Confira os fundamentos básicos da coloração em vídeos e filmes no texto abaixo. 

Para que serve a coloração em vídeos?

Coloristas usam a coloração para ajustar diversos aspectos da imagem: contraste, equilíbrio de cores, equilíbrio de branco, nível de preto, saturação e luminância (via MasterClass).

A coloração é usada para fins artísticos, para garantir que a paleta de cores do filme transmita uma atmosfera, estilo ou emoção específica. Por exemplo, um colorista pode usar mais vermelho em momentos dramáticos para representar paixão, raiva e poder. 

A coloração pode até mesmo esclarecer elementos da narrativa de um filme, talvez adicionando um tom distinto a flashbacks ou a cenas que acontecem em um local diferente para diferenciá-los do resto do filme.

Correção de cor

A correção de cor é utilizada para deixar as filmagens mais naturais, pois a câmera não capta luz da mesma forma que nossos olhos. Ela também corrige qualquer erro de luz que houver nas imagens, como uma imagem muito escura.

Por exemplo, se um ator dá seu melhor desempenho em uma cena com defeito de iluminação, um colorista de filme pode salvar a cena corrigindo a iluminação, para que assim pareça consistente com o resto da filmagem. As ferramentas de correção de cores também podem otimizar a filmagem para que quaisquer efeitos visuais adicionados (VFX) se misturem da forma mais natural possível.

O cérebro e sua percepção das cores

Um dos maiores desafios na correção de cores é entender o quão subjetivo é o sistema perceptivo humano. O cérebro humano é incrivelmente adaptável e está constantemente ajustando as imagens que passam por nosso córtex visual para fazer mais sentido para nós (via moviola.com). 

Em outras palavras, a maneira como nosso cérebro percebe uma imagem é muito diferente da maneira como nossos olhos a vêem fisicamente, por exemplo, aqui vemos uma banana amarela contra um fundo esverdeado:

A banana é de fato vermelha, mas seu cérebro está tentando reconciliar sua experiência com bananas com o que está vendo, e o resultado é uma interpretação de que o fundo cinza é na verdade verde.

A cor como a conhecemos então não é um atributo físico de um objeto, é a confluência de processos físicos e cognitivos que acontecem com uma imagem em seu caminho para nossa consciência. Alguns dos fatores mais importantes para informar nossa interpretação das cores em uma imagem são:

• O que você viu imediatamente antes da imagem atual em que está trabalhando;
• Há quanto tempo você está olhando para a imagem atual;
• O contraste acontecendo dentro do quadro da imagem que você está olhando;
• Sua própria história pessoal de objetos em suas cores.

Matiz e Saturação

As cores em filmes e vídeos são normalmente divididas em três cores primárias: vermelho, verde e azul. Por que essas três cores? Bem, simplesmente porque essas três cores correspondem ao mecanismo físico que usamos para ver as cores em nosso mundo.

Como humanos, temos fotorreceptores chamados cones, alguns cones medem o comprimento de onda da luz azul, outros vermelhos e outros verdes. Portanto, ao separar as cores em vermelho, azul e verde, conseguimos a melhor correspondência para a forma como nosso público humano percebe as cores.

Quando diferentes cores se sobrepõem, elas se somam. Uma sobreposição de duas cores nos dá cores secundárias: amarelo, ciano e magenta. Combinadas com as primárias, essas seis cores são aquelas com as quais lidamos principalmente no processo de correção de cores.

Na correção de cores, isso normalmente é representado como um círculo cromático:

Em um círculo cromático, o ângulo em torno da roda representa o matiz, a essência da cor. Afastar-se do centro em direção à borda do círculo representa o quão saturada é uma cor. Uma maneira fácil de pensar em uma saturação de cores é na verdade no reverso, pense nisso como uma tonalidade de cinza. Quanto mais próxima uma cor estiver do centro da roda, mais fraca ela ficará, ou branco se a cor for extremamente brilhante. Quanto mais perto da borda da roda, mais forte é a cor. Em resumo, o ângulo de uma cor ao redor do círculo cromático é seu matiz e a distância do centro é sua saturação.

Gráficos para coloração em vídeos

Ao corrigir e graduar as cores, é importante avaliar com precisão o seu vídeo. Seu monitor pode não estar devidamente calibrado, então ele não é confiável, e nossos olhos se adaptam à imagem, então não podemos confiar neles também. É aqui que entram os gráficos de vídeo.

Os gráficos nunca mentem, mas eles podem ser bastante intimidadores se você nunca aprendeu como interpretá-los. Abaixo há uma definição simples dos principais gráficos disponíveis nos softwares de coloração. Vamos começar com o wavefom.

Waveform 

Com o waveform, você pode ver o quão clara ou escura é cada parte de sua imagem. Como o nome sugere, ele mostra o brilho da imagem representado como uma forma de onda. 

Se você estiver editando HD, o preto é 0 e o branco é 100. Os níveis abaixo de 0 na parte inferior do gráfico serão cortados e os níveis acima de 100 próximos ao topo do gráfico também serão cortados, então você deseja que seus níveis sejam dentro da faixa de 0-100. No entanto, isso é verdadeiro apenas para vídeo SDR (Standard Dynamic Range). Com os padrões Ultra-HD, vem a entrega de High Dynamic Range, onde os brancos podem chegar a 10.000.

Aqui está uma foto subexposta com sua waveform:

O nível máximo – a área mais brilhante – atinge o pico em torno de 80 no gráfico. A parte mais brilhante desta imagem são as nuvens, então isso significa que as nuvens não serão totalmente brancas. A parte mais escura fica em torno de 5 no gráfico, o que significa que nenhuma parte dela é totalmente preta. Esta é uma informação realmente boa quando queremos corrigir a exposição.

Aumentando os níveis de branco, diminuindo ligeiramente os pretos e tornando os tons médios muito mais brilhantes, podemos utilizar toda a gama dinâmica da imagem. 

A figura abaixo mostra como as partes mais brilhantes, as nuvens, sobem até 100 após a correção da imagem – mas não acima disso:

Isso significa que não estamos cortando o branco, mas as nuvens estarão totalmente brancas. Além disso, os pretos são um pouco mais baixos, com picos muito pequenos quase tocando a linha 0.

Padrão RGB

O waveform mostra apenas os valores de luminância da imagem, não nos diz nada sobre as cores. O Padrão RGB mostra todas as três cores que compõem uma imagem de vídeo lado a lado.

