Existem poucas coisas mais frustrantes do que filmar uma cena, apenas para perceber mais tarde que sua filmagem está tremida e inutilizável. Você sabe que a próxima etapa para um conteúdo melhor é uma filmagem mais estável, mas não sabe quais opções são melhores para você e seus projetos.

Gimbals de 3 eixos, estabilizadores, sistemas de estabilizador com colete, Steadycams. Iremos guiá-lo pelas opções disponíveis no mercado para que você possa obter a filmagem mais suave possível.

Vamos acompanhá-lo passo a passo, tipo por tipo, para você encontrar os melhores estabilizadores de câmera (via moviola.com).

O que são estabilizadores de câmera?

Um estabilizador de câmera é um equipamento montável que funciona para evitar qualquer movimento indesejado e manter a filmagem suave durante a operação. Os estabilizadores muitas vezes precisam ser devidamente balanceados e podem incorporar gimbals para evitar que as imagens tremam, alguns dos quais são eletronicamente acionados por motores sem escova para ajustes precisos.

Os estabilizadores de câmera são todos baseados no peso da câmera, portanto, embora os diferentes tipos de estabilizadores sejam frequentemente criados para câmeras mais pesadas, também existem opções profissionais criadas para câmeras mais leves.

Alguns estabilizadores podem até prejudicar a filmagem de uma câmera se ela for de um peso inadequado para ele. Sempre certifique-se de verificar isso antes de comprar.

Tipos de estabilizadores de câmera

• Estabilizadores portáteis: evita o uso de colete ou gimbal de 3 eixos. Freqüentemente, é uma opção menos cara que depende muito de uma operação suave.
• Gimbal de 3 eixos: incorpora um conjunto de gimbals giratórios. Frequentemente eletrônico e pode depender muito da bateria e do tempo de carga.
• Sistema Estabilizador com Colete: Combina um acessório de colete, molas, braços isoelásticos, gimbal multieixo e trenó com pesos.

Estabilizadores de mão

Um estabilizador de mão é qualquer estabilizador que não usa um colete ou gimbal de 3 eixos para criar estabilidade extra. Essas são normalmente as opções menos caras e que dependem muito do operador.

O estabilizador na imagem acima foi criado para câmeras mais pesadas em comparação com os outros estabilizadores de mão Glidecam.

Sempre verifique a capacidade de peso do estabilizador.

Gimbals 3 eixos

Um gimbal de 3 eixos é um estabilizador de câmera que faz ajustes automáticos com base na gravidade para fornecer uma filmagem estável. As opções motorizadas ajudam a fazer ajustes, mas requerem tempo de carga e baterias.

O que é um gimbal?

Um gimbal é simplesmente uma montagem giratória que permite que um objeto gire em torno de um único eixo. Eles são freqüentemente usados em navios para dispositivos de navegação ou para manter as coisas estáveis enquanto o barco balança na água.

Pode parecer confuso quando descrevemos estabilizadores modernos porque um estabilizador específico pode ter um gimbal (ou gimbal de 3 eixos) como parte de sua construção, mas da mesma forma esse estabilizador NÃO será referido como um gimbal, mas sim um sistema estabilizador com colete.

Algumas das opções de estabilizador mais populares são gimbals motorizados de 3 eixos alimentados por bateria, como o DJI Ronin M.

Esses estabilizadores podem levar 15 minutos para montar e balancear, com alguns dos estabilizadores mais avançados ostentando um recurso de auto-balanceamento eletrônico.

Você também pode ajustar a rigidez do motor em alguns estabilizadores, permitindo mais controle sobre sua operação. Essa função é particularmente útil ao alternar para uma câmera diferente.

Existem estabilizadores de gimbal de 3 eixos não motorizados, como o estabilizador SNOW. Sem necessidade de baterias e organicamente precisas.

Sistemas Estabilizadores com Colete ou Steadicam

Um sistema com colete é um estabilizador que combina um acessório de colete, molas, braços iso-elásticos, gimbal multi-eixo e trenó com pesos.

A versão mais conhecida deste é o Tiffen Steadicam.

Curiosidade: Steadicam na verdade um nome de uma marca.

Esses estabilizadores são usados com mais frequência com câmeras de cinema de última geração e, dependendo de sua faixa de suporte, podem ter problemas para equilibrar câmeras muito leves.

A chave para usar efetivamente um sistema de estabilização com colete, ou qualquer estabilizador baseado em peso, é transferir o centro de gravidade da câmera para o “trenó” (placa de peso).

Quando os sistemas de colete são montados com câmeras profissionais (bateria da câmera, monitor, lente, etc.), eles podem pesar até 27 kilos, mas esse peso é distribuído uniformemente por seu torso, permitindo que o operador se mova com relativa facilidade.

Muitos desses estabilizadores não requerem baterias para operar, pois são puramente mecânicos, mas o estresse físico pode forçar o operador a fazer pausas durante um set.

Aqui está um vídeo útil da Bart Johnson Productions, onde eles testam um DJI Ronin M (gimbal motorizado de 3 eixos) versus o Tiffen Steadicam (sistema estabilizador com colete)

Ao fazer uma lista de filmagens de suas cenas, certifique-se de adicionar o fato de que você usará um estabilizador – porque às vezes isso significa algum tempo extra de configuração para montar sua câmera em qualquer equipamento que estiver usando.

Quanto mais detalhado você for com sua lista de filmagens, mais poderá criar programações precisas e discutir importantes escolhas criativas com sua equipe.

Compartilhe com sua equipe e colabore para o sucesso.

Como escolher um estabilizador

Quanto você quer gastar?

O orçamento não é o único fator determinante para o equipamento, mas geralmente ele tem a voz mais alta. Felizmente, existem algumas opções fantásticas para quase todos os orçamentos.

Agora, se você é um operador de câmera procurando entrar no mundo dos sistemas com colete, pode se ver segurando a mesma etiqueta de preço que encontraria em uma concessionária Honda.

De qualquer forma, não desanime.

Se você deseja uma filmagem estável, existem opções para você.

Qual câmera você vai usar?

Sua escolha na câmera é tão importante quanto sua escolha no estabilizador, e os dois têm uma relação simbiótica um com o outro.

Às vezes, um estabilizador mais caro funcionará contra você, porque muitas vezes eles foram construídos para lidar com câmeras maiores que pesam mais do que DSLRs.

A maioria das opções de estabilizadores funcionam melhor quando são “pesadas na parte inferior” porque isso força a câmera a permanecer na posição vertical.

Mas nem sempre se trata de peso…

Outras vezes, sua câmera será muito volumosa, especialmente com uma lente acoplada, e pode exigir acessórios adicionais ou uma opção totalmente diferente.

Se você não possui uma câmera, mas está no mercado, sugiro escolher sua câmera primeiro e, em seguida, encontrar um estabilizador que funcione melhor com ela.

Mesmo que você tenha uma ideia geral do tamanho e peso da câmera, isso o ajudará a eliminar opções que não funcionam e reduzir sua lista a um tamanho administrável.

Quais acessórios você precisa?

Alguns estabilizadores e sistemas de estabilizador podem não funcionar com todas as câmeras ou em todas as situações, mas muitos desses estabilizadores oferecem acessórios como extensões de braço ou opções adicionais de vida útil da bateria.

Se você estiver dividido entre dois estabilizadores e descobrir que um tem mais funcionalidade quando emparelhado com acessórios compatíveis, isso pode tornar sua decisão muito mais fácil, especificamente com placas de montagem de liberação rápida mais adequadas para sua câmera.

O que você vai filmar?

Sabe aquela nova minissérie de romance que sua mãe sempre pede para você assistir? Essa produção tem necessidades diferentes de, digamos, um vídeo de skate.

Para qual você está se preparando?

Não importa qual desses você planeja filmar, você vai querer a capacidade de capturar imagens estáveis.

Mas cada um desses projetos requer um tipo diferente de sistema de estabilização, e você vai querer ter o correto para você em seu próximo projeto.

Você quer lidar com eletrônicos?

Algumas das opções neste artigo têm motores alimentados por bateria que fazem ajustes guiados enquanto você opera o estabilizador.

Isso significa baterias; muito provavelmente de íon de lítio recarregável ou alcalino.

Outros estabilizadores não requerem assistência motorizada e permitem que a gravidade faça grande parte do trabalho.

Não há correlação direta entre preço e eletrônicos, já que alguns dos estabilizadores mais caros não requerem fonte de alimentação.

O estabilizador é muito avançado para você?

Seu nível de experiência é importante, porque os estabilizadores geralmente exigem que o usuário equilibre o estabilizador antes que ele possa ser usado efetivamente no campo.

A melhor maneira de aprender com estabilizadores é a abordagem prática junto com tutoriais do YouTube. Podem ser necessárias algumas tentativas até você conseguir equilibrar corretamente o estabilizador.

Confira também: Teoria de Enquadramento: Princípios fundamentais para a filmagem

Gostou do nosso texto sobre suportes e estabilizadores para câmera? Deixe um comentário abaixo e não esqueça de compartilhar o post com seus amigos. 

Acompanhe outras dicas de audiovisual e cinema aqui no nosso site.

O post Suportes e estabilizadores de câmera apareceu primeiro em Luz, Câmera e ação! .

