 2/3 do sujeito e 1/3 do espaço principal vazio. 

Isso não quer dizer que você nunca deve centralizar um objeto, às vezes é essencial para ilustrar a centralidade de comando de um personagem ou o símbolo em uma cena. Possivelmente, a aplicação mais comum da regra dos terços é no enquadramento de um plano médio ou aberto, em que o assunto principal é posicionado na linha divisória esquerda ou direita, neste caso a linha do olho é normalmente posicionada para cruzar com a linha horizontal superior.

Enquadramento por perspectiva

Em geral, as linhas diagonais são altamente desejáveis no enquadramento, pois indicam a perspectiva. já que tradicionalmente o cinema é uma forma de arte bidimensional, as linhas de perspectiva são importantes para adicionar profundidade às cenas.

Aqui em cima reformulamos a cena para incluir perspectiva e você consegue ver instantaneamente a transformação no apelo visual. Esse enquadramento também ajuda o público a construir seu mapa mental do ambiente.

Ao definir a perspectiva em um enquadramento, tente manter o ponto de fuga, o ponto no qual todas as linhas de perspectiva convergem para fora do quadro:

Isso cria um forte senso de que o set continua além das fronteiras do quadro da câmera. Feito da maneira certa, um estúdio ou mesmo um pequeno apartamento de um quarto pode ser montado para parecer um espaço muito maior.

Uma técnica da teoria de enquadramento menos conhecida, mas útil, é o método dos triângulos de ouro. Nesta técnica, a imagem é dividida em uma de suas diagonais, formando dois triângulos, em seguida, um dos triângulos é dividido novamente para formar dois triângulos retos com a linha comum conectando-se a um dos cantos restantes da imagem. O princípio fundamental é posicionar os elementos da cena aproximadamente das dimensões desses três triângulos:

Obviamente, essa técnica funciona melhor para cenas com fortes características diagonais. É raro que você tenha elementos diagonais que correspondam a cada um dos três triângulos, alinhar um assunto principal com um dos triângulos é suficiente para que a técnica funcione. O método dos triângulos de ouro é na verdade um exemplo do princípio muito mais amplo de linhas principais: Fortes linhas geométricas em um quadro que levam o olhar ao objeto pretendido.

É possível que um personagem menor do que os outros objetos enquadrados ainda chame a atenção do espectador, simplesmente porque as linhas principais no enquadramento direcionam o olhar em sua direção. As linhas principais podem ser linhas de perspectiva ou adereços com espaçamento uniforme. Não é incomum que os diretores organizem os atores com base na altura física para criar linhas principais.

Enquadramento e ângulo da câmera

A seguir, vamos dar uma olhada no ângulo e no posicionamento da própria câmera. A recomendação típica é posicionar a câmera no nível dos olhos ou ligeiramente abaixo em relação aos atores.

À medida que você se move de close-ups para planos mais amplos, é mais natural aproximar a câmera da altura da cintura.

Diferentes efeitos dramáticos são causados de acordo com o ângulo da câmera, filmar um objeto de cima para baixo diminuirá sua estatura. Ao filmar de baixo para cima, ele parecerá mais imponente e poderoso. É bom deixar claro que isso funciona em ajustes bastante sutis de ângulo, mudanças mais significativas de ângulo serão vistas pelo público como uma escolha criativa, em vez de um indicador do equilíbrio de poder entre os personagens.

As linhas de perspectiva novamente entram em jogo aqui, sem a perspectiva adequada nos fundos, o ângulo da câmera pode não ser tão óbvio para o público. Os objetos em primeiro plano também ajudam o público a avaliar o ângulo da câmera. Você pode mudar progressivamente a altura da câmera ao longo de uma cena para articular mudanças no equilíbrio de poder entre os personagens.

É muito comum lidar com personagens de alturas diferentes, em tais casos, filmar no nível dos olhos de um personagem irá enquadrar o outro de forma desajeitada, invés disso, tente dividir a diferença enquanto favorece ligeiramente o nível dos olhos do assunto principal.