Vetorscópio

O vectorscópio YC é o gráfico que você usará para medir o matiz e a saturação de suas cores. A distância do centro indica a saturação das cores. Um pequeno ponto no centro significa que é uma foto em preto e branco. Um traço próximo ao círculo ao redor significa que suas cores estão supersaturadas.

Você vai querer usar o vetorscópio ao ajustar o tom da pele por exemplo, e para verificar a saturação de uma cor.

O ângulo do traço no vetorscópio informa a tonalidade dos pixels da imagem. Quanto mais brilhante for o gráfico em um determinado ângulo, mais pixels na imagem terão essa cor.

Conclusão

A coloração em vídeos é utilizada tanto para a correção de cor, quanto para fins artísticos. E essa não é uma tarefa nada fácil, principalmente porque nosso cérebro percebe uma imagem de uma forma muito diferente da maneira como nossos olhos a vêem fisicamente.

Uma das principais ferramentas utilizadas na coloração em vídeos é o círculo cromático, que representa o matiz e a saturação. Outras ferramentas muito utilizadas pelos coloristas são os gráficos, como o Waveform, o Padrão RGB, e o Vetorscópio. 

Confira também: Como editar uma cena de diálogo: 5 principais dicas de edição para você

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Na segunda etapa da correção de cor você isola partes específicas da imagem e ajusta sua cor separadamente do resto da imagem.

Neste texto, daremos uma olhada nas etapas envolvidas na correção secundária de cor, desde o mascaramento de partes da imagem até a combinação dessas máscaras para isolar regiões muito específicas.

Estaremos usando como exemplo o DaVinci Resolve da Blackmagic porque é uma espécie de padrão da indústria para correção de cor e porque é gratuito (via moviola.com).

Correção de cor: Mattes

A segunda etapa de correção de cor trata da criação de mattes para mascarar certas partes da imagem. Esses mattes são normalmente criados de duas maneiras: eles podem ser gerados com um keyer ou podem ser articulados manualmente com uma curva spline. 

Uma palavra rápida sobre a terminologia aqui, os termos mat e máscara são freqüentemente usados como o mesmo significado, mas mat na verdade se refere a qualquer imagem em tons de cinza que isola partes de uma imagem mestre, quando é usado para limitar o efeito de um filtro como um corretor de cor é chamado de máscara . 

Em outras palavras, a imagem em tons de cinza é um mat, e o mat pode então ser aplicado como uma máscara.

Fazendo mattes simples

Antes de entrarmos no assunto, aqueles de vocês que vêm de motion graphics ou efeitos visuais precisam entender o modo preguiçoso de trabalhar do colorista. 

O olho humano está mais preocupado com o contraste de luminância do que com os detalhes das cores. Dê uma olhada nessas duas imagens:

A imagem à direita teve suas informações de cor borradas, mas deixou seu canal de luminância intacto. Você percebe a diferença entre os dois? Provavelmente não muito, embora se você for mulher, sua visão superior das cores pode revelar as diferenças.

Mas dê uma olhada na mesma imagem se borramos o canal de luminância tanto quanto borramos os canais de cores:

Seus olhos perdoam as informações precárias espaciais de cor, desde que a luminância ou o contraste permaneçam nítidos. Assim, não precisamos nos preocupar muito sobre exatamente onde ficam as bordas dos mattes. 

Normalmente são usados mattes circulares ou retangulares simples com uma quantidade generosa de desfoque para criar correções de cores locais:

Os artistas de efeitos visuais estão acostumados a definir mattes em linhas muito precisas, mas esse tipo de detalhe é um exagero para a maioria dos trabalhos com cores e só retardaria o processo. Na verdade, existem muitas outras maneiras de criar mattes além de keys e curvas spline: Motion vector, pincéis e os mapas de disparidade são apenas alguns exemplos, mas a maioria deles leva mais tempo do que necessário para a correção de cor. Portanto, você pode salvar esse tipo de magia de pixel para seus efeitos visuais.

A maneira mais simples de criar um matte secundário é usar uma forma simples, também chamada de power window. Círculos e quadrados são provavelmente os mais comuns e são usados em uma ampla variedade de cenas.

Rastreamento

Até aqui tudo bem, mas quando pressionamos play nossa power window infelizmente fica exatamente onde a colocamos, sendo que o objeto se movimenta e sai do quadro. Obviamente, precisamos que a forma se mova com o objeto. A solução é trackear/rastrear o movimento do objeto. No Resolve, este é um processo bastante simples, basta acessar a guia de tracking e usar o tracker 3D:

Assim que o rastreamento for concluído nossa forma se moverá com o objeto e, portanto, a correção de cor também. 

Para movimentos mais difíceis, como, por exemplo, os braços em uma cena, o desfoque de movimento impedirá um rastreamento bem-sucedido. Nesses casos, você precisará mover e enquadrar a posição das formas manualmente.

Formas matte complexas

Às vezes, as formas predefinidas em uma correção de cor não se ajustam à situação específica. Digamos que precisamos aprofundar a cor desta luminária:

A forma incomum do objeto não permite um ajuste natural para um matte circular ou retangular, em vez disso, podemos criar uma forma personalizada usando uma curva spline. Usando uma ferramenta de curva, clicamos e arrastamos para criar pontos de controle que definem a forma:

Quanto mais você arrasta, mais ampla é a curva no ponto que você está criando. Apenas não exagere, adicione muitos pontos e você pode ter muito trabalho extra caso o objeto mude de forma com o tempo. Normalmente, com essas ferramentas de spline, e é esse o caso aqui no Resolve, você clica de volta no primeiro ponto que fez para fechar a forma.

Agora vamos ocultar o contorno, adicionar mais um pouco de laranja às sombras e tons médios, mas conforme aumente um pouco o contraste de tons médios, talvez seja melhor diminuir o laranja para evitar que os realces fiquem muito quentes:

Por fim, adicionaremos um pouco de suavidade ao mat para remover qualquer linha de transição dura entre nossa correção e o resto da foto:

Agora, poderíamos ter tentado usar uma power window retangular e mover os cantos para se alinharem com a forma geral da luminária, mas, neste caso, isso escureceria de forma não natural a parede circundante que deveria ser totalmente iluminada pela luz da lâmpada.

Correção de cor final

Como exemplo de correção final, vamos adicionar um node e usá-lo para reduzir um pouco a intensidade da janela principal desta cena que foi estourada durante a master. Uma simples power window retangular resolverá o problema.

