Introdução à edição de vídeo: Como contruir significado em imagens

Você sabe a importância da edição de vídeo? Além do roteirista e do diretor, ninguém tem mais poder do enredo de um filme do que o editor. O processo de edição pode alterar radicalmente o significado e o impacto de toda a narrativa e tecer significado em imagens que estavam anteriormente desconexas.

A mecânica da edição é bastante direta, você só pode cortar, inserir e sobrescrever de muitas maneiras, mas a estética da edição costuma ser muito mais complexa. Nas próximas linhas te mostraremos os conceitos de subtexto, edições de rádio, edição para narrativa, como manter o ritmo com seu público, suspense versus surpresa e como usar diferentes enquadramentos para enfatizar o peso emocional (via moviola.com).

Entendendo o Subtexto

Quando você se prepara para editar pela primeira vez, é essencial entender o subtexto da cena. O subtexto é simplesmente o verdadeiro significado oculto sob o significado literal de um diálogo da cena. Personagens e diálogos raramente dizem o que realmente querem dizer, e para cortar uma cena corretamente é importante entender o significado implícito de uma cena.

Vamos dar uma olhada em um exemplo simples de subtexto: o personagem diz “que tal aquela bebida?”, dependendo da cena isso pode significar:

• “você está dirigindo há uma hora e ainda não encontrou um lugar para estacionar. Batalhamos tanto para conseguir as nossas reservas de jantar!”

1. ou “Você gostaria de voltar ao meu apartamento para um caso extraconjugal?”
2. ou “Eu finalmente não aguento mais, e, depois de 10 anos sóbria, estou voltando ao álcool.”
3. ou pode, de fato, significar literalmente que os personagens estão com sede.

A escolha do plano correto para uma determinada linha de diálogo, ou o plano de reação apropriado do ator que escuta a fala, depende de quão bom você é como editor, o quão bem você entende o subtexto da cena. E não pense que isso se aplica apenas a obras de ficção, os melhores documentários e obras de interesse humano amplificam as palavras de um sujeito através da edição de vídeo, um bom político é, em última análise, um mestre do subtexto.

A abordagem da edição de vídeo

Agora, uma abordagem comumente ensinada para edição é começar com uma edição de rádio. Em uma edição de rádio, os visuais de uma cena são essencialmente ignorados e os planos são cortados para que o som editado do diálogo seja reproduzido suavemente. Como o nome indica, esta edição faria sentido e fluiria sem problemas se transmitida no rádio.

Após a conclusão de uma edição de rádio pode haver muitos erros de continuidade, o editor lida com isso descobrindo uma tomada melhor ou com cenas de cobertura. O método de edição de rádio funciona bem para certos tipos específicos de vídeo, como editar uma entrevista improvisada ou uma notícia. Mas quanto mais próximo seu projeto se aproxima do lado dramatizado do espectro, mais você se verá lutando contra uma edição de rádio. Para funcionar numa narrativa, uma abordagem melhor é primeiro decidir qual elemento principal está levando a história adiante. Em um videoclipe, a música em si é o veículo principal para a história, então o material visual deve ser ordenado em termos de como serve à cadência e à dinâmica da música. Em outras situações, são apenas os recursos visuais que conduzem a história e, como tal, a continuidade temporal e espacial provavelmente deve liderar a maioria das decisões da edição. Um exemplo seria uma sequência de jornada em que os visuais comunicam como a jornada começa, o impacto físico da jornada sobre os protagonistas, a beleza do mundo que eles atravessaram e o tempo que passa antes de chegarem ao seu destino.

Em obras dramáticas, seu diálogo é o que normalmente atua como o principal motivador para o progresso da história. Ao trabalhar com o diálogo, comece encontrando a melhor atuação para cada linha do roteiro, e por melhor queremos dizer a qualidade da entrega dos atores e quão bem ela se encaixa no subtexto da cena. Ao mesmo tempo, pense em quais planos escolher, para mais impacto emocional escolha tomadas em close-up. Para momentos menos dinâmicos no diálogo, você pode optar por uma tomada por cima do ombro ou plano-médio.