Há uma etapa importante entre a idealização e a criação de filmes e outras mídias que exigem o planejamento de cenas: fazer um storyboard.

Confira abaixo como fazer um storyboard e seus principais fundamentos (via MasterClass).

O que é um storyboard?

Um storyboard é um esboço visual de um filme (seja um curta ou longa-metragem) ou animação. É uma parte importante do processo de pré-produção e consiste em uma série de imagens que mostram tudo o que vai acontecer em sua peça acabada.

Muitos storyboards são desenhados à mão, mas alguns criadores ou animadores optam por usar software de storyboard. O resultado final lembra uma história em quadrinhos.

Por que o storyboard é importante?

Se você está trabalhando com um script, já conhece o fluxo do seu projeto. A chave é traduzir esse fluxo e as novas ideias da forma de palavra para a forma de imagem. Cada imagem em seu storyboard precisa incluir informações suficientes para que alguém que nunca leu seu roteiro possa vê-la e saber o que está acontecendo. Mas não deve conter muitas informações, pois isso irá atrapalhar os detalhes relevantes.

• Pense no storyboard como a novelização gráfica de seu roteiro, em que cada painel representa um novo ângulo de câmera ou um momento-chave da ação.
• O objetivo do processo de storyboard é duplo: garantir que você obtenha toda a cobertura necessária no set para criar uma história coerente e emocionante na sala de edição e fazê-lo de forma econômica, para evitar gastar tempo desnecessário com filmagens ou perder dinheiro na produção de vídeo ou efeitos especiais.
• Bons storyboards podem ser extremamente úteis ao dirigir grandes sequências de ação. Desenhar sua lista de filmagens pode ser um princípio organizador na cacofonia de produzir filmagens complicadas. Os storyboards tornam-se um mapa preciso do que é quase certo que será um dia agitado de filmagem. Você quer que tudo saia como planejado.

Tomadas e cortes

Depois das câmeras e lentes, todo narrador de vídeo possui duas ferramentas essenciais: tomadas e cortes. Essas duas ferramentas são muito, muito mais importantes do que o equipamento que você usa.

Uma tomada é um clipe de vídeo. Tem um começo e um fim, mas além disso pode durar qualquer período de tempo (desde que seja ininterrupto) e conter o que você quiser. A escolha das cenas é a ferramenta expressiva fundamental da narrativa em vídeo, e há muitos tipos diferentes de cenas que você pode fazer. A maneira como você faz suas filmagens é o principal sinal para que seu público se sinta de uma certa maneira ao assistir ao seu vídeo.

Um corte é o fim de uma tomada. Os cortes são sua ferramenta narrativa essencial. A forma como uma cena termina e, em seguida, como a próxima começa, é a forma principal com que o vídeo conta uma história. Bons cortes criam continuidade e coesão e mantêm o público envolvido com a história. Você decide quando fazer um corte duas vezes: uma vez quando você está gravando seu vídeo original e novamente na pós-produção quando você corta e edita seus clipes juntos.

Fazer boas tomadas e cortes é mais difícil do que parece! É especialmente difícil fazê-los bem sem um planejamento.

Como fazer um storyboard em 4 etapas fáceis

Siga estas etapas para criar seu primeiro storyboard.

1. Faça uma lista de planos. Pegue uma cena de seu roteiro e faça uma lista de planos. Como os ângulos de câmera específicos podem contar a história ou tornar um momento mais impactante? O que você pode revelar sobre seus personagens e a história através dos ângulos da câmera? Desenhe um esboço de sua lista de planos.
2. Faça um esboço. Esteja você trabalhando em um longa-metragem ou em um curta de animação, escolha uma das sequências mais complexas e analise uma visão da cena. Liste todos os planos que você prevê que serão necessários como matéria-prima e, a seguir, esboce-os nos quadrados de seu storyboard, como uma história em quadrinhos. Se você não é muito bom em desenhar, não há problema em usar formas básicas e figuras fixas em um pedaço de papel. Mas se você não está obtendo o efeito desejado, pode trabalhar com um artista de storyboard para fazer alterações ou mapear uma sequência proposta. 
3. Preencha com os detalhes. Seu storyboard deve conter os elementos mais importantes de cada cena. Mas, embora seja uma imagem estática, o resultado final será um vídeo ou animação em movimento que segue todo o enredo. Com isso em mente, certifique-se de indicar movimento em seu storyboard. Por exemplo, você pode indicar a direção em que uma pessoa está caminhando com setas. Você também deve incluir quaisquer adereços que estarão presentes no produto final, bem como os ângulos da câmera e o enquadramento de cada cena. Uma boa regra prática é incluir um esboço geral de todos os detalhes relevantes de cada plano, sem se aprofundar muito nos detalhes que distraem.
4. Adicione palavras. Depois de criar as imagens, pode ser útil adicionar palavras na parte inferior das imagens para dar mais contexto sobre o que está acontecendo. Este é um ótimo lugar no processo de storyboard para incluir qualquer coisa que não possa ser expressa em seus desenhos simples, como qualquer locução que você planeja incluir.

Quais são os melhores templates e programas de storyboard?

Se você tem algumas centenas de dólares sobrando, invista em um software de roteiro. Essas ferramentas cuidam da formatação do seu script para que você não tenha que mexer com margens, espaçamento, quebras de página e outros comandos desajeitados de processamento de texto. Esses programas também apresentam muitas outras ferramentas para ajudá-lo a como fazer um storyboard, listas de tomadas, agendas e orçamentos.

Abaixo estão os quatro principais programas de storyboard, do mais caro para o mais barato:

1. Final Draft
2. Movie Magic Screenwriter
3. Fade In
4. Celtx

2 programas alternativos e gratuitos para storyboarding

Se você preferir trabalhar com um programa de modelo de storyboard gratuito com os fundamentos de formatação básicos, considere estas opções.

• Se você já conhece bem o Photoshop, pode usá-lo para criar seu storyboard. Existem até vários modelos de storyboard gratuitos que você pode carregar direto para o Photoshop, tornando mais fácil e acessível a criação de seus próprios storyboards.
• O StudioBinder oferece soluções personalizadas para gerentes de produção, como detalhamentos de scripts, listas de tomadas, storyboards, cronogramas de filmagem, listas de contatos, gerenciamento de tarefas e calendários e muito mais. Disponível em vários níveis de assinatura diferentes, bem como para uma avaliação gratuita, o site também publica um blog útil cheio de dicas para a pré-produção.

Ao começar sua carreira no cinema, lembre-se de que um bom storyboard é parte integrante do processo criativo – aquele que o ajudará a traduzir com sucesso sua visão em uma obra de arte.

Confira também:  Continuidade no Filme: Principais fundamentos para manter a fluidez nas suas filmagens

Gostou do nosso texto sobre como fazer um storyboard? Deixe um comentário abaixo e não esqueça de compartilhar o post com seus amigos. 

Acompanhe outras dicas de audiovisual e cinema aqui no nosso site.

O post Como fazer um storyboard: Principais fundamentos apareceu primeiro em Luz, Câmera e ação! .

Quer você seja um aspirante a cineasta ou apenas queira ter uma ideia do processo de produção de um filme, aqui está uma análise muito básica do passo a passo para produzir um filme. Pense nisso como um guia para iniciantes no processo de filmagem (via New York Film Academy).

Passo a passo para produzir um filme

Etapa 1: a ideia

Cada filme que você já viu começou com uma ideia no cérebro de alguém. Embora as coisas mudem à medida que o projeto avança, a história que você inventar no início servirá como a base sobre a qual todo o resto será construído. Comece a pensar sobre o tipo de história que você deseja que seu filme conte e todos os elementos importantes da história envolvidos: enredo, personagens, conflito, etc.

Nossa dica: ideias surgem em nossas cabeças de forma inesperada! Certifique-se de sempre carregar seu telefone ou uma cadernetinha para anotar quaisquer ideias interessantes que aprimorem sua história.

Também é uma boa ideia criar uma pasta na qual você salva artigos de jornais e revistas, trechos de diálogos ouvidos, notas sobre personagens que você vê na rua e até mesmo sonhos. Você pode não saber o que fazer com essas coisas agora, mas chegará o dia em que o fará.

Etapa 2: O Roteiro

O roteiro é onde você colocará a história, o cenário e o diálogo de forma estruturada. Esta importante ferramenta será usada pelo resto da equipe para saber o que vai acontecer no filme. Você também usará seu próprio roteiro como referência ao longo do processo, já que pode precisar se atualizar em certas ações, linhas de diálogo e muito mais.

Nossa dica: não tenha medo de fazer alterações no roteiro, mesmo depois de achar que ele está pronto. Na maioria das vezes, ideias melhores virão a você bem depois desse estágio do processo de filmagem.

E não tenha medo de deixar seus atores improvisarem, seja no ensaio ou no set. Você pode se surpreender com o que seus atores são capazes de imaginar do ponto de vista de seus personagens. Isso é especialmente verdadeiro para cineastas que podem não ser muito bons para escrever diálogos.

Etapa 3: os storyboards

Um storyboard é uma sequência de desenhos que representam as tomadas que você planeja filmar. No passo a passo para produzir um filme, recomendamos altamente este processo porque ajuda a visualizar cada cena e decidir coisas como ângulos de câmera, tamanhos de tomadas, etc. Você descobrirá o verdadeiro valor do seu storyboard quando ele ajudar a comunicar o que você está tentando fazer para outras pessoas no set.