Desta vez, usaremos uma correção de curva para corrigi-lo, adicionaremos três pontos de controle à curva. O inferior agirá como uma âncora para evitar que os tons médios e as sombras mudem. Em seguida, vamos puxar para baixo os destaques, arrastando para baixo os três pontos de controle superiores para criar uma bela curva de queda sem qualquer clipping à medida que reduzimos o brilho. Agora recuperamos um pouco da textura da cortina e perdemos a aspereza da cena original:

Obviamente, cada cena é diferente, mas espero que você tenha reunido princípios suficientes aqui para trabalhar no básico da correção de cor de seu vídeo.

Confira também: Como editar uma cena de ação: 5 dicas para manter o público sempre atento e imerso na trama

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Veja por que algumas cores ficam bem com outras e como usar isso a seu favor no próximo projeto. A cor não é apenas uma escolha estética importante, mas uma ferramenta útil para implantar significados subtextuais e associações intertextuais que dão ao filme significados em várias camadas.

Confira abaixo como colorir através da iluminação no audiovisual (via moviola.com). 

Como colorir através da iluminação: Física da Cor

Tecnicamente falando, as cores são a forma como nosso cérebro, por meio de nossos olhos, interpreta a radiação eletromagnética de um comprimento de onda dentro do espectro visível. A luz visível está entre 400 e 700 nanômetros.

Os diferentes comprimentos de onda são vistos como cores diferentes, como no espectro abaixo. Você vê num espectro como este tudo o que você vê num arco-íris.

Tradicionalmente, o espectro é dividido em sete partes separadas. A primeira pessoa a realmente definir isso foi Newton. 

Algumas pessoas acreditam que ele incluiu a cor índigo apenas para dar sete partes, para assim corresponder ao número de notas na escala musical principal. Estes são os comprimentos de onda aproximados para cada uma das cores:

A radiação eletromagnética com comprimento de onda acima de 750 nm é chamada de infravermelho, e a radiação abaixo de 350 nm é ultravioleta. Cada cor no espectro pode variar em saturação, claridade e escuridão, e estima-se que o olho humano possa distinguir cerca de 10 milhões de variações de cores.

Matiz, Saturação, Brilho

Matiz, saturação e brilho são as principais propriedades da cor que nos permitem distinguir entre cores diferentes. Usar a cor de forma eficaz é um dos elementos mais essenciais em um filme, já que a cor pode chamar a atenção do espectador para sua composição e afetar o clima e o impacto emocional de sua cena.

O que é matiz?

Os matizes são as três cores primárias (vermelho, azul e amarelo) e as três cores secundárias (laranja, verde e violeta) que aparecem na roda de cores ou círculo de cores. Quando você se refere ao matiz, você está se referindo à cor pura ou ao espectro visível de cores básicas que podem ser vistas em um arco-íris.

O que é saturação?

A saturação da cor é a pureza e a intensidade de uma cor. Quanto maior a saturação de uma cor, mais vívida e intensa ela é. Quanto mais baixa a saturação de uma cor, ou croma, mais próximo está do cinza puro na escala de cinza. 

O que é o brilho da cor?

O brilho da cor refere-se à claridade ou escuridão relativa de uma cor. Percebemos o brilho da cor com base na quantidade de luz refletida de uma superfície e absorvida pelo olho humano. Nós nos referimos à intensidade da luz que atinge os olhos como “luminância”.

O círculo cromático

Tudo começa com o círculo cromático. Ele deve ser familiar para qualquer pessoa que tenha experiência com corretor de cor de 3 vias.

O círculo cromático é a ferramenta mais comum que você verá quando se trata de controle de cores. De forma simplificada, a roda de cores compreende 12 cores com base no modelo de cores RYB (ou subtrativo).

No modelo de cores RYB, as cores primárias são vermelho, amarelo e azul. As três cores secundárias são verde, laranja e roxo e podem ser feitas misturando duas cores primárias. Outras seis cores terciárias podem ser feitas misturando as cores primárias e secundárias.

Em primeiro lugar, você notará cores mais quentes no lado direito e cores mais frias no lado esquerdo. As cores quentes são brilhantes e energéticas. As cores frias dão uma impressão suave e calma.

Vamos definir rapidamente as harmonias mais comuns das cores ou paletas de cores, cada uma consistindo de duas ou mais cores dentro de um padrão específico ou relação no círculo cromático.

5 combinações comuns de cores em filmes

1. Paleta de cores complementares

Duas cores em lados opostos da roda de cores formam um par complementar. Esta é de longe a combinação mais comumente usada. Um exemplo comum é laranja e azul ou verde-azulado. Ela combina uma cor quente com uma cor fria e produz um resultado de alto contraste e vibrante. A saturação deve ser controlada, mas um par complementar geralmente agrada naturalmente.

As cores laranja e azul podem frequentemente ser associadas a conflitos em ação, interna ou externamente. Freqüentemente, um conflito interno dentro de um personagem pode se refletir na escolha da cor em seu ambiente externo.

2. Paleta de cores análogas

Cores análogas ficam próximas umas das outras na roda de cores. Eles combinam bem e podem criar uma harmonia geral na paleta de cores. São cores mais quentes ou cores mais frias, então não têm o contraste e a tensão das cores complementares.

As cores análogas são fáceis de aproveitar em paisagens e exteriores, pois são frequentemente encontradas na natureza. Freqüentemente, uma cor pode ser escolhida para dominar, uma segunda para apoiar e uma terceira junto com tons de preto, branco e cinza para acentuar.

3. Paleta de cores triádicas

As cores triádicas são três cores dispostas uniformemente ao redor da roda de cores. Um deve ser dominante, as outros para acentuar. Elas darão uma sensação vibrante mesmo se os tons forem bastante insaturados.

Triádica é uma das paletas de cores menos comuns em filmes e, embora difícil, pode ser bastante impressionante.

4. Paleta de cores complementar dividida

As cores tetrádicas consistem em quatro cores organizadas em dois pares complementares. O resultado é uma paleta completa com muitas variações possíveis. Como acontece com a maioria dessas paletas de cores, uma cor geralmente é dominante.

Espero que esta divisão básica possa ajudar a dar a você controle na escolha de cores planejadas e escolhidas, seja no set ao trabalhar com um designer, ou puramente na postagem, a fim de destacar seu trabalho.

Confira também: Software de edição de vídeo: Os 5 melhores programas em 2020

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A composição do chroma key hoje é ridiculamente fácil em comparação com como era no passado. Anos atrás, ao filmar um filme de cinema era necessário filmar o assunto contra uma tela verde, criar mattes de filme e combiná-los usando uma impressora óptica. 

Mudanças de contraste e problemas de registro eram a ruína do cineasta.  Isso nem mesmo começa a abranger todos os outros problemas, como linhas matte, elementos que saem do alinhamento e problemas de transparência. 