Crie também uma seleção de planos de reação, a maneira como um personagem reage ao que outro personagem está dizendo é um poderoso comunicador de subtexto. Depois de montar esse time dos sonhos de planos, você pode lidar com questões de continuidade e fluxo. Seja cauteloso aqui, não seja escravo das regras de continuidade, se houver poder suficiente na ação ou no diálogo, o público estará muito envolvido na história para perceber que, digamos por exemplo, uma caneta desapareceu das mãos de um dos os personagens. Ter um segundo par de olhos revisando suas edições pode ajudar a distinguir problemas de continuidade que precisam ser resolvidos daqueles que estão ocultos pelo poder das atuações de seus atores.

O objetivo por trás de uma edição

Embora seu trabalho como editor seja cortar a cena, é vital que você entenda a motivação para as edições que fizer. Cada edição deve ter uma razão de ser  feita, o propósito de um corte pode ser tão simples quanto a necessidade de aumentar o ritmo de uma cena lenta, mas a melhor edição antecipa onde o público quer estar. Por exemplo, o personagem faz uma revelação profunda, o público quer observar como ele se sente sobre o que diz ou está mais interessado em ver como os outros reagem?

A chave para uma boa edição é mostrar para o público o que ele deseja, exatamente quando ele deseja. Demore muito para cortar e você deixará seu público frustrado porque eles estão perdendo as ações. E se cortar muito cedo, o público pode entender mal a conexão dos eventos. Lembre-se de que o subtexto é tudo, seu trabalho como editor é cortar para a cena que melhor revela o subtexto.

Suspense Vs. Surpresa

Portanto, estabelecemos que o principal motivo para uma edição é mostrar o que o público deseja quando ele deseja, é claro que, como acontece com todas as coisas significativas na vida, há uma exceção poderosa à regra, quando você esconde intencionalmente. É comum ocultar informações do público para aumentar o mistério e o suspense, ou para criar um momento cômico.

Portanto, embora ocultar coisas possa ser uma exceção poderosa à regra, tome cuidado ao limitar o fluxo de informações, confunda demais o público e você o perderá, permita que ele antecipe suas edições e você os aborrecerá.

Uma frase muito conhecida do lendário cineasta Alfred Hitchcock fala sobre a diferença entre surpresa e suspense. Sua ilustração clássica disso ainda serve nos dias de hoje: há duas pessoas conversando normalmente, de repente uma bomba explode embaixo da mesa, que surpresa! Agora, se em vez disso, o público está ciente desde o início da presença da bomba, eles ficarão desesperados para que os personagens parem sua conversa fútil e lidem com a ameaça, isso é suspense. Conclusão de Hitchcock: sempre que possível, mantenha o público informado, enquanto a surpresa oferece alguns segundos de emoção no tempo da tela, o suspense oferece ao público uma jornada muito mais longa.

Cortar para mostrar mudança emocional

Que outros princípios devem comandar uma edição de vídeo? Depois da qualidade da performance, a mudança na carga emocional de uma cena deve ditar mais fortemente quando você corta e para onde corta. Se uma conversa inteira consiste em cortes entre close-ups, é difícil dizer ao público quando uma determinada fala é mais importante. Se, em vez disso, começarmos com planos por cima do ombro, estaremos livres para cortar para um close-up para indicar que a fala sendo entregue tem um peso maior. O inverso também é verdadeiro, você pode mostrar que uma conversa não tem tanto significado voltando para planos mais amplos, esse sinal mostra o retorno de uma conversa íntima para algo mais trivial. O uso dessa técnica pode redefinir a emoção, de modo que você possa novamente construir momentos importantes da cena.

Confira também:  Por que cortes funcionam? A teoria de Walter Murch

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