E para aqueles que pensam: “Não consigo desenhar”, fotografar seus storyboards pode ser uma solução rápida. Sua câmera do telefone funciona bem para isso. Basta levar alguns amigos até sua localização e dizer a eles: “Você está aqui, você está aí” e tirar fotos. Tire muitas fotos. De muitos pontos de vista diferentes. Em seguida, selecione aqueles de que você mais gosta e aí está o seu storyboard. Fazer isso tem a vantagem adicional de mostrar o que é realmente possível. Porque muitas vezes desenhamos storyboards e depois descobrimos, para nossa decepção, que teríamos que demolir mais uma parede para obter a perspectiva que imaginamos.

Etapa 4: o elenco e a equipe

Montar sua equipe pode ser emocionante, recomendamos que você gaste o tempo necessário para encontrar as pessoas certas para o seu filme. Para os membros da tripulação, certifique-se de considerar o trabalho e experiência anteriores deles e solicite o portfólio ou qualquer exemplo, se disponível. Você também deve fazer testes para encontrar os melhores atores e atrizes para seus papéis.

Nossa dica: não se sinta obrigado a incluir amigos e familiares em seu projeto. Este é o seu filme, o que significa escolher as melhores pessoas para o trabalho. Esperançosamente, seus conhecidos são profissionais o suficiente para aceitarem quando você não achar que eles são adequados para o seu projeto.

Etapa 5: As locações

Você pode precisar construir sets para um cenário que gostaria de ter. Mas para cenas em que um local real funcione, você precisará fazer algumas pesquisas para encontrar as melhores locações. Leve uma câmera com você e viaje o máximo possível, tirando fotos de lugares que você acha que servirão como o cenário perfeito para cenas específicas.

Nossa dica: Sempre considere o espaço necessário para o elenco e a equipe. Não escolha um espaço apertado e estreito, onde apenas os atores vão caber bem e não as câmeras, luzes, etc.

Etapa 6: a filmagem

Tudo culmina neste momento. Para se preparar, certifique-se de ter um roteiro de filmagem pronto, juntamente com uma programação organizada do que será filmado e quando. Dê a si mesmo bastante tempo para filmar cenas, para que você nunca se apresse e possa acomodar mudanças ou problemas. É comum que uma cena que dura um minuto no corte final exija mais de cinco horas para ser filmada.

Nossa dica: se o tempo permitir, tente filmar as mesmas cenas de novos ângulos. Dessa forma, você terá mais filmagens para trabalhar e manter seus espectadores envolvidos.

Etapa 7: a pós-produção

Se você achou que a filmagem demorava, é que você não viu a pós-produção. A pós-produção é quando você edita todas as suas filmagens para criar um corte preliminar do filme. Depois de terminar o corte bruto, você começará a adicionar coisas como efeitos sonoros, música, efeitos visuais e correção de cores. Este processo exigirá o uso de softwares de edição – se você não tiver confiança com esses programas, sinta-se à vontade para encontrar / contratar um editor experiente.

Nossa dica: antes de polir seu corte bruto, mostre-o para pessoas em cujas opiniões você pode confiar. É melhor que você descubra o que não está funcionando agora do que quando seu público estiver assistindo a versão final.

Confira também:  Introdução à edição de vídeo: Como construir significado em imagens

Gostou do nosso texto sobre o passo a passo para produzir um filme? Deixe um comentário abaixo e não esqueça de compartilhar o post com seus amigos. 

Acompanhe outras dicas de audiovisual e cinema aqui no nosso site.

O post Passo a passo para produzir um filme apareceu primeiro em Luz, Câmera e ação! .

Teoria de enquadramento: A regra dos terços

A regra dos terços, estabelecida pela primeira vez em 1797 pelo pintor inglês John Thomas Smith, recomenda que uma imagem seja dividida em três seções, tanto horizontal quanto verticalmente. A imagem deve então ser composta de forma que os elementos mais importantes da cena passem pelas linhas divisórias entre os terços. 

Isso pode incluir objetos ou personagens na cena e elementos de perspectiva fundamentais, como a linha do horizonte. A regra dos terços nunca deve ser tratada como uma lei, mas certamente serve como um ponto de partida útil para explorar a configuração de uma cena. A assimetria de elementos alinhados a essas linhas divisórias cria uma tensão e peso para a cena que não estaria presente se um item em destaque fosse simplesmente centralizado no quadro.

Uma boa regra prática é dar 2/3 do quadro ao assunto da foto e ⅓ a outros elementos significativos. Isso está de acordo com a famosa regra de Hitchcock de que “o tamanho de um objeto no quadro deve ser igual à sua importância na história naquele momento.” Então, em uma cena por cima do ombro, seria enquadrado ⅔ assunto, 1/3 do ombro. E para um close-up, será 2/3 do sujeito e 1/3 do espaço principal vazio. 

Isso não quer dizer que você nunca deve centralizar um objeto, às vezes é essencial para ilustrar a centralidade de comando de um personagem ou o símbolo em uma cena. Possivelmente, a aplicação mais comum da regra dos terços é no enquadramento de um plano médio ou aberto, em que o assunto principal é posicionado na linha divisória esquerda ou direita, neste caso a linha do olho é normalmente posicionada para cruzar com a linha horizontal superior.

Enquadramento por perspectiva

Em geral, as linhas diagonais são altamente desejáveis no enquadramento, pois indicam a perspectiva. já que tradicionalmente o cinema é uma forma de arte bidimensional, as linhas de perspectiva são importantes para adicionar profundidade às cenas.

Aqui em cima reformulamos a cena para incluir perspectiva e você consegue ver instantaneamente a transformação no apelo visual. Esse enquadramento também ajuda o público a construir seu mapa mental do ambiente.

Ao definir a perspectiva em um enquadramento, tente manter o ponto de fuga, o ponto no qual todas as linhas de perspectiva convergem para fora do quadro:

Isso cria um forte senso de que o set continua além das fronteiras do quadro da câmera. Feito da maneira certa, um estúdio ou mesmo um pequeno apartamento de um quarto pode ser montado para parecer um espaço muito maior.

Uma técnica da teoria de enquadramento menos conhecida, mas útil, é o método dos triângulos de ouro. Nesta técnica, a imagem é dividida em uma de suas diagonais, formando dois triângulos, em seguida, um dos triângulos é dividido novamente para formar dois triângulos retos com a linha comum conectando-se a um dos cantos restantes da imagem. O princípio fundamental é posicionar os elementos da cena aproximadamente das dimensões desses três triângulos:

Obviamente, essa técnica funciona melhor para cenas com fortes características diagonais. É raro que você tenha elementos diagonais que correspondam a cada um dos três triângulos, alinhar um assunto principal com um dos triângulos é suficiente para que a técnica funcione. O método dos triângulos de ouro é na verdade um exemplo do princípio muito mais amplo de linhas principais: Fortes linhas geométricas em um quadro que levam o olhar ao objeto pretendido.

É possível que um personagem menor do que os outros objetos enquadrados ainda chame a atenção do espectador, simplesmente porque as linhas principais no enquadramento direcionam o olhar em sua direção. As linhas principais podem ser linhas de perspectiva ou adereços com espaçamento uniforme. Não é incomum que os diretores organizem os atores com base na altura física para criar linhas principais.

Enquadramento e ângulo da câmera

A seguir, vamos dar uma olhada no ângulo e no posicionamento da própria câmera. A recomendação típica é posicionar a câmera no nível dos olhos ou ligeiramente abaixo em relação aos atores.

À medida que você se move de close-ups para planos mais amplos, é mais natural aproximar a câmera da altura da cintura.

Diferentes efeitos dramáticos são causados de acordo com o ângulo da câmera, filmar um objeto de cima para baixo diminuirá sua estatura. Ao filmar de baixo para cima, ele parecerá mais imponente e poderoso. É bom deixar claro que isso funciona em ajustes bastante sutis de ângulo, mudanças mais significativas de ângulo serão vistas pelo público como uma escolha criativa, em vez de um indicador do equilíbrio de poder entre os personagens.

As linhas de perspectiva novamente entram em jogo aqui, sem a perspectiva adequada nos fundos, o ângulo da câmera pode não ser tão óbvio para o público. Os objetos em primeiro plano também ajudam o público a avaliar o ângulo da câmera. Você pode mudar progressivamente a altura da câmera ao longo de uma cena para articular mudanças no equilíbrio de poder entre os personagens.

É muito comum lidar com personagens de alturas diferentes, em tais casos, filmar no nível dos olhos de um personagem irá enquadrar o outro de forma desajeitada, invés disso, tente dividir a diferença enquanto favorece ligeiramente o nível dos olhos do assunto principal.

Enganando no enquadramento

Se você tentar manter todas essas regras de teoria de enquadramento em mente, você terá um problema significativo imediatamente ao parar de organizar todos os ângulos da câmera. E esse problema é o seguinte: o design de cena definido que funciona para um ângulo parecerá desequilibrado para outro. A solução? Engane. Como cada movimento de câmera normalmente é filmado como uma tomada separada, com exceção de uma filmagem com várias câmeras, você pode alterar o design de um cenário de maneiras sutis sem quebrar a continuidade. Talvez você mova a mesa de centro para mais perto de um ator do que estava em um ângulo anterior, ou vire o ator um pouco para que seu perfil funcione melhor em uma tomada por cima do ombro.