A introdução de scans de filmes de alta resolução e da composição eletrônica tornou as coisas melhores, mas somente nos últimos anos é que se pode dizer que o chroma key se tornou disponível para praticamente qualquer pessoa. Existem até aplicativos para telefones celulares que permitem compor em tempo real. 

Confira abaixo os principais fundamentos do chroma key (via moviola.com).

O processo

A criação de uma composição de chroma key pode ser dividida em algumas etapas: selecionar a cor sólida (verde), recortar o fundo e compor o primeiro plano com o material de fundo. 

Recortar o fundo é usar seu software para criar a área da imagem que é transparente. Isso geralmente é qualquer coisa que não seja o seu assunto em primeiro plano, e a área a ser tornada transparente é sua tela verde. 

Portanto, se você quiser compor seu ator no espaço profundo, recorte essa pessoa contra uma tela verde, crie um matte ou canal alfa (o canal alfa contém as informações de transparência). Agora que seu software sabe que parte da imagem é transparente, você pode codificar / compor seu ator em um plano de fundo. 

Tudo o que você pode fazer no processo de filmagem para tornar melhor o ato de recorte acabará tornando a composição mais fácil e melhor. Em uma festa infantil, não vou me importar muito com a qualidade do matte, mas com qualquer outra coisa, a menos que eu esteja propositalmente buscando um visual de composição ruim, é desejável criar o composto mais limpo e uniforme que puder. 

Para ajudá-lo nessa jornada, aqui estão algumas coisas que você deve tentar fazer e coisas a evitar ao filmar composições.

Resolução

Quanto maior a resolução do seu material original, melhor. Lembre-se: sua imagem vai acabar como pixels, e os pixels são alinhados em uma grade, mas a maioria dos objetos que você está filmando para o assunto em primeiro plano não vai caber perfeitamente em uma grade, então quanto mais resolução você começar trabalhando com, mais finos os detalhes de borda que você será capaz de capturar. Isso permitirá a criação de mattes com bordas mais suaves, o que torna composições mais realistas, em oposição a elementos de resolução mais baixa com suas bordas em blocos.   

Progressivo ou entrelaçado

Progressivo, filme sempre no modo progressivo. Este é um fato. Entrelaçado ainda é um modo disponível, mas é um formato horrível, especialmente para qualquer tipo de composição. 

Veja desta forma: cada quadro entrelaçado é composto de dois campos de meia resolução que são capturados um após o outro. Isso pode criar o que é conhecido como artefatos temporais. Não é um grande problema ao capturar assuntos de natureza morta, mas uma vez que há movimento envolvido, seja o movimento da câmera ou o assunto se movendo no quadro, você obtém uma queda na resolução e problemas com suas bordas. 

Geralmente, é melhor gravar um vídeo progressivo de resolução mais baixa do que um quadro entrelaçado de resolução mais alta. Por exemplo, 720p é melhor do que 1080i, especialmente quando você considera que a resolução de 1080i está mais próxima de 540p do que 720p. Mesmo se você estiver entregando um projeto acabado entrelaçado, é muito melhor começar com elementos progressivos e, em seguida, converter para entrelaçado após a composição.

Obtenha a cor certa para o chroma key

A tela verde é a que geralmente é usada, porque o verde é o mais distante da maioria dos tons de pele e, portanto, deve ter o menor efeito nos tons de pele quando ativada. 

Verde também é o canal de cor que sempre tem mais informações, a menos que você esteja gravando sua filmagem em 4: 4: 4, e tende a ter menos ruído, o que torna a tonalidade mais limpa. 

No entanto, há momentos em que verde não é a tela com a cor certa a ser usada. Por exemplo, se o assunto estiver vestindo roupas verdes, conseguir um chroma key limpo pode ser mais problemático. Telas azuis tendem a ser preferíveis para assuntos com cabelos loiros, porque geralmente elas recortam melhor. O tom de pele do assunto deve ser levado em consideração ao escolher se deseja usar verde, azul ou alguma outra cor.

A distância é importante

É desejável manter o assunto o mais longe possível da tela e manter o foco no assunto em primeiro plano.

Iluminação

Ilumine o assunto em primeiro plano e a tela separadamente.

Iluminando sua tela

Pode parecer contra-intuitivo, mas ao filmar um chroma key, você deseja saturar a tela – em outras palavras, quanto mais escuro, melhor. Existem algumas razões para isso. Uma delas é que uma tela bem saturada oferece boa separação de cores, enquanto uma tela clara pode ser mais difícil de manipular. 

A regra é fazer com que a tela seja ¾ de stop mais escura do que a luz principal. Além de fornecer um recorte melhor, uma tela mais escura projetará menos reflexo sobre o assunto. Esse reflexo pode contaminar o assunto em primeiro plano, tornando mais difícil fazer um recorte com bordas limpas. As sombras são definitivamente algo a evitar. As sombras vão lhe causar muitas dores de cabeça quando você tentar recortar, forçando você a expandir a cor / croma que você está codificando, o que pode afetar sua imagem de primeiro plano, ou você terá que começar a usar mattes de qualidade duvidosa ou terá que começar a usar rotoscopia (desenhando seus mates à mão).

Iluminando seu primeiro plano

É uma boa ideia levar em consideração o ambiente no qual você está compondo o seu objeto de primeiro plano ao iluminá-lo. Se eles estiverem sendo compostos em uma tomada noturna, pode não fazer sentido tê-los bem iluminados, uma vez que não necessariamente cabe na cena.

Conclusão

O trabalho do chroma key é usado com grande efeito em muitos filmes e pode ser bastante imperceptível, mas nem sempre foi assim. Espero que este artigo tenha ajudado a acelerar o seu caminho para a criação de mates críveis que envolvem o público em seu filme. 

Confira também:  Edição: Principais softwares de colorização de filmes e vídeos

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Claro, nos lembramos de citações específicas e / ou ações físicas dos atores, mas todos nós podemos cantarolar alguns trechos dos filmes Jurassic Park, O Senhor dos Anéis ou A Rede Social. E há também o uso de canções populares (ou obscuras) pelos diretores em seus trabalhos. “Sister Christian” nesta cena de Boogie Nights, “I Got You Babe” em Feitiço do Tempo e “Day-O (The Banana Boat Song)” em Beetlejuice são todos ótimos exemplos de cenas que utilizam perfeitamente uma música.

Todas essas músicas e filmes são muito diferentes, mas todos utilizam a trilha sonora para criar ritmo e significado na cena. Aqui embaixo estão algumas das maneiras de usar música de forma eficiente no seu filme. Lembre-se disso ao selecionar a trilha para seu próximo projeto (via POND5).