Enganando no enquadramento

Se você tentar manter todas essas regras de teoria de enquadramento em mente, você terá um problema significativo imediatamente ao parar de organizar todos os ângulos da câmera. E esse problema é o seguinte: o design de cena definido que funciona para um ângulo parecerá desequilibrado para outro. A solução? Engane. Como cada movimento de câmera normalmente é filmado como uma tomada separada, com exceção de uma filmagem com várias câmeras, você pode alterar o design de um cenário de maneiras sutis sem quebrar a continuidade. Talvez você mova a mesa de centro para mais perto de um ator do que estava em um ângulo anterior, ou vire o ator um pouco para que seu perfil funcione melhor em uma tomada por cima do ombro.

Freqüentemente, trapacear é necessário para colocar certos elementos da cena em destaque. A menos que você diga que tem paredes removíveis, pode ser necessário reposicionar os itens de primeiro plano para que eles ainda apareçam no quadro das câmeras quando elas forem colocadas contra uma das paredes do cenário .

Nesta cena acima, precisávamos cortar para o reverso, mas o espaço apertado entre a câmera e a parede torna o enquadramento do primeiro plano estranho. Para resolver o problema, ajustamos o posicionamento da mesa e do ator para uma aparência mais natural. Preste atenção à continuidade espacial, mas não deixe que ela domine a criatividade de sua composição.

Direcionando a atenção com profundidade de campo

Como já vimos, o objeto principal de um enquadramento pode ser ressaltado por linhas principais, mas as propriedades ópticas de uma lente fornecem outros meios de se fazer isso. Quando a abertura da lente está totalmente aberta, apenas uma pequena parte da cena estará em foco. Essa parte da cena que permanece em foco é chamada de profundidade de campo.

É claro para o público que o que está em foco é o que importa. Em uma cena de duas pessoas ou sobre o ombro, podemos mover o centro do foco para direcionar o público para onde quisermos que ele se envolva.

Nessa cena acima, por exemplo, nossa atenção é desviada para o personagem que está em pé falando. 

Para criar um efeito de profundidade de campo forte, você pode precisar reduzir a iluminação geral em sua cena, pois abrir a abertura da lente para criar o efeito aumentará a exposição da foto. Como alternativa, adicionar um filtro de densidade neutra na frente da lente interromperá a iluminação sem a necessidade de ajustar as luzes individuais.

Confira também: Cor na cinematografia: Como usar cores nos filmes

Gostou das nossas dicas de teoria de enquadramento? Deixe um comentário abaixo sobre o texto e não esqueça de compartilhar o post com seus amigos. 

Acompanhe outras dicas de audiovisual e cinema aqui no nosso site. 

O post Teoria de Enquadramento: Princípios fundamentais para a filmagem apareceu primeiro em Luz, Câmera e ação! .

Primeiro vamos olhar para o método clássico de cobertura da master scene e, em seguida, discutiremos porque ela não funciona para grande parte do cinema moderno (via moviola.com).

Cenas de cobertura utilizando o método master scene 

Provavelmente, o método mais tradicional de cobertura é chamado de método de master scene. Neste método você começa filmando um plano aberto de toda a cena. Normalmente a cena inteira é filmada com o plano aberto. Se você tiver o luxo de poder filmar com duas câmeras, você conseguirá filmar o master ao mesmo tempo que filma outros ângulos, mas isso pode causar problemas com as configurações de iluminação personalizadas para os close-ups. Depois de filmar o master shot, você procede sistematicamente para dividir a filmagem para incluir todos os outros ângulos que serão necessários para a edição final.

Filmar em master às vezes é considerado um pouco antiquado. Hoje em dia, os editores preferem controlar o que o público vê no início de uma cena e só revelar mais conforme necessário, o que mantém o público focado na intenção de descobrir o que está sendo escondido. No entanto, filmar em master ainda é uma boa prática de trabalho, mesmo que seja apenas para dar ao editor uma referência quanto ao design real da cena.

Cobertura em diálogo

Então, quais ângulos são necessários para criar imagens de cobertura suficientes? Vamos começar falando de um diálogo simples. Para o diálogo básico, existem quatro posições essenciais da câmera: um par de close-ups e um par de filmagens sobre o ombro:

Esses quatro ângulos facilitam o corte entre o diálogo dos dois personagens, enquanto fornecem variação suficiente para evitar que a cena pareça muito estática. Mas se suas cenas de diálogo forem extremamente breves, você pode filmar apenas duas dessas posições, talvez por cima do ombro para um dos personagens e um close-up para o outro. Lembre-se de que quanto mais ângulos você filma, mais opções você dá ao editor.