Freqüentemente, trapacear é necessário para colocar certos elementos da cena em destaque. A menos que você diga que tem paredes removíveis, pode ser necessário reposicionar os itens de primeiro plano para que eles ainda apareçam no quadro das câmeras quando elas forem colocadas contra uma das paredes do cenário .

Nesta cena acima, precisávamos cortar para o reverso, mas o espaço apertado entre a câmera e a parede torna o enquadramento do primeiro plano estranho. Para resolver o problema, ajustamos o posicionamento da mesa e do ator para uma aparência mais natural. Preste atenção à continuidade espacial, mas não deixe que ela domine a criatividade de sua composição.

Direcionando a atenção com profundidade de campo

Como já vimos, o objeto principal de um enquadramento pode ser ressaltado por linhas principais, mas as propriedades ópticas de uma lente fornecem outros meios de se fazer isso. Quando a abertura da lente está totalmente aberta, apenas uma pequena parte da cena estará em foco. Essa parte da cena que permanece em foco é chamada de profundidade de campo.

É claro para o público que o que está em foco é o que importa. Em uma cena de duas pessoas ou sobre o ombro, podemos mover o centro do foco para direcionar o público para onde quisermos que ele se envolva.

Nessa cena acima, por exemplo, nossa atenção é desviada para o personagem que está em pé falando. 

Para criar um efeito de profundidade de campo forte, você pode precisar reduzir a iluminação geral em sua cena, pois abrir a abertura da lente para criar o efeito aumentará a exposição da foto. Como alternativa, adicionar um filtro de densidade neutra na frente da lente interromperá a iluminação sem a necessidade de ajustar as luzes individuais.

Confira também: Cor na cinematografia: Como usar cores nos filmes

Gostou das nossas dicas de teoria de enquadramento? Deixe um comentário abaixo sobre o texto e não esqueça de compartilhar o post com seus amigos. 

Acompanhe outras dicas de audiovisual e cinema aqui no nosso site. 

O post Teoria de Enquadramento: Princípios fundamentais para a filmagem apareceu primeiro em Luz, Câmera e ação! .

Primeiro vamos olhar para o método clássico de cobertura da master scene e, em seguida, discutiremos porque ela não funciona para grande parte do cinema moderno (via moviola.com).

Cenas de cobertura utilizando o método master scene 

Provavelmente, o método mais tradicional de cobertura é chamado de método de master scene. Neste método você começa filmando um plano aberto de toda a cena. Normalmente a cena inteira é filmada com o plano aberto. Se você tiver o luxo de poder filmar com duas câmeras, você conseguirá filmar o master ao mesmo tempo que filma outros ângulos, mas isso pode causar problemas com as configurações de iluminação personalizadas para os close-ups. Depois de filmar o master shot, você procede sistematicamente para dividir a filmagem para incluir todos os outros ângulos que serão necessários para a edição final.

Filmar em master às vezes é considerado um pouco antiquado. Hoje em dia, os editores preferem controlar o que o público vê no início de uma cena e só revelar mais conforme necessário, o que mantém o público focado na intenção de descobrir o que está sendo escondido. No entanto, filmar em master ainda é uma boa prática de trabalho, mesmo que seja apenas para dar ao editor uma referência quanto ao design real da cena.

Cobertura em diálogo

Então, quais ângulos são necessários para criar imagens de cobertura suficientes? Vamos começar falando de um diálogo simples. Para o diálogo básico, existem quatro posições essenciais da câmera: um par de close-ups e um par de filmagens sobre o ombro:

Esses quatro ângulos facilitam o corte entre o diálogo dos dois personagens, enquanto fornecem variação suficiente para evitar que a cena pareça muito estática. Mas se suas cenas de diálogo forem extremamente breves, você pode filmar apenas duas dessas posições, talvez por cima do ombro para um dos personagens e um close-up para o outro. Lembre-se de que quanto mais ângulos você filma, mais opções você dá ao editor.

Para cenas mais longas, você descobrirá que essas quatro posições de câmera não serão suficientes. Cortar constantemente entre apenas quatro ângulos vai começar a cansar o público e matar a energia da cena. Para remediar isso, inclua alguns planos mais abertos adicionais, insira inserts de detalhes relevantes da cena e possivelmente até mesmo alguns close-ups extremos para momentos altamente expressivos dos atores.

Filmar com Steadicam na mão normalmente adiciona um pouco mais de energia cinética a uma cena do que simplesmente colocar a câmera em um tripé. E lembre-se de que você pode variar o ângulo e a posição das câmeras ao longo de uma cena para indicar mudanças de poder e mudanças na dinâmica entre os personagens.

Filmando a cobertura

A ordem das filmagens depende de você, mas, a menos que haja um problema, tente filmar a cena inteira em cada ângulo. Se você tiver mais de uma câmera, poderá filmar um close-up e um plano por cima do ombro na mesma tomada. Mas geralmente é mais fácil filmar cada plano separadamente, permitindo que você se concentre na captura do melhor desempenho para aquele ângulo, além de prestar atenção aos problemas de continuidade.

É importante manter todas as posições de câmeras em um só lado dos atores, isso está dentro de uma das regras fundamentais de cobertura geralmente conhecida como regra dos 180 graus:

A regra dos 180 graus fala que a sua cobertura precisará respeitar a linha de interesse formada entre dois personagens em diálogo. Em outras palavras, todas as câmeras devem ser posicionadas de forma que, independentemente da cena, um personagem sempre apareça à esquerda da tela e outro à direita da tela.

Economizando cobertura

Seria ótimo se pudéssemos filmar cenas de cobertura em todos os ângulos imagináveis e deixar o editor se afogando em material útil. Mas mesmo que o relógio não seja um problema para você, com os aluguéis de equipamentos e estúdio, em algum ponto, seus atores começarão a entrar em colapso sob os efeitos desidratantes de sua iluminação. Portanto, uma parte muito prosaica da magia do cinema é fazer concessões para obter o máximo de cobertura com um número mínimo de filmagens.

Aqui em cima temos uma economia óbvia para um plano por cima do ombro, em vez de criar planos exclusivos por cima do ombro para os personagens B e C, filmamos um único plano por cima do ombro enquadrando os dois personagens. Agrupar personagens é uma maneira útil de reduzir o número de ângulos necessários para a cena, ao mesmo tempo que comunica alianças através da imagem. Neste primeiro enquadramento mostrado aqui em cima, o rapaz e a moça sentados na sala são vistos como uma unidade combinada, talvez marido e mulher, namorado e namorada ou colegas de quarto. Mas aqui embaixo os dois homens são vistos como potencialmente aliados, enquanto a menina está separada deles:

Possivelmente nesta cena há uma divisão de gênero na maneira como a situação está sendo vista pelos dois conjuntos de personagens. O enquadramento pode não ser ideal, mas serve bem para comunicar quais personagens são aliados e para cobrir as reações de ambos os homens ao que a garota possa estar dizendo.

Cobertura Adicional

Depois de cuidar de sua cobertura primária, ainda há alguns problemas a serem enfrentados. Primeiro são as entradas e saídas. Assistir ao processo de alguém entrando em uma cena pode ser um pouco tedioso, mas a história precisa ser contada, caso contrário, o surgimento repentino de um novo personagem em uma cena não fará sentido. Então, grave uma boa cobertura de qualquer entrada ou saída de personagens que aconteça durante o curso dos eventos em uma cena, incluindo close-ups de mãos e maçanetas, planos médios e abertos da entrada ou saída  e filmagens da reação dos outros personagens. 

Você pode nem usar nenhuma dessas filmagens na edição, um editor pode simplesmente referir-se ao fechamento da porta fora do quadro com um efeito sonoro, mas é importante ter as filmagens disponíveis se necessário. Outras tomadas que valem a pena incluir na cobertura são tomadas de inserts de quaisquer objetos importantes na cena, e algumas tomadas de reação geral dos vários personagens para fornecer uma paleta emocional adicional para o editor.

Conclusão

Vamos revisar:

1. Use o método de master scene para garantir que você tenha ângulos de câmera ou planos suficientes para cobrir todos os requisitos de edição que possam surgir, independentemente se você realmente planeja usar a master scene em suas edições ou não.
2. Para diálogos simples, faça pelo menos um par de close-ups e um par de planos por cima do ombro. Filme ângulos adicionais para cenas mais longas e possivelmente menos para cenas extremamente curtas.
3. Obedeça a regra dos 180 graus em todos os momentos ao planejar a cobertura, mantendo todas as câmeras em um lado da linha formada entre um par de atores no diálogo.
4. Economize cobertura agrupando personagens onde desejado. Enquadre vários personagens juntos em uma única cena para indicar lealdade.
5. E certifique-se de cobrir todas as entradas ou saídas de cena, bem como inserts adicionais e filmagens das reações, independentemente se você planeja usá-las ou não.

Confira também: Planos de Filmagem: Os principais tipos de planos

Gostou das nossas dicas de cenas de cobertura? Deixe um comentário abaixo sobre o texto e não esqueça de compartilhar o post com seus amigos. 

Acompanhe outras dicas de audiovisual e cinema aqui no nosso site. 