1. Combine o tom da música com o tom da cena

Esta é provavelmente a forma mais comum de escolher uma trilha sonora. Você escolhe uma música ou composição que reflita o tom pretendido da cena. Um vídeo de lapso de tempo lento da Via Láctea não funciona muito com death metal, nem uma música atmosférica lenta funciona com um vídeo de tilt-shift de rali de monster truck.

Não é apenas a melodia ou batida da música que transmite a mensagem. Pode ser também a letra (se a música tiver letra). Letras tristes com uma melodia otimista podem não funcionar com um vídeo otimista, porque as letras ficariam muito contrastantes. O mesmo vale para músicas mais lentas com letras alegres. Certifique-se de que toda a peça se encaixe com o que você deseja transmitir.

Veja “The Sound of Silence” de Simon and Garfunkel. É uma música icônica e que foi usada em vários filmes, programas de TV e, sim, em memes. Mas como é uma música mais lenta e sombria com letras sérias, é usada para denotar uma virada triste, especialmente o riff de abertura. Dito isso, tem sido usado em comédias, dramas e filmes de ação, porque ainda dá aquela mudança tonal com as notas de abertura.

Aqui está um supercut de todos os exemplos mais notáveis (começando com o original, A Primeira Noite de um Homem), onde “The Sound of Silence” entra em ação é levada a sério – especialmente se os personagens cometeram um grande erro.

2. Faça o oposto e não combine a trilha de propósito

Por outro lado, os cineastas usarão uma música ou composição “inadequada” para transmitir o caos em uma cena calma ou a calma em uma cena caótica. Muitas vezes isso é usado para efeitos cômicos, como no filme Vingança sob Encomenda, quando o personagem de Chris Farley quer uma ótima música de luta, mas escolhe… bem, você terá que clicar aqui embaixo e ver com seus próprios olhos.

Um exemplo de música calma em uma situação caótica seria em Procurando Dory, no final em que o caminhão salta do penhasco e o filme inteiro fica mais lento quando “What a Wonderful World” começa a ser reproduzido. Isso nos dá uma sensação de humanidade, pois o caos está acontecendo. (SPOILERS!)

3. Utilizar música diegética e não diegética

Música diegética é a música que está acontecendo a partir de uma fonte de dentro do mundo do filme. No vídeo do Feitiço do Tempo que linkamos lá no começo, o despertador é um exemplo de música diegética. Está vindo de um suporte de dentro do mundo do filme. Música não diegética é a música adicionada fora do espaço da história. Isso é basicamente qualquer base musical ou partitura que você adiciona para criar ritmo e significado na cena.

Quando ouvimos música diegética, não temos a mesma reação de quando ouvimos a não diegética. Entendemos que está afetando os personagens da história (o que pode, por sua vez, nos afetar como espectadores), mas não tem tanto vigor, porque existe a barreira da realidade da qual estamos atrás, experimentando a música do fora. No entanto, se a música diegética se transformar em música não diegética, instantaneamente nos sentiremos imersos na história e seremos afetados diretamente pela música.

Veja esta cena de Mong e Lóide. Veja a música passar de diegética no rádio no carro para não diegética e vice-versa. Você notará a diferença quando estiver no carro; é uma sensação diferente de quando muda para o mundo exterior no filme.

4. Dê ênfase aos momentos importantes

Filmes de esportes são notórios por suas canções gigantescas que provocam uma onda de emoções. Quando você traz uma música tão épica e intensa, é realmente difícil não ter um grande efeito no espectador – então, tenha isso em mente se quiser que seja mais sutil – mas, no geral, você pode utilizar uma trilha sonora épica para realmente aprimorar a emoção que você deseja transmitir. Assista à última tentativa de Roy Hobson (Robert Redford) em The Natural e tente não ficar arrepiado. (SPOILERS)

A música aumenta, atingindo os espectadores bem no coração e puxando as cordas até que eles tenham calafrios e estejam catalogando este momento como um dos melhores que já viram. Nunca tenha medo de ser épico – apenas certifique-se de que se encaixa. Uma trilha sonora épica para um vídeo sobre como cortar vegetais não vai realmente fazer muito sentido.

Para ver a importância de uma trilha, confira este vídeo de E.T. O Extraterrestre (SPOILERS ) sem a trilha sonora final épica de John Williams.

5. Transporte o público para um horário e local específico

Se você apenas ouvisse um filme passando na outra sala e houvesse alguma música de Huey Lewis and The News ou Michael Jackson na cena, você saberia que este filme provavelmente se passa na década de 1980. 

Os cineastas podem ambientar datas e períodos de tempo específicos apenas usando certas músicas. Diferentes gerações podem compreender essas músicas de maneira diferente, é claro, mas o resultado final é que elas criam uma tapeçaria muito detalhada para quando e onde uma narrativa ocorre e podem plantar os espectadores ali para experimentar os mesmos sentimentos daquele período de tempo – como, por exemplo, a era disco dos anos 1970/80.

Existem algumas ressalvas a esta regra, no entanto. Como acontece com a maioria das “regras” de cinema, elas podem ser quebradas. Escolhas musicais anacrônicas foram usadas por muitos cineastas ao longo dos anos. Sofia Coppola usou música pós-punk moderna em Maria Antonieta; Coração de Cavaleiro apresenta canções clássicas de rock do Queen e AC / DC; Baz Luhrmann usou todos os tipos de canções modernas de artistas como Nirvana e U2 em medleys e números musicais para o Moulin Rouge; e Quentin Tarantino usou canções de Rick Ross e John Legend para Django Livre.

Pode ser muito chocante e muito estranho, mas também pode se misturar perfeitamente com o clima, personagens e enredo para dar uma grande justaposição de música e visuais. Use essa tática com precaução, porque muitas pessoas odeiam isso, e também porque é difícil de conseguir acertá-la.

Confira também:  Como operar um microfone boom? 5 dicas para melhorar o áudio do seu filme

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Quer você seja um aspirante a cineasta ou apenas queira ter uma ideia do processo de produção de um filme, aqui está uma análise muito básica do passo a passo para produzir um filme. Pense nisso como um guia para iniciantes no processo de filmagem (via New York Film Academy).

Passo a passo para produzir um filme

Etapa 1: a ideia

Cada filme que você já viu começou com uma ideia no cérebro de alguém. Embora as coisas mudem à medida que o projeto avança, a história que você inventar no início servirá como a base sobre a qual todo o resto será construído. Comece a pensar sobre o tipo de história que você deseja que seu filme conte e todos os elementos importantes da história envolvidos: enredo, personagens, conflito, etc.

