Cenas de cobertura: O que é necessário para a edição?

Nesse texto vamos falar sobre as cenas de cobertura no processo de filmagem no set e de tudo o que é necessário para a edição. 

Primeiro vamos olhar para o método clássico de cobertura da master scene e, em seguida, discutiremos porque ela não funciona para grande parte do cinema moderno (via moviola.com).

Cenas de cobertura utilizando o método master scene 

Provavelmente, o método mais tradicional de cobertura é chamado de método de master scene. Neste método você começa filmando um plano aberto de toda a cena. Normalmente a cena inteira é filmada com o plano aberto. Se você tiver o luxo de poder filmar com duas câmeras, você conseguirá filmar o master ao mesmo tempo que filma outros ângulos, mas isso pode causar problemas com as configurações de iluminação personalizadas para os close-ups. Depois de filmar o master shot, você procede sistematicamente para dividir a filmagem para incluir todos os outros ângulos que serão necessários para a edição final.

Filmar em master às vezes é considerado um pouco antiquado. Hoje em dia, os editores preferem controlar o que o público vê no início de uma cena e só revelar mais conforme necessário, o que mantém o público focado na intenção de descobrir o que está sendo escondido. No entanto, filmar em master ainda é uma boa prática de trabalho, mesmo que seja apenas para dar ao editor uma referência quanto ao design real da cena.

Cobertura em diálogo

Então, quais ângulos são necessários para criar imagens de cobertura suficientes? Vamos começar falando de um diálogo simples. Para o diálogo básico, existem quatro posições essenciais da câmera: um par de close-ups e um par de filmagens sobre o ombro:

Esses quatro ângulos facilitam o corte entre o diálogo dos dois personagens, enquanto fornecem variação suficiente para evitar que a cena pareça muito estática. Mas se suas cenas de diálogo forem extremamente breves, você pode filmar apenas duas dessas posições, talvez por cima do ombro para um dos personagens e um close-up para o outro. Lembre-se de que quanto mais ângulos você filma, mais opções você dá ao editor.

Para cenas mais longas, você descobrirá que essas quatro posições de câmera não serão suficientes. Cortar constantemente entre apenas quatro ângulos vai começar a cansar o público e matar a energia da cena. Para remediar isso, inclua alguns planos mais abertos adicionais, insira inserts de detalhes relevantes da cena e possivelmente até mesmo alguns close-ups extremos para momentos altamente expressivos dos atores.

Filmar com Steadicam na mão normalmente adiciona um pouco mais de energia cinética a uma cena do que simplesmente colocar a câmera em um tripé. E lembre-se de que você pode variar o ângulo e a posição das câmeras ao longo de uma cena para indicar mudanças de poder e mudanças na dinâmica entre os personagens.

Filmando a cobertura

A ordem das filmagens depende de você, mas, a menos que haja um problema, tente filmar a cena inteira em cada ângulo. Se você tiver mais de uma câmera, poderá filmar um close-up e um plano por cima do ombro na mesma tomada. Mas geralmente é mais fácil filmar cada plano separadamente, permitindo que você se concentre na captura do melhor desempenho para aquele ângulo, além de prestar atenção aos problemas de continuidade.

É importante manter todas as posições de câmeras em um só lado dos atores, isso está dentro de uma das regras fundamentais de cobertura geralmente conhecida como regra dos 180 graus:

A regra dos 180 graus fala que a sua cobertura precisará respeitar a linha de interesse formada entre dois personagens em diálogo. Em outras palavras, todas as câmeras devem ser posicionadas de forma que, independentemente da cena, um personagem sempre apareça à esquerda da tela e outro à direita da tela.

Economizando cobertura

Seria ótimo se pudéssemos filmar cenas de cobertura em todos os ângulos imagináveis e deixar o editor se afogando em material útil. Mas mesmo que o relógio não seja um problema para você, com os aluguéis de equipamentos e estúdio, em algum ponto, seus atores começarão a entrar em colapso sob os efeitos desidratantes de sua iluminação. Portanto, uma parte muito prosaica da magia do cinema é fazer concessões para obter o máximo de cobertura com um número mínimo de filmagens.

Aqui em cima temos uma economia óbvia para um plano por cima do ombro, em vez de criar planos exclusivos por cima do ombro para os personagens B e C, filmamos um único plano por cima do ombro enquadrando os dois personagens. Agrupar personagens é uma maneira útil de reduzir o número de ângulos necessários para a cena, ao mesmo tempo que comunica alianças através da imagem. Neste primeiro enquadramento mostrado aqui em cima, o rapaz e a moça sentados na sala são vistos como uma unidade combinada, talvez marido e mulher, namorado e namorada ou colegas de quarto. Mas aqui embaixo os dois homens são vistos como potencialmente aliados, enquanto a menina está separada deles:

Possivelmente nesta cena há uma divisão de gênero na maneira como a situação está sendo vista pelos dois conjuntos de personagens. O enquadramento pode não ser ideal, mas serve bem para comunicar quais personagens são aliados e para cobrir as reações de ambos os homens ao que a garota possa estar dizendo.

Cobertura Adicional

Depois de cuidar de sua cobertura primária, ainda há alguns problemas a serem enfrentados. Primeiro são as entradas e saídas. Assistir ao processo de alguém entrando em uma cena pode ser um pouco tedioso, mas a história precisa ser contada, caso contrário, o surgimento repentino de um novo personagem em uma cena não fará sentido. Então, grave uma boa cobertura de qualquer entrada ou saída de personagens que aconteça durante o curso dos eventos em uma cena, incluindo close-ups de mãos e maçanetas, planos médios e abertos da entrada ou saída  e filmagens da reação dos outros personagens. 

Você pode nem usar nenhuma dessas filmagens na edição, um editor pode simplesmente referir-se ao fechamento da porta fora do quadro com um efeito sonoro, mas é importante ter as filmagens disponíveis se necessário. Outras tomadas que valem a pena incluir na cobertura são tomadas de inserts de quaisquer objetos importantes na cena, e algumas tomadas de reação geral dos vários personagens para fornecer uma paleta emocional adicional para o editor.

Conclusão

Vamos revisar:

1. Use o método de master scene para garantir que você tenha ângulos de câmera ou planos suficientes para cobrir todos os requisitos de edição que possam surgir, independentemente se você realmente planeja usar a master scene em suas edições ou não.
2. Para diálogos simples, faça pelo menos um par de close-ups e um par de planos por cima do ombro. Filme ângulos adicionais para cenas mais longas e possivelmente menos para cenas extremamente curtas.
3. Obedeça a regra dos 180 graus em todos os momentos ao planejar a cobertura, mantendo todas as câmeras em um lado da linha formada entre um par de atores no diálogo.
4. Economize cobertura agrupando personagens onde desejado. Enquadre vários personagens juntos em uma única cena para indicar lealdade.
5. E certifique-se de cobrir todas as entradas ou saídas de cena, bem como inserts adicionais e filmagens das reações, independentemente se você planeja usá-las ou não.

Confira também: Planos de Filmagem: Os principais tipos de planos

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