O post Cenas de cobertura: O que é necessário para a edição? apareceu primeiro em Luz, Câmera e ação! .

As filmagens de filmes e séries de TV podem ser caóticas. A grande quantidade de detalhes – desde as configurações da câmera até os adereços – que entram na filmagem de cada cena individual pode ser difícil de acompanhar e isso pode causar problemas com um aspecto importante da narrativa chamado continuidade. Erros de continuidade são um dos erros mais comuns em filmes, e podem ocorrer em qualquer produto audiovisual, desde séries de TV independentes de pequeno orçamento a filmes de alta produção de Hollywood (via Masterclass).

O que é continuidade no filme?

Continuidade é o princípio de garantir que todos os detalhes em um filme ou série de TV sejam consistentes de cena a cena. Se uma cena mantém os padrões de continuidade, ela parece fluir perfeitamente da cena anterior, reforçando uma sensação de realismo na história. Na realidade, porém, cada cena pode ter sido filmada em um momento diferente e em uma ordem completamente diferente. Por exemplo, se no início de uma cena um ator pega um copo com a mão direita, a continuidade determina que ele deve segurar aquele copo com a mão direita durante toda a cena.

Problemas de continuidade ocorrem com mais frequência em cenas de ambientação (geralmente chamados de “planos principais” ou “planos gerais”) e planos médios ou close-ups. Os planos de ambientação são uma visão ampla da cena e podem incluir muitos adereços e móveis, enquanto os planos médios e close-ups focam apenas no ator sem muito background. Durante as filmagens, as equipes de set freqüentemente movem todos os adereços e móveis para dentro e para fora da cena para vários tipos de planos. Esse vaivém facilita os erros de continuidade visual surgirem.

Como identificar erros de continuidade em filmes

Existem várias categorias de continuidade em longas-metragens e séries de TV que os cineastas devem estar cientes durante a produção e pós-produção do filme:

• Continuidade de adereços e figurinos. Inconsistências de adereços e figurinos são os erros de continuidade mais comuns no cinema e na TV. Exemplos de erros entre tomadas incluem canecas de cores diferentes sendo usadas entre as cenas ou diferentes números de botões sendo abotoados no casaco de um ator.
• Continuidade de atuação. Os cineastas costumam gravar vários planos da mesma cena para dar aos editores o máximo de opções possível durante a pós-produção – e com tantos planos, os atores podem acabar fazendo as coisas de forma ligeiramente diferente a cada vez, introduzindo pequenos erros de continuidade. Exemplos de erros na continuidade da atuação incluem atores usando uma mão diferente ao pegar um objeto ou olhando em uma direção ligeiramente diferente em cada plano, criando um ponto de vista flutuante.
• Continuidade de tempo. Quando as programações de filmagem exigem que as cenas sejam filmadas com horas de diferença uma da outra, ou até dias ou meses de intervalo, pode haver variações de continuidade espacial entre as tomadas que podem ser difíceis de planejar. Exemplos de erros na continuidade do tempo incluem mudanças significativas no clima ou na estação, ou diferentes comprimentos de sombras entre as cenas.
• Continuidade de plot. Talvez os erros de consistência mais significativos sejam erros na continuidade de plot. Frequentemente chamados de “buracos na trama”, esses erros não têm a ver com continuidade visual, mas sim com inconsistências conceituais que podem ocorrer quando um roteiro não foi escrito com cuidado, quando um roteiro passou por revisões significativas ou quando os atores improvisam durante as cenas. Por exemplo, se um personagem diz que é filho único e depois conta uma história sobre um irmão, isso seria um problema de continuidade do plot.
• Continuidade de câmera e áudio. Ao longo de um filme ou episódio de TV, as configurações de imagem e os níveis de áudio devem ser consistentes, o que significa que os cineastas precisam ter um cuidado especial para garantir que estejam usando o mesmo equipamento e as configurações corretas para cada plano em uma cena. Caso contrário, pode haver variações perturbadoras em coisas como níveis de luz, nitidez da imagem ou volume.

Por que é importante manter a continuidade?

A continuidade no filme é vital para uma boa narrativa porque ajuda a manter os espectadores imersos na história. Os cineastas querem que o público possa prestar atenção à ação e ao diálogo durante sua história como se estivesse acontecendo no mundo real, e quando cada detalhe de um cenário é consistente em toda a cena, o público pode prestar atenção total.

No entanto, se pequenos detalhes forem inconsistentes ou se houver lacunas no enredo na história, os espectadores se distrairão e não conseguirão se concentrar na narrativa; eles vão passar mais tempo pensando sobre os níveis de água flutuantes no copo de um personagem e menos tempo ouvindo o diálogo ou se preocupando com a história. É por isso que manter a continuidade é crucial – porque ela mantém o público envolvido.

4 dicas para manter a continuidade durante a filmagem

Com tantos dias de filmagem e tantos detalhes em cada cena, pode ser extremamente difícil manter a continuidade em um set. Aqui estão algumas dicas:

1. Tirar fotos. A melhor maneira de garantir que até mesmo os menores detalhes de uma sessão de filmagens permaneçam consistentes é tirando fotos. As fotos ajudam a rastrear detalhes que você não pensaria em notar de outra forma e tornam significativamente mais fácil configurar os adereços da mesma forma entre as tomadas. Essas fotos não precisam ser tiradas com uma câmera DSLR – os cineastas usam câmeras digitais simples ou até mesmo polaroids para manter o controle da continuidade.
2. Mantenha relatórios detalhados de continuidade. Os relatórios de continuidade são registros detalhados de cada dia de filmagem, incluindo configurações da câmera, direção da tela, clima, adereços e quaisquer possíveis desvios do roteiro. Os relatórios de continuidade são uma ótima maneira de garantir que tudo – até a qualidade do som – seja consistente de uma tomada a outra.
3. Mantenha seus dias de filmagem próximos um do outro. Quanto mais tempo passa entre as filmagens, mais espaço há para os cineastas esquecerem os detalhes de cada cena – ou pior, maior a possibilidade de que os locais de filmagem passem por mudanças significativas, como a transição do verão para o outono. Sempre que possível, um curto período de tempo entre as filmagens pode ajudar a garantir que os membros da equipe se lembrem dos detalhes de cada cena e podem minimizar a possibilidade de mudanças climáticas ou outras variações de localização.
4. Contrate um supervisor de roteiro. A continuidade é uma grande responsabilidade no set, e com tantos outros trabalhos que precisam ser feitos, manter a continuidade pode rapidamente se tornar opressor para os membros da equipe com outros trabalhos. É por isso que a maioria das equipes de cinema e TV incluem um supervisor de roteiro, cuja única responsabilidade é garantir a continuidade entre tomadas e cenas.

Confira também:  Iluminação de 3 pontos: Como configurar sua luz principal, luz de preenchimento e contraluz

Gostou das nossas dicas para manter a continuidade no filme? Deixe um comentário abaixo sobre o texto e não esqueça de compartilhar o post com seus amigos. 

Acompanhe outras dicas de audiovisual e cinema aqui no nosso site. 

O post Continuidade no Filme: Principais fundamentos para manter a fluidez nas suas filmagens apareceu primeiro em Luz, Câmera e ação! .

Qualidades básicas da luz: Iluminação Natural vs. Artificial

A primeira grande distinção na iluminação é entre a iluminação natural e a iluminação artificial. Iluminação natural é um termo amplo usado para descrever a luz cuja fonte aparece no quadro, em outras palavras, fontes que são visíveis para o público. Isso contrasta com a iluminação artificial, cuja fonte está além do enquadramento. Ela cria a ilusão de fontes de luz fora do campo de visão da câmera.

Aqui em cima vemos uma fonte de luz artificial através da janela que sugere um exterior de luz do dia, embora o cenário seja um estúdio interno.

Na verdade, muitas vezes a iluminação natural é reforçada pela iluminação artificial.

Este abajur acima não fornece iluminação suficiente por si só, então adicionamos um holofote artificial acima dele para criar uma maior força e sensação de calor à luz.

Qualidades da Luz – Ângulo de Lançamento

Agora, vamos falar sobre outra das qualidades básicas da luz, o ângulo de lançamento. A direção de onde vem a luz é extremamente significativa e pode afetar a percepção do público sobre o clima e o local. Vamos dar uma olhada em alguns exemplos:

1. Luz solar diretamente acima da pessoa:

Significa meio-dia um horário associado a confrontos climáticos.

2. Luz solar em um ângulo baixo:

Significa o crepúsculo e pode trazer consigo todas as emoções associadas ao final de um segmento de uma narrativa.

Nos atores, a direção da luz pode influenciar sua aparência. 

3. Se a luz for direcionada diretamente para o rosto dos atores, seus detalhes parecerão sem expressão e desfavoráveis:

4. A luz por cima tende a enfatizar as rugas de uma forma nada lisonjeira:

O topo da cabeça e o nariz são iluminados e os olhos são escuros, o efeito geral é envelhecer o ator. Também pode inferir uma sensação de mistério, uma vez que os olhos estão escondidos nas sombras.

5. Luzes de ângulo baixo iluminando para cima produzem um efeito estranho usado com frequência em terror e suspense:

Os detalhes do rosto são enfatizados com sombras por cima.