Nossa dica: ideias surgem em nossas cabeças de forma inesperada! Certifique-se de sempre carregar seu telefone ou uma cadernetinha para anotar quaisquer ideias interessantes que aprimorem sua história.

Também é uma boa ideia criar uma pasta na qual você salva artigos de jornais e revistas, trechos de diálogos ouvidos, notas sobre personagens que você vê na rua e até mesmo sonhos. Você pode não saber o que fazer com essas coisas agora, mas chegará o dia em que o fará.

Etapa 2: O Roteiro

O roteiro é onde você colocará a história, o cenário e o diálogo de forma estruturada. Esta importante ferramenta será usada pelo resto da equipe para saber o que vai acontecer no filme. Você também usará seu próprio roteiro como referência ao longo do processo, já que pode precisar se atualizar em certas ações, linhas de diálogo e muito mais.

Nossa dica: não tenha medo de fazer alterações no roteiro, mesmo depois de achar que ele está pronto. Na maioria das vezes, ideias melhores virão a você bem depois desse estágio do processo de filmagem.

E não tenha medo de deixar seus atores improvisarem, seja no ensaio ou no set. Você pode se surpreender com o que seus atores são capazes de imaginar do ponto de vista de seus personagens. Isso é especialmente verdadeiro para cineastas que podem não ser muito bons para escrever diálogos.

Etapa 3: os storyboards

Um storyboard é uma sequência de desenhos que representam as tomadas que você planeja filmar. No passo a passo para produzir um filme, recomendamos altamente este processo porque ajuda a visualizar cada cena e decidir coisas como ângulos de câmera, tamanhos de tomadas, etc. Você descobrirá o verdadeiro valor do seu storyboard quando ele ajudar a comunicar o que você está tentando fazer para outras pessoas no set.

E para aqueles que pensam: “Não consigo desenhar”, fotografar seus storyboards pode ser uma solução rápida. Sua câmera do telefone funciona bem para isso. Basta levar alguns amigos até sua localização e dizer a eles: “Você está aqui, você está aí” e tirar fotos. Tire muitas fotos. De muitos pontos de vista diferentes. Em seguida, selecione aqueles de que você mais gosta e aí está o seu storyboard. Fazer isso tem a vantagem adicional de mostrar o que é realmente possível. Porque muitas vezes desenhamos storyboards e depois descobrimos, para nossa decepção, que teríamos que demolir mais uma parede para obter a perspectiva que imaginamos.

Etapa 4: o elenco e a equipe

Montar sua equipe pode ser emocionante, recomendamos que você gaste o tempo necessário para encontrar as pessoas certas para o seu filme. Para os membros da tripulação, certifique-se de considerar o trabalho e experiência anteriores deles e solicite o portfólio ou qualquer exemplo, se disponível. Você também deve fazer testes para encontrar os melhores atores e atrizes para seus papéis.

Nossa dica: não se sinta obrigado a incluir amigos e familiares em seu projeto. Este é o seu filme, o que significa escolher as melhores pessoas para o trabalho. Esperançosamente, seus conhecidos são profissionais o suficiente para aceitarem quando você não achar que eles são adequados para o seu projeto.

Etapa 5: As locações

Você pode precisar construir sets para um cenário que gostaria de ter. Mas para cenas em que um local real funcione, você precisará fazer algumas pesquisas para encontrar as melhores locações. Leve uma câmera com você e viaje o máximo possível, tirando fotos de lugares que você acha que servirão como o cenário perfeito para cenas específicas.

Nossa dica: Sempre considere o espaço necessário para o elenco e a equipe. Não escolha um espaço apertado e estreito, onde apenas os atores vão caber bem e não as câmeras, luzes, etc.

Etapa 6: a filmagem

Tudo culmina neste momento. Para se preparar, certifique-se de ter um roteiro de filmagem pronto, juntamente com uma programação organizada do que será filmado e quando. Dê a si mesmo bastante tempo para filmar cenas, para que você nunca se apresse e possa acomodar mudanças ou problemas. É comum que uma cena que dura um minuto no corte final exija mais de cinco horas para ser filmada.

Nossa dica: se o tempo permitir, tente filmar as mesmas cenas de novos ângulos. Dessa forma, você terá mais filmagens para trabalhar e manter seus espectadores envolvidos.

Etapa 7: a pós-produção

Se você achou que a filmagem demorava, é que você não viu a pós-produção. A pós-produção é quando você edita todas as suas filmagens para criar um corte preliminar do filme. Depois de terminar o corte bruto, você começará a adicionar coisas como efeitos sonoros, música, efeitos visuais e correção de cores. Este processo exigirá o uso de softwares de edição – se você não tiver confiança com esses programas, sinta-se à vontade para encontrar / contratar um editor experiente.

Nossa dica: antes de polir seu corte bruto, mostre-o para pessoas em cujas opiniões você pode confiar. É melhor que você descubra o que não está funcionando agora do que quando seu público estiver assistindo a versão final.

Confira também:  Introdução à edição de vídeo: Como construir significado em imagens

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O diálogo, em uma narrativa ficcional, carrega consigo uma grande quantidade de sensibilidades. Os roteiros são escritos por roteiristas que trabalham duro para criar e moldar um diálogo que expresse a personalidade de um personagem e avance a história. Os diretores trabalham duro para moldar e filmar uma cena repleta de diálogos, entregando a melhor expressão visual do que foi escrito. Os atores ensaiam incansavelmente para entregar o diálogo com a maior credibilidade. Quando a filmagem cheia de diálogo chega à área de trabalho do editor de vídeo, é um conteúdo carregado, interpretado por várias pessoas e criado a partir de seu suor e trabalho árduo. Isso coloca uma enorme responsabilidade sobre os ombros do editor. Eles precisam permanecer fiéis à visão de todos os que investiram na produção e fiéis à narrativa para avançar a história. Por isso, quando se trata de narrativa cinematográfica, o diálogo fala muito sobre a narrativa geral. 

As responsabilidades assumidas de editar uma cena diálogo e o papel do editor de criar uma história fluida e coesa podem ser uma tarefa assustadora, especialmente para o editor de vídeo que não está acostumado a trabalhar com diálogos com roteiro. Aqui estão algumas coisas que você deve ter em mente ao editar o diálogo. Colocá-los em prática ajudará a tornar sua edição mais fácil (via Videomaker).