Para cenas mais longas, você descobrirá que essas quatro posições de câmera não serão suficientes. Cortar constantemente entre apenas quatro ângulos vai começar a cansar o público e matar a energia da cena. Para remediar isso, inclua alguns planos mais abertos adicionais, insira inserts de detalhes relevantes da cena e possivelmente até mesmo alguns close-ups extremos para momentos altamente expressivos dos atores.

Filmar com Steadicam na mão normalmente adiciona um pouco mais de energia cinética a uma cena do que simplesmente colocar a câmera em um tripé. E lembre-se de que você pode variar o ângulo e a posição das câmeras ao longo de uma cena para indicar mudanças de poder e mudanças na dinâmica entre os personagens.

Filmando a cobertura

A ordem das filmagens depende de você, mas, a menos que haja um problema, tente filmar a cena inteira em cada ângulo. Se você tiver mais de uma câmera, poderá filmar um close-up e um plano por cima do ombro na mesma tomada. Mas geralmente é mais fácil filmar cada plano separadamente, permitindo que você se concentre na captura do melhor desempenho para aquele ângulo, além de prestar atenção aos problemas de continuidade.

É importante manter todas as posições de câmeras em um só lado dos atores, isso está dentro de uma das regras fundamentais de cobertura geralmente conhecida como regra dos 180 graus:

A regra dos 180 graus fala que a sua cobertura precisará respeitar a linha de interesse formada entre dois personagens em diálogo. Em outras palavras, todas as câmeras devem ser posicionadas de forma que, independentemente da cena, um personagem sempre apareça à esquerda da tela e outro à direita da tela.

Economizando cobertura

Seria ótimo se pudéssemos filmar cenas de cobertura em todos os ângulos imagináveis e deixar o editor se afogando em material útil. Mas mesmo que o relógio não seja um problema para você, com os aluguéis de equipamentos e estúdio, em algum ponto, seus atores começarão a entrar em colapso sob os efeitos desidratantes de sua iluminação. Portanto, uma parte muito prosaica da magia do cinema é fazer concessões para obter o máximo de cobertura com um número mínimo de filmagens.

Aqui em cima temos uma economia óbvia para um plano por cima do ombro, em vez de criar planos exclusivos por cima do ombro para os personagens B e C, filmamos um único plano por cima do ombro enquadrando os dois personagens. Agrupar personagens é uma maneira útil de reduzir o número de ângulos necessários para a cena, ao mesmo tempo que comunica alianças através da imagem. Neste primeiro enquadramento mostrado aqui em cima, o rapaz e a moça sentados na sala são vistos como uma unidade combinada, talvez marido e mulher, namorado e namorada ou colegas de quarto. Mas aqui embaixo os dois homens são vistos como potencialmente aliados, enquanto a menina está separada deles:

Possivelmente nesta cena há uma divisão de gênero na maneira como a situação está sendo vista pelos dois conjuntos de personagens. O enquadramento pode não ser ideal, mas serve bem para comunicar quais personagens são aliados e para cobrir as reações de ambos os homens ao que a garota possa estar dizendo.

Cobertura Adicional

Depois de cuidar de sua cobertura primária, ainda há alguns problemas a serem enfrentados. Primeiro são as entradas e saídas. Assistir ao processo de alguém entrando em uma cena pode ser um pouco tedioso, mas a história precisa ser contada, caso contrário, o surgimento repentino de um novo personagem em uma cena não fará sentido. Então, grave uma boa cobertura de qualquer entrada ou saída de personagens que aconteça durante o curso dos eventos em uma cena, incluindo close-ups de mãos e maçanetas, planos médios e abertos da entrada ou saída  e filmagens da reação dos outros personagens. 

Você pode nem usar nenhuma dessas filmagens na edição, um editor pode simplesmente referir-se ao fechamento da porta fora do quadro com um efeito sonoro, mas é importante ter as filmagens disponíveis se necessário. Outras tomadas que valem a pena incluir na cobertura são tomadas de inserts de quaisquer objetos importantes na cena, e algumas tomadas de reação geral dos vários personagens para fornecer uma paleta emocional adicional para o editor.