Qualidades da luz – cores e seus significados

Outra qualidade da iluminação é a cor, esta é sem dúvida a qualidade de luz mais importante para a comunicação com o público. Fontes de luz diferentes, na verdade, produzem luz de cores diferentes devido à temperatura de cor.

Uma situação comum que pode ocorrer em uma sessão de filmagem é uma mistura de iluminação natural e iluminação de estúdio:

Por exemplo, uma sala pode ser configurada e iluminada com luzes típicas de estúdio de tungstênio, mas também pode haver luz do sol entrando em uma janela. Se você balancear o branco nas câmeras para a iluminação do estúdio, a luz do sol que entra pela janela aparecerá forte e azul. Se as câmeras forem balanceadas com a luz do sol, a iluminação do estúdio produzirá um tom laranja amarelado em tudo o que iluminar. Existem algumas soluções para quando isso acontece:

• Você pode pode bloquear a luz do dia fechando as cortinas ou persianas.
• Coloque uma gelatina azul ou filtro sobre as luzes do estúdio para mudar sua cor para combinar com a luz do dia da janela.
• Ou cubra a janela do lado de fora com um gel ou filtro laranja para combinar com a luz da artificial.

Com o desenvolvimento do cinema, certas convenções surgiram no que diz respeito ao significado das cores, a iluminação quente laranja e vermelha pode significar segurança e proteção, a iluminação fria e azulada pode sugerir o oposto –  “perigo”.

A cor azul também serve a outro propósito importante na convenção cinematográfica: cenas noturnas. A noite é, por definição, um período de escuridão, uma representação exata da noite na tela impediria o público de ver a ação. Em vez disso, os cineastas precisam iluminar mais as cenas noturnas para torná-las inteligíveis para o público, tingir a luz de azul tende a suavizar a intensidade da iluminação e transmitir ao público que a cena está realmente ocorrendo durante a noite.

As convenções das cores são muito vagas e seus significados podem variar de cultura para cultura e até mesmo entre os gêneros de filme. O importante não é memorizar um léxico de combinações de cores, mas pensar sobre o que a cor da sua cena pode significar para o seu público. E se a sua filmagem não estiver funcionando, considere o que mudando na cor na produção ou na pós pode te ajudar.

O Processo de Design da Iluminação

Agora que sabemos suas qualidades, vamos partir para o processo real de configurar a iluminação de uma cena. Primeiro determinamos se estamos filmando em tons altos ou baixos. Se for uma história alegre, podemos escolher a tonalidade alta, caso em que começaremos temperando o conjunto com muitas fontes de luz suave de ampla distribuição. Se for um drama sombrio, podemos fornecer iluminação de preenchimento mínima e luzes de destaque extremas e cuidadosamente anguladas.

Em seguida, é importante lidar com quaisquer fontes de luz existentes. Em um estúdio profissional você tem controle total sobre o que ilumina o cenário. Em uma locação, o Sol ou outras fontes de luz, como a iluminação da rua ou a luz das janelas, devem ser levadas em consideração. Conforme mencionado na seção sobre a cor da luz, você precisará trabalhar para equilibrar a temperatura da cor, o uso de um medidor de luz para medir a temperatura da cor de suas fontes de luz ajudará muito a atingir esse equilíbrio.

Em tudo isso, é importante levar em consideração a exposição correta, para obter a profundidade de campo apropriada você pode precisar ajustar a intensidade da iluminação. Para close-ups íntimos, você deseja um forte efeito de profundidade de campo, o que requer uma ampla abertura da câmera e, conseqüentemente, redução do brilho da iluminação para evitar a superexposição da foto. Por fim, use luzes artificiais para realçar fontes naturais e para preencher quaisquer seções irregulares do quadro.

Não espere criar uma única solução de iluminação para cada ângulo de câmera. Para close-ups, é comum trazer refletores para preencher as áreas de sombra severas. Apenas certifique-se de prestar atenção à continuidade, se a iluminação mudar radicalmente de um plano para o próximo, pode ser confuso ou chocante quando os dois planos são colocados juntos durante a edição.

Conclusão

Ok, então vamos revisar o que falamos. A iluminação pode ser dividida em natural e artificial. As qualidades primárias de uma fonte de luz são ângulo de projeção e cor.

A primeira qualidade da luz é o ângulo de projeção, que se refere à direção de uma luz e pode transmitir um significado para o público. A iluminação de ângulo mais alto produz uma imagem fundamentalmente diferente da iluminação de ângulo direto ou baixo.

Outra qualidade da iluminação é a cor, enquanto o significado de cores específicas pode variar com o contexto, algumas cores se tornaram padronizadas na linguagem do cinema, como o uso da cor azul para representar a noite.

Observamos também os contrastes de iluminação. Configurações de alta intensidade produzem filmagens com iluminação uniforme com sombras suaves, e configurações de iluminação de baixa intensidade produzem algumas áreas contrastantes de iluminação forte e sombras.

Confira também:  Fazer cinema com celular: Dicas para tornar as filmagens do seu smartphone mais cinematográficas

Deixe um comentário abaixo sobre o nosso texto de qualidades básicas da luz e não esqueça de compartilhar o post com seus amigos. 

Acompanhe outras dicas de audiovisual e cinema aqui no nosso site. 

O post Introdução a luz e iluminação: Qualidades básicas da luz apareceu primeiro em Luz, Câmera e ação! .

Como a cor na cinematografia pode contar uma história?

O principal motivo para usar cores em filmes é óbvio: tornar as imagens coloridas, dinâmicas e bonitas. Mas há uma razão secundária que é facilitar a narrativa visual. É isso mesmo, os melhores usos da cor no filme também contam uma história.

A cor na cinematografia é uma grande parte da mise-en-scéne, ou o efeito geral de tudo o que vemos no quadro. A cor pode nos afetar emocionalmente, psicologicamente e até fisicamente, muitas vezes sem que percebamos.

A cor no filme pode criar harmonia ou tensão em uma cena. Ela pode também ajudar a chamar a atenção para um tema-chave. E isso é apenas o começo.

Quando contamos uma história, as cores podem:

• Suscitar reações psicológicas
• Trazer foco a detalhes importantes
• Definir o tom do filme
• Representar peculiaridades de personagens
• Mostrar mudanças no arco da história.

Sabemos que a cor no cinema pode ser usada para contar histórias, mas como? O que as cores individuais representam ou sugerem? E como eles podem ser combinados para comunicar um significado em várias camadas? Vamos continuar dando uma rápida olhada na psicologia por trás da teoria das cores do cinema.

A psicologia das cores nos filmes

Uma paleta de cores de filme bem projetada evoca o clima e dá o tom para o filme. Ao escolher uma cor específica, lembre-se de que existem três componentes principais – matiz, saturação e brilho.

• Matiz: A própria cor
• Saturação: A intensidade da cor
• Brilho: A escuridão ou claridade de uma cor.

Como Lewis Bond menciona em seu vídeo sobre a teoria das cores do filme, muitos espectadores terão reações previsivelmente semelhantes a certas cores. Foi comprovado que uma forte cor vermelha aumenta a pressão arterial, enquanto uma cor azul provoca um efeito calmante.

Em um dos melhores filmes de M. Night Shyamalan, O Sexto Sentido, a cor vermelha é usada para representar o medo, o pavor e o prenúncio; enquanto, em Pleasantville, Gary Ross usa vermelho para representar esperança, amor e sensualidade. O vermelho cria uma experiência no espectador, portanto, escolha sua presença na paleta de cores do filme com cuidado.

Já ficou claro como escolher as cores certas pode criar emoções que seu público nem perceba. Para mostrar o que queremos dizer, reunimos abaixo as cores principais do círculo cromático com suas associações emocionais mais comuns. Ao considerar a cor em seu próximo projeto, pode ser útil começar com a ressonância emocional da cena e basear a paleta de cores do filme em torno disso.

A psicologia das cores no filme: As cores e as emoções

As normas da teoria da cor devem ser entendidas pelos cineastas, mas nunca vistas como uma limitação. Portanto, escolha suas paletas de cores com sabedoria! Como todas as outras partes do cinema, você deve pensar sobre o uso de cores no filme desde o início.

Ao fazer isso, certifique-se de manter a paleta de cores do filme em mente. Vamos ver abaixo esquemas de cores, exemplos de paletas de cores em filmes e todas as maneiras bonitas e significativas de usar as cores na produção de filmes.

Exemplos de paletas de cores de filmes

Criar um esquema de cores equilibrado pode ser mais complicado do que se pensava inicialmente. Você não pode simplesmente ter todas as imagens vermelhas em sua lista de cenas.

Embora não pareça necessariamente “equilibrado” ter um filme em que tudo é azul e laranja, essas cores são complementares o círculo cromático. Então, isso seria sim de fato um uso muito equilibrado de cores em filmes.

Vejamos os tipos de esquemas de cores que você pode usar para criar uma paleta de cores equilibrada para o filme.

Paletas de cores monocromáticas

Vamos começar com o esquema de cores monocromático.

Um esquema de cores monocromático é quando um único “matiz” de base é estendido usando sombras e tons. As tonalidades são obtidas adicionando brancos, e as sombras adicionando preto.