1. Seja fiel à cena

Ao cortar o diálogo, geralmente existem prioridades conflitantes. Existe o roteiro como está escrito, a visão do diretor que é evidente na filmagem, e existe a intenção da cena. Às vezes, essas três coisas não se alinham da mesma maneira. Um roteiro deve funcionar como guia, mas isso não significa que ele se traduza perfeitamente nas filmagens. Por esse motivo, um diretor pode se desviar do roteiro para enfatizar um ponto específico. Da mesma forma, a visão de um diretor pode funcionar como uma filmagem bruta, mas nem sempre continua com a mesma intenção quando é montada junta. A primeira prioridade de um editor é permanecer fiel à mensagem pretendida da cena. Isso leva em consideração o roteiro escrito, as decisões da direção de filmagem e o que o editor vê na tela. A melhor maneira de entender o verdadeiro propósito de uma cena é olhar para ela no contexto da história geral.

Também é importante que o editor entenda que eles não funcionam isoladamente. Um trabalho cinematográfico acabado é o resultado de uma colaboração. Um editor precisa manter uma comunicação aberta com o diretor e o roteirista para entender o propósito do diálogo em sua edição. Simplesmente conversar com o resto da equipe de produção ajudará o editor a manter a perspectiva da filmagem que está editando.

2. Mantenha o ritmo enquanto editar uma cena de diálogo

Um dos maiores superpoderes que um editor de vídeo possui é a capacidade de compactar ou expandir o tempo. Um editor de vídeo controla uma cena de acordo com o seu andamento. A filmagem capturada é limitada a si mesma pela entrega do ator na tela e pela exibição da ação em tempo real. O editor de vídeo pode estender esse ritmo segurando uma única cena antes de ir para a próxima linha ou adicionando uma cena de reação. Ele podem acelerar as coisas fazendo cortes e sobrepondo-os uns sobre os outros. De qualquer forma, o ritmo do diálogo não é limitado pela atuação dos atores.

O ritmo da cena deve ser ditado pelo objetivo da cena – o que ela está tentando realizar. Um editor de vídeo precisa manter seu público em mente e saber que o público está tentando acompanhá-lo. Isso significa que ele pode precisar adicionar pausas para criar tensão e para deixar o público acompanha-lo. Ele também pode confundir o público ao colidir várias linhas de diálogo umas com as outras, forçando o público a seguir em frente e apenas pegar as falas que se destacam. Ambas as técnicas têm seu lugar na edição de vídeo, a chave está em usá-las com sabedoria.

3. Veja quem está falando agora

A maioria dos diálogos que acontecem em qualquer narrativa acontecerá entre dois ou mais personagens. Pareceria natural para o editor sempre usar a imagem da câmera da pessoa que está falando. A verdade é que cortar o diálogo não é tão simples assim.

O fluxo de uma conversa nem sempre é centrado na pessoa que fala, às vezes o verdadeiro impacto do que está sendo dito se reflete na resposta da pessoa que está ouvindo. Por esse motivo, a seleção das cenas deve focar na conversa e em como ela se relaciona com a história, ao invés de quem está falando no diálogo.

A câmera deve focar no ator entregando o diálogo quando o diálogo é comovente e revela algo sobre o personagem, especialmente se for um momento de crescimento para aquele personagem no arco geral da história.

Quando o diálogo de um personagem é revelador sobre outro personagem, ou é expositivo ao apresentar novas informações para outro personagem, pode ser melhor mostrar a reação desse personagem. É mais revelador ver a reação de um personagem a novas informações enquanto o público ouve a revelação dessa informação do que ver e ouvir o ator falando no diálogo.

O diálogo é principalmente um atributo relacional de uma narrativa. Ou seja, revela como dois ou mais personagens se relacionam. O uso do diálogo e as escolhas feitas por um editor a respeito de como exibir a entrega e recepção do diálogo contribuem em muito para estabelecer relações de personagem. Desta forma, um editor pode escolher mostrar dois personagens juntos, na mesma cena, enquanto um entrega o diálogo. Os dois planos podem construir intimidade ou revelar um cisma entre dois personagens. Isolar um personagem em uma tomada, quer esteja ouvindo o diálogo de outro personagem ou apresentando o seu próprio, revela sua relação e sentimentos sobre o que está sendo dito.

4. Converse sobre isso

O diálogo apresenta uma dinâmica única para o vídeo. O áudio montado para a edição precisa seguir uma linha narrativa que se conecta e faz sentido para o público. O editor assume a responsabilidade não apenas de contar uma história visual, mas também de contar uma história audível. Parte da beleza do vídeo é que ele é uma arte colaborativa, criada por meio dos esforços de muitas pessoas. Um editor de vídeo trabalha melhor mantendo um diálogo aberto com roteiristas, diretores e produtores. Se o editor fizer isso, ele será capaz de captar a visão de cada um e manter o diálogo alinhado com as intenções da narrativa.

5. Sidebar

O editor fica à mercê da produção, especialmente quando as cenas de diálogo exigem que mais de um ator fale ao mesmo tempo. Como resultado, a filmagem que chega à mesa do editor contém áudio sobreposto, com o diálogo de um ator ouvido através do microfone de outro ator. É um truque suficiente tirar filmagens separadas e amarrá-las em uma conversa coesa que flui naturalmente, mas pelo menos com apenas uma pessoa falando existem pontos de interrupção naturais onde um editor pode colocar um corte. Quando a caixa de diálogo se sobrepõe, é provável que haja muito menos pontos de interrupção para o editor colocar um corte natural. Existem algumas soluções alternativas que o editor deve saber para ajudá-los nessa situação.

Use cortes

A solução mais fácil é o editor usar planos cortados. É provável que haja alguns pontos de interrupção no áudio, mesmo que não haja continuidade visual. Um corte permite ao editor mascarar sua edição entre diferentes tomadas. A primeira cena rola e, enquanto a trilha de áudio continua, o vídeo é cortado. Abaixo da tomada de corte, o áudio corta para a segunda tomada e, quando o tempo é certo, a segunda tomada corta para a próxima.

Som ambiente

Há uma razão pela qual diretores experientes gravam o som ambiente de cada local. Um desses motivos é preencher lacunas silenciosas que ocorrem durante o processo de edição. Há momentos ao cortar diálogo sobreposto em que o editor pode remover partes do diálogo de um personagem fora da tela para isolar o diálogo do ator. Isso deixa um ponto morto vazio na trilha de áudio. O editor pode mixar o som ambiente gravado na mixagem de áudio neste ponto para suavizar as partes excluídas da trilha de áudio.

Confira também:  Cenas de cobertura: O que é necessário para a edição?