Conclusão

Vamos revisar:

1. Use o método de master scene para garantir que você tenha ângulos de câmera ou planos suficientes para cobrir todos os requisitos de edição que possam surgir, independentemente se você realmente planeja usar a master scene em suas edições ou não.
2. Para diálogos simples, faça pelo menos um par de close-ups e um par de planos por cima do ombro. Filme ângulos adicionais para cenas mais longas e possivelmente menos para cenas extremamente curtas.
3. Obedeça a regra dos 180 graus em todos os momentos ao planejar a cobertura, mantendo todas as câmeras em um lado da linha formada entre um par de atores no diálogo.
4. Economize cobertura agrupando personagens onde desejado. Enquadre vários personagens juntos em uma única cena para indicar lealdade.
5. E certifique-se de cobrir todas as entradas ou saídas de cena, bem como inserts adicionais e filmagens das reações, independentemente se você planeja usá-las ou não.

Confira também: Planos de Filmagem: Os principais tipos de planos

Gostou das nossas dicas de cenas de cobertura? Deixe um comentário abaixo sobre o texto e não esqueça de compartilhar o post com seus amigos. 

Acompanhe outras dicas de audiovisual e cinema aqui no nosso site. 

O post Cenas de cobertura: O que é necessário para a edição? apareceu primeiro em Luz, Câmera e ação! .

Abaixo descrevemos todos os principais planos de filmagens e ângulos que você precisa saber para o seu próximo filme. Também incluímos exemplos de fotos de filmes famosos para ajudar a solidificar os conceitos discutidos (via StudioBinder).

Os diferentes tipos de planos de filmagem

O que é um plano de filmagem?

Um plano de filmagem é composto por uma série de quadros que são filmados ininterruptamente desde o momento em que a câmera começa a filmar até parar. Os planos de filmagem são um aspecto essencial da realização de filmes e produções de vídeo, porque ao combinar diferentes tipos de planos ângulos e movimentos de câmera, os cineastas são capazes de enfatizar emoções, ideias e movimentos específicos de cada cena.

Tipos de planos de filmagem

• Plano Geral
• Plano de Conjunto
• Plano Médio
• Plano Americano
• Meio Primeiro Plano
• Primeiro Plano
• Primeiríssimo Plano
• Plano Detalhe

1. Plano Geral ou Plano Aberto

Um plano geral (aberto) faz com que a pessoa pareça pequena em comparação com o seu cenário. Você pode usar um plano geral para fazer com que a pessoa pareça distante ou desconhecida.

Dê uma olhada neste plano geral de Mad Max: Estrada da Fúria:

Ele também pode dar a sensação que a pessoa está sendo engolida pelo cenário. De todas os vários planos de câmera disponíveis, considere usar o plano geral quando precisar enfatizar o local ou o isolamento.

2. Plano de Conjunto ou Geralzinho

O plano de conjunto é a mesma ideia do plano geral, mas um pouco mais próximo do objeto de filmagem. Se o objeto for uma pessoa, todo o corpo dele estará à vista – mas não preencherá a tela.

Em outras palavras, deve haver bastante espaço acima e abaixo da pessoa. Use um plano de conjunto (ou geralzinho) para manter o objeto de filmagem à vista em ambientes grandiosos.

O plano de conjunto também nos permite ver as belas imagens de fundo, o que tornará qualquer grande momento mais cinematográfico.

Dos muitos planos de filmagem um plano conjunto nos dá uma ideia melhor do cenário da cena e nos dá uma idéia melhor de como o personagem se encaixa na área.

3. Plano Médio

Agora vamos falar sobre os planos de filmagem que permitem que o objeto de filmagem preencha o quadro enquanto mantém a ênfase no cenário.

Este plano médio de Django Livre também é um Travelling – o que significa que há movimento da câmera ao longo do plano. Nesse caso particular, a câmera se move lentamente em direção a Django. Então, tecnicamente, essa cena começa em um plano geral e move-se para um plano conjunto (visto anteriormente) e, eventualmente, termina em um plano médio.

De todos os diferentes tipos de planos de filmagem, os planos médios podem ser usados para apresentar vários personagens em um único plano, como este exemplo de Guardiões da Galáxia da Marvel:

4. Plano Americano

Um plano americano enquadra a pessoa aproximadamente dos joelhos para cima. Ele fica entre um plano médio e um meio primeiro plano. Aqui está um exemplo do plano americano:

Você sempre pode enquadrar os planos de qualquer ângulo também, então não tenha medo de usar planos americanos por trás de um personagem por exemplo.