Como você pode ver nesta imagem de um dos melhores filmes de Wes Anderson, O Grande Hotel Budapeste, sua equipe utilizou uma paleta de cores monocromática. O rosa claro dá lugar a roxos mais profundos. O resultado mantém o tom de cor escolhido intacto, mas permite que você crie contraste dentro dele.

As paletas de cores monocromática é formada por tons de uma única cor, como vermelho, vermelho escuro e rosa. Ela cria uma sensação profundamente harmoniosa que é suave, aconchegante e calmante.

Um dos melhores filmes de ação, Matrix é outro bom exemplo de paleta de cores monocromática de filme. Quase todas as cenas no Matrix utilizam uma paleta de cores verdes. Tons de verde permeiam tudo no quadro para criar um efeito anti natural e doentio.

As paletas de cores monocromáticas não exigem que seu filme seja homogêneo em sua aparência. Ele apenas fornece um matiz de cor para criar contraste.

Paletas de cores complementares

Paletas de cores complementares ocorrem quando duas cores de lados opostos do círculo monocromático são usadas em conjunto uma com a outra para formar as paletas de cores.

O objetivo das paletas de cores complementares é criar uma ‘vida’ visual no quadro. Vermelho e verde, no caso de O Fabuloso Destino de Amélie Poulain, ambos se destacam mais na presença de sua cor complementar.

Drama contrastante (ou seja, quente vs. frio), cores complementares vivem opostas uma à outra no círculo cromático. Por exemplo, laranja e azul são cores complementares comumente usadas nas paletas de cores de muitos filmes de sucesso.

Duelo de cores geralmente está associado a conflitos internos ou externos. Não importa a seleção de cores, as cores complementares combinam cores quentes e frias para produzir uma tensão vibrante e de alto contraste no filme.

Paletas de cores análogas

Paletas de cores análogas utilizam cores que estão próximas umas das outras no círculo cromático. Elas tendem a ocorrer na natureza e criar uma sensação harmoniosa que é agradável aos olhos.

Bons exemplos de cores vizinhas que podem criar paletas de cores análogas são vermelho e violeta ou amarelo e verde limão. Como as cores não têm o contraste e a tensão das cores complementares, elas criam uma espécie de unidade visual.

Em geral, ao criar uma paletas de cores análoga, uma cor é escolhida para dominar, uma segunda para apoiar e uma terceira (junto com tons de preto, branco e cinza) para acentuar.

A paleta de cores análoga do filme Filhos da Esperança parecia combinar com o estado perigoso de seu mundo em que nenhuma criança estava nascendo. Ao focar em cores análogas (e assim eliminar o resto), a terrível situação é combinada com um terrível esquema de cores.

Em um dos melhores filmes de crime, Traffic, as paletas de cores são usadas de várias maneiras – para estabelecer cada história paralela e conectá-los umas às outras. Essencialmente, essas paletas de cores análogas acabam criando um tipo diferente de esquema de cores complementar.

Por exemplo, as cenas com Michael Douglas usam uma paleta de cores análoga aos azuis. As cenas com Benicio Del Toro usam uma paleta de cores análoga de laranja.

Sendo um dos melhores filmes de Steven Soderbergh, é muito engenhoso dar a diferentes linhas da história seus próprios esquemas de cores. Este, por sua vez, usa a justaposição para criar um esquema de cores completamente diferente. Sem dúvida, esse plano mestre foi auxiliado por um complexo moodboard e processo de storyboard, resultando em um excelente exemplo de cor na cinematografia.

Paletas de cores triádicas

Uma paleta de cores triádica ocorre quando três cores uniformemente espaçadas em torno do círculo cromático são usadas em conjunto.

Uma cor na paleta de cores triádica é escolhida para ser a dominante, com as outras duas sendo usadas de forma complementar. Os esquemas de cores triádicos são um pouco menos comuns porque podem parecer um pouco de desenho animado, como no Superman.

Mas isso significa que uma paleta de cores triádica só pode ser usada em filmes como Superman? Não, claro que não, e a maneira de contornar isso é deixar as cores com menos brilho e menos saturação.

Confira também:  Gêneros audiovisuais: Principais elementos da comédia

Deixe um comentário abaixo sobre o texto e não esqueça de compartilhar o post com seus amigos. 

Acompanhe outras dicas de audiovisual e cinema aqui no nosso site

O post Cor na cinematografia: Como usar cores nos filmes apareceu primeiro em Luz, Câmera e ação! .

Abaixo descrevemos todos os principais planos de filmagens e ângulos que você precisa saber para o seu próximo filme. Também incluímos exemplos de fotos de filmes famosos para ajudar a solidificar os conceitos discutidos (via StudioBinder).

Os diferentes tipos de planos de filmagem

O que é um plano de filmagem?

Um plano de filmagem é composto por uma série de quadros que são filmados ininterruptamente desde o momento em que a câmera começa a filmar até parar. Os planos de filmagem são um aspecto essencial da realização de filmes e produções de vídeo, porque ao combinar diferentes tipos de planos ângulos e movimentos de câmera, os cineastas são capazes de enfatizar emoções, ideias e movimentos específicos de cada cena.

Tipos de planos de filmagem

• Plano Geral
• Plano de Conjunto
• Plano Médio
• Plano Americano
• Meio Primeiro Plano
• Primeiro Plano
• Primeiríssimo Plano
• Plano Detalhe

1. Plano Geral ou Plano Aberto

Um plano geral (aberto) faz com que a pessoa pareça pequena em comparação com o seu cenário. Você pode usar um plano geral para fazer com que a pessoa pareça distante ou desconhecida.

Dê uma olhada neste plano geral de Mad Max: Estrada da Fúria:

Ele também pode dar a sensação que a pessoa está sendo engolida pelo cenário. De todas os vários planos de câmera disponíveis, considere usar o plano geral quando precisar enfatizar o local ou o isolamento.

2. Plano de Conjunto ou Geralzinho

O plano de conjunto é a mesma ideia do plano geral, mas um pouco mais próximo do objeto de filmagem. Se o objeto for uma pessoa, todo o corpo dele estará à vista – mas não preencherá a tela.

Em outras palavras, deve haver bastante espaço acima e abaixo da pessoa. Use um plano de conjunto (ou geralzinho) para manter o objeto de filmagem à vista em ambientes grandiosos.

O plano de conjunto também nos permite ver as belas imagens de fundo, o que tornará qualquer grande momento mais cinematográfico.

Dos muitos planos de filmagem um plano conjunto nos dá uma ideia melhor do cenário da cena e nos dá uma idéia melhor de como o personagem se encaixa na área.

3. Plano Médio

Agora vamos falar sobre os planos de filmagem que permitem que o objeto de filmagem preencha o quadro enquanto mantém a ênfase no cenário.

Este plano médio de Django Livre também é um Travelling – o que significa que há movimento da câmera ao longo do plano. Nesse caso particular, a câmera se move lentamente em direção a Django. Então, tecnicamente, essa cena começa em um plano geral e move-se para um plano conjunto (visto anteriormente) e, eventualmente, termina em um plano médio.

De todos os diferentes tipos de planos de filmagem, os planos médios podem ser usados para apresentar vários personagens em um único plano, como este exemplo de Guardiões da Galáxia da Marvel:

4. Plano Americano

Um plano americano enquadra a pessoa aproximadamente dos joelhos para cima. Ele fica entre um plano médio e um meio primeiro plano. Aqui está um exemplo do plano americano:

Você sempre pode enquadrar os planos de qualquer ângulo também, então não tenha medo de usar planos americanos por trás de um personagem por exemplo.

5. Meio Primeiro Plano

Vamos passar para os planos de filmagem que mostram o objeto de filmagem com mais detalhes.

O meio primeiro plano é uma dos planos de câmera mais comuns. É semelhante ao plano americano acima, mas enquadra aproximadamente da cintura para cima e através do torso. Portanto, ele enfatiza mais a pessoa, mantendo os arredores visíveis. Aqui está um exemplo do meio primeiro plano:

O meio primeiro plano é um dos planos de filmagem mais comuns, mas cada plano que você escolher terá um efeito no espectador. Um meio primeiro plano geralmente pode ser usado como um plano intermediário para cenas de diálogo que têm um momento importante depois que será mostrado em um primeiríssimo plano.

6. Primeiro Plano ou Close-Up

O close-up enquadra a pessoa aproximadamente do peito para cima. Portanto, normalmente favorece o rosto, mas ainda mantém a pessoa um pouco distante.

Aqui está um exemplo de close-up:

O close-up mantém os personagens estranhamente distantes, mesmo durante a conversa cara a cara.

7. Primeiríssimo Plano ou Big Close-Up

Você sabe que é hora de fazer um big close-up quando quiser revelar as emoções e reações de uma pessoa. O big close-up preenche o quadro com uma parte do objeto de filmagem. Se o assunto for uma pessoa, geralmente é o rosto dela. Aqui está um exemplo do primeiríssimo plano:

De todos os diferentes planos de filmagem em um filme, um big close-up é perfeito para momentos importantes. O primeiríssimo plano é próximo o suficiente para registrar pequenas emoções, mas não tão perto que percamos a visibilidade.

8. Plano Detalhe

Um plano detalhe é o máximo que você pode preencher um quadro com o objeto de filmagem. Muitas vezes mostra olhos, boca e gatilhos de arma. Em planos detalhes, objetos menores são mostrados detalhadamente e são o ponto focal.