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O cinema é abençoado com uma grande quantidade de sequências de ação que nos empurram para a borda de nossas poltronas todos os anos como em filmes de super-heróis, agentes secretos, robôs e muito mais, todos cruzando nossas telas em momentos projetados para mexer com nossas emoções.

Mas, embora possamos conhecer muitas boas sequências de ação, as grandes que se tornam clássicas são mais raras.

Além de todos os envolvidos na criação de sequências de ação memoráveis (roteiristas, diretores, cinematógrafos, coordenadores de dublês, segundas unidades, coreógrafos de dublês), os editores são uma figura fundamental para fazer uma boa sequência virar uma ótima sequência.

Se eles usarem a técnica certa, claro.

Editar uma cena de ação clássica pode ser uma mistura de habilidade, experiência e alquimia, mas existem técnicas confiáveis que as melhores sequências usam e que os editores podem usar para deixar sua própria marca no gênero. Apresentamos cinco dessas técnicas aqui nesse texto (via Frame.io).

1. Cortar para os rostos dos atores para nos lembrar do fator humano

Personagens, e os atores que os representam, são a cola (não tão) secreta que mantém qualquer grande sequência de ação junta. Puxe uma sequência de ação clássica em sua cabeça – seja a perseguição de caminhão em Os Caçadores da Arca Perdida, a Batalha do Abismo de Helm em O Senhor dos Anéis: As Duas Torres ou a luta na sala inclinada em A Origem. Imagine reeditá-las sem mostrar quaisquer cortes ou ângulos que nos mostre os rostos dos personagens. Você ainda teria ação, mas algo estaria faltando: a sensação de que tudo aquilo importa.

Nenhum editor precisa ser informado sobre o valor de um plano de reação e que cortar para os rostos dos atores reagindo e olhando, orienta os espectadores para entender o que está acontecendo, onde está acontecendo, para quem e de que perspectiva. Mas usar planos médios ou em close-up durante a ação tem um propósito mais significativo quando feito da maneira certa.

Ver um ator expressar dor após levar um soco, ou ansiedade ao derrapar um carro em uma esquina apertada, nos lembra das apostas humanas – não importa o quão fantasiosa a ação possa ser.

Não são CGI ou efeitos especiais que tornam uma cena de ação verdadeiramente crível. É ser lembrado das apostas humanas e emocionais relacionáveis, a fim de cimentar a ilusão de que essas são pessoas de verdade, assim suspendendo nossa descrença e fazendo nos preocupar com eles. E quando um editor se lembra disso, isso nos permite, como público, imergir nas emoções (se não nas situações) que podemos reconhecer.

2. Cortar o movimento para adicionar energia e impulso.

A ação não deve ser apenas vista, deve ser sentida. E não apenas na forma emocional humana que descrevemos acima. Há uma razão pela qual muitas grandes cenas de ação são chamadas de cinéticas: elas podem possuir uma energia que salta da tela.

Normalmente, essa energia vem do movimento de objetos na tela, principalmente com a ação: punhos voando, carros derrapando nas esquinas, corpos se esquivando de explosões. Mas os editores podem acentuar a energia de uma sequência de ação para um efeito significativo, cortando o movimento.

Uma vez que um primeiro soco se conecte com um rosto durante uma briga, corte. Quando um braço se estica para apontar uma arma em um impasse mexicano, corte. Assim que o volante for girado para a esquerda durante uma perseguição, corte. Siga esses cortes com outro em movimento, e uma sequência e assim desenvolva um momento cinético. A ação assume um ritmo, como a batida de uma música pop cativante, o que a torna mais visceral e real, e transforma a ação em um sentimento.

3. Estabelecer e preservar a geografia do espaço

O trabalho de editar uma cena de ação, de muitas maneiras, é apresentar informações visuais para o público processar. A forma como essas imagens são editadas cria não apenas significado, mas como ou se esse significado será compreendido. Quanto melhor o público entender o que é mostrado, mais ele poderá ficar imerso na história. Isso é algo que tem sucesso em grandes sequências de ação, em grande parte por causa da geografia do espaço.

É importante garantir que o público esteja claramente orientado no espaço onde a ação acontecerá para enraizá-lo adequadamente em um lugar. Os primeiros cortes devem mapear a geografia de uma sequência e, em seguida, preservar com cautela a noção clara de espaço do público. Porque se o público perder isso, há o risco de desorientação e, em seguida, desapego enquanto tentam descobrir o que está acontecendo com quem e onde. 

Isso os obriga a se orientar, o que significa que não são capazes de sentar e prestar tanta atenção à história e à ação. Mas se você incorporar em seu fluxo de trabalho a prioridade para estabelecer e orientar a geografia de uma cena, isso pode ser facilmente evitado.

4. Cada corte deve servir ao mini arco narrativo de uma sequência de ação

Uma sequência de ação memorável não é apenas uma série de ações físicas ou balísticas. As melhores cenas do gênero estão todas a serviço da história maior de um filme. No entanto, as melhores também funcionam como mini-histórias autônomas com um começo, meio e fim que você poderia extrair do filme e que ainda fariam sentido narrativo. Elas são impulsionadas pela forma como uma história é frequentemente definida: um personagem querendo algo e precisando superar um ou mais obstáculos para consegui-lo.

(O vídeo do Nerdwriter sobre Abismo de Helm faz um excelente trabalho ilustrando a importância de uma cena de ação ser um mini-arco de história por conta própria.)

Uma técnica para garantir que isso aconteça é cortar qualquer cena que não sirva para a progressão da mini-história.

Editores não são apenas organizadores de filmagens, eles são contadores de histórias. E, como tal, cada tomada em uma cena de ação deve ser examinada para ver como ela avança a história. Porque, ao contar uma sequência de ação dessa maneira, ele cria uma narrativa que permitirá que a ação ressoe mais intensamente com o espectador e crie um feito narrativo mais completo que não pareça sem objetivo ou sem sentido. A ação deve ser entretenimento, mas também deve significar algo no âmbito do filme.

5. Permitir ações completas em uma cena

Uma reclamação comum sobre os filmes de ação modernos pode ser que muitos se tornaram indecifráveis. Uma mistura de trabalho instável de câmera e edição excessiva (corte muito rápido, com muita frequência) prejudica a capacidade do público de processar adequadamente o que está vendo. Isso pode levantar a questão: qual é o ponto de uma sequência de ação se você não pode realmente ver a ação que levou meses para uma produção ser montada?

Não há nada de errado com o corte rápido, é claro. A técnica mencionada anteriormente de corte em movimento frequentemente resulta nisso. Mas o que muitas das melhores sequências de ação garantem fazer, é