5. Meio Primeiro Plano

Vamos passar para os planos de filmagem que mostram o objeto de filmagem com mais detalhes.

O meio primeiro plano é uma dos planos de câmera mais comuns. É semelhante ao plano americano acima, mas enquadra aproximadamente da cintura para cima e através do torso. Portanto, ele enfatiza mais a pessoa, mantendo os arredores visíveis. Aqui está um exemplo do meio primeiro plano:

O meio primeiro plano é um dos planos de filmagem mais comuns, mas cada plano que você escolher terá um efeito no espectador. Um meio primeiro plano geralmente pode ser usado como um plano intermediário para cenas de diálogo que têm um momento importante depois que será mostrado em um primeiríssimo plano.

6. Primeiro Plano ou Close-Up

O close-up enquadra a pessoa aproximadamente do peito para cima. Portanto, normalmente favorece o rosto, mas ainda mantém a pessoa um pouco distante.

Aqui está um exemplo de close-up:

O close-up mantém os personagens estranhamente distantes, mesmo durante a conversa cara a cara.

7. Primeiríssimo Plano ou Big Close-Up

Você sabe que é hora de fazer um big close-up quando quiser revelar as emoções e reações de uma pessoa. O big close-up preenche o quadro com uma parte do objeto de filmagem. Se o assunto for uma pessoa, geralmente é o rosto dela. Aqui está um exemplo do primeiríssimo plano:

De todos os diferentes planos de filmagem em um filme, um big close-up é perfeito para momentos importantes. O primeiríssimo plano é próximo o suficiente para registrar pequenas emoções, mas não tão perto que percamos a visibilidade.

8. Plano Detalhe

Um plano detalhe é o máximo que você pode preencher um quadro com o objeto de filmagem. Muitas vezes mostra olhos, boca e gatilhos de arma. Em planos detalhes, objetos menores são mostrados detalhadamente e são o ponto focal.

Use um plano detalhe para enfatizar uma característica específica do seu objeto:

O cineasta visionário Darren Aronofsky usa vários graus de close-ups e planos detalhes em seu trabalho, como em seu filme Cisne Negro. Neste plano detalhe, vemos que a transformação dela acontece praticamente literalmente. Aronofsky usa o plano-detalhe para mostrar penas crescendo nas costas de Nina.

Planos detalhes podem ser usados em diversos gêneros de filmes, o que também inclui a comédia. Aqui está outro exemplo de plano detalhe:

Tipos de ângulos de filmagem 

• Ângulo Normal
• Plongée
• Contra-Plongée

Não é suficiente apenas entender os planos de filmagem. Os ângulos da câmera e o grau desses ângulos podem mudar totalmente o significado de um plano de filme.

O que é um ângulo de filmagem?

O ângulo de filmagem é usado para especificar o local onde a câmera é colocada para filmar a cena. A posição da câmera em relação aos objetos de filmagem pode afetar a maneira como o espectador percebe a cena. Uma cena pode ser filmada simultaneamente de vários ângulos da câmera para amplificar o efeito cinematográfico e as emoções.

Ângulo Normal

Primeiro, considere a ângulo normal: o plano ao nível dos olhos. Quando o assunto está no nível dos olhos, ele está em uma perspectiva neutra (não superior ou inferior). Assim é como vemos as pessoas na vida real – nossa linha de olho conectando-se com a delas.

Aqui está outro exemplo de ângulo normal:

Plongée

Em um plongée, a câmera está acima do nível dos olhos, voltada para baixo. Geralmente, isso cria um sentimento de inferioridade ou “desprezo” ao objeto de filmagem.

Aqui está um exemplo de plongée:

Contra-Plongée

Este ângulo enquadra a pessoa abaixo do nível dos olhos, voltada para cima. O contra-plongée geralmente enfatiza a dinâmica de poder entre os personagens.

Um personagem superior com vantagem geralmente é enquadrado de baixo para cima. Isso faz com que o inferior se sinta como se o estivesse admirando.

Confira também:  Gêneros audiovisuais: Principais elementos do Filme Policial

Deixe um comentário abaixo sobre o texto e não esqueça de compartilhar o post com seus amigos. 

Acompanhe outras dicas de audiovisual e cinema aqui no nosso site. 

O post Planos de Filmagem: Os principais tipos de planos apareceu primeiro em Luz, Câmera e ação! .