Use um plano detalhe para enfatizar uma característica específica do seu objeto:

O cineasta visionário Darren Aronofsky usa vários graus de close-ups e planos detalhes em seu trabalho, como em seu filme Cisne Negro. Neste plano detalhe, vemos que a transformação dela acontece praticamente literalmente. Aronofsky usa o plano-detalhe para mostrar penas crescendo nas costas de Nina.

Planos detalhes podem ser usados em diversos gêneros de filmes, o que também inclui a comédia. Aqui está outro exemplo de plano detalhe:

Tipos de ângulos de filmagem 

• Ângulo Normal
• Plongée
• Contra-Plongée

Não é suficiente apenas entender os planos de filmagem. Os ângulos da câmera e o grau desses ângulos podem mudar totalmente o significado de um plano de filme.

O que é um ângulo de filmagem?

O ângulo de filmagem é usado para especificar o local onde a câmera é colocada para filmar a cena. A posição da câmera em relação aos objetos de filmagem pode afetar a maneira como o espectador percebe a cena. Uma cena pode ser filmada simultaneamente de vários ângulos da câmera para amplificar o efeito cinematográfico e as emoções.

Ângulo Normal

Primeiro, considere a ângulo normal: o plano ao nível dos olhos. Quando o assunto está no nível dos olhos, ele está em uma perspectiva neutra (não superior ou inferior). Assim é como vemos as pessoas na vida real – nossa linha de olho conectando-se com a delas.

Aqui está outro exemplo de ângulo normal:

Plongée

Em um plongée, a câmera está acima do nível dos olhos, voltada para baixo. Geralmente, isso cria um sentimento de inferioridade ou “desprezo” ao objeto de filmagem.

Aqui está um exemplo de plongée:

Contra-Plongée

Este ângulo enquadra a pessoa abaixo do nível dos olhos, voltada para cima. O contra-plongée geralmente enfatiza a dinâmica de poder entre os personagens.

Um personagem superior com vantagem geralmente é enquadrado de baixo para cima. Isso faz com que o inferior se sinta como se o estivesse admirando.

Confira também:  Gêneros audiovisuais: Principais elementos do Filme Policial

Deixe um comentário abaixo sobre o texto e não esqueça de compartilhar o post com seus amigos. 

Acompanhe outras dicas de audiovisual e cinema aqui no nosso site. 

O post Planos de Filmagem: Os principais tipos de planos apareceu primeiro em Luz, Câmera e ação! .

Fazer cinema com celular hoje em dia

Com os smartphones mais novos, a produção de filmes com smartphones foi reinventada devido a última atualização para vídeo 4k que produz numa proporção da tela de 16:9.

Já se foi o tempo que smartphones só capturavam a imagem sem funcionalidade nenhuma, agora eles são concorrentes para a câmera de cinema que é usada por muitos diretores de Hollywood.

Se você falasse com um diretor de fotografia anos atrás sobre filmar um curta-metragem ou longa-metragem em um smartphone, ele riria na sua cara.

Mas as coisas estão mudando no mundo do cinema de hoje, e os diretores de fotografia estão agora pensando sobre usar um smartphone para fazer filmes.

Agora, vários cineastas promissores estão usando essa maneira barata de fazer filmes para criar uma sensação mais cinematográfica de sua visão.

Filmar um filme com um smartphone é a melhor maneira de manter os custos baixos e ainda produzir um filme incrível.

Cineastas de Hollywood que adotam a produção de filmes com smartphone

O que todo cineasta independente deseja ao filmar um filme é ter certeza de que ele não se parece com um filme amador.

A principal coisa que o público procura ao assistir a um filme é um filme de aparência profissional para capturar sua atenção enquanto a história se desenrola.

A grande notícia é que os cineastas independentes podem estudar longas-metragens como o filme de Steven Soderbergh “Distúrbio” ou “Tangerina” de Sean Baker, que são exemplos de cinema com iPhone.

Ambos os filmes foram rodados no iPhone 5s, e isso foi há apenas alguns anos atrás.

Agora, com os smartphones mais recentes, a cinematografia de smartphone está em um nível totalmente novo de qualidade.

Lembre-se de que a produção de filmes em smartphones tem suas desvantagens em comparação com uma câmera Red de mais de 20 mil dólares, mas se um cineasta conseguir entender as limitações e se adaptar, o mundo do cinema pode ser reinventado.

Por que você deve fazer um curta-metragem com um smartphone?

Facilmente disponível

Os smartphones de hoje cabem em qualquer bolso.

Já se foram os dias de carregar equipamentos de câmera de cinema para todos os lados entre os sets que levariam horas para montar e desmontar

Além disso, ao gravar um filme com um smartphone, o kit de lente e o kit de som do seu smartphone podem estar com você o tempo todo ao gravar, até mesmo em uma sala do tamanho de um armário.

Custo-benefício

Você já tem um smartphone? Bem, então você tem uma câmera cinematográfica também.

Com apenas alguns complementos de aplicativos, como Filmic pro e Kodak Cinema Tools, você pode criar vídeos cinematográficos para smartphones que vão surpreender você.

Além disso, ao adicionar um estabilizador de smartphone, você não terá que se preocupar com gimbals grandes e caros para capturar imagens menos tremidas.

Filme Cinematográfico

Com muitos dos principais smartphones do mercado hoje filmando em 4k, um cineasta pode agora capturar vídeos cinematográficos incríveis com o clique de um botão.

Se você estava preocupado com a qualidade visual de um smartphone, com recursos de vídeo 4k você pode colocar suas preocupações para descansar (via Peek At This).

Agora vamos às nossas dicas de como fazer cinema com celular.

Varie seu frame rate

Se o seu telefone tiver esse recurso, use frame rates diferentes. Filme a 24 fps para aquelas filmagens de “aparência cinematográfica”. Filme a 60 fps para filmagens de ação / esportes. Filme com frame rates ainda mais altas para obter algumas belas filmagens em câmera lenta. Tente incorporar uma variedade de frame rates em seus vídeos.

Boa iluminação é o segredo

É um equívoco pensar que as câmeras são o que fazem as imagens parecerem cinematográficas. Não são… não necessariamente. É a combinação de vários elementos fílmicos diferentes, como movimento da câmera, movimento dos atores, figurino e cenografia. Mas talvez uma das maiores ferramentas que você tem à sua disposição seja a iluminação. É por isso que é sugerido filmar durante a Golden Hour, um momento antes do nascer do sol e logo após o pôr do sol, porque é quando a luz é suave e quente e linda.

E essa é apenas uma opção muito simples e gratuita. Se você tiver luzes e modificadores, trabalhe em uma configuração de iluminação que torne suas imagens mais cinematográficas e profissionais.

Use um estabilizador

Smartphones não são tão pesados quanto DSLRs ou câmeras de cinema, e eles não foram projetados para gravar vídeo, então você tremerá muito a câmera ao usá-los. É por isso que você pode querer investir em um estabilizador de câmera móvel, como um gimbal ou um equipamento portátil. Suas filmagens não apenas parecerão suaves, mas você também será capaz de realizar aqueles movimentos de câmera que aumentam seu valor de produção.

Filme em alta resolução

Por que gravar em 4K em um vídeo de smartphone? Porque dá a você muita latitude e liberdade quando você se dirige para a postagem. Você poderá cortar se quiser, criar um Travelling adicionando alguns keyframes ou reduzir a resolução se quiser.

Use configurações personalizadas

Se sua câmera permite que você defina configurações personalizadas, faça-o! Ajuste a velocidade do obturador, abertura e ISO para obter a imagem desejada. Você pode até mesmo ser capaz de ajustar a profundidade de campo para obter aquele bokeh bonito que geralmente falta na cinematografia de smartphones.

Se sua câmera não permite que você defina configurações personalizadas, há vários aplicativos que permitem que você faça isso, como o FiLMic Pro que é usado pelo Sean Baker e pelo Steven Soderbergh. E custa apenas $15.

Não trate seu telefone como um telefone

Eu sei que a produção de filmes com smartphones ainda é meio rejeitada e vista como pouco profissional. Mas ouça, tantos trabalhos lindos, cinematográficos e de nível profissional foram filmados com smartphones. Não trate seu telefone como um telefone! Sean Baker filmou Tangerina em um iPhone 5 e Steven Soderbergh filmou High Flying Bird em um iPhone 8 (e Distúrbio em um iPhone 7)… é claro que eles não tratavam seus telefones como telefones; eles os tratavam como ferramentas cinematográficas. Você deveria fazer o mesmo.

Bônus: Obtenha algumas lentes

Compre algumas lentes de smartphone de boa qualidade. Como por exemplo as lentes Moment ou as lentes Moondog Labs. Ambas as empresas são muito boas (via No Film School).

Confira também:  Qual a importância da luz em uma filmagem e no cinema?

Você quer fazer cinema com celular? Quais são as principais coisas que você acha que os novos cineastas deveriam saber sobre filmar com smartphones? Deixe-nos saber nos comentários. E não esqueça de compartilhar o post com seus amigos. 

Acompanhe outras notícias do audiovisual e cinema aqui no nosso site. 

O post Fazer cinema com celular: Dicas para tornar as filmagens do seu smartphone mais cinematográficas apareceu primeiro em Luz, Câmera e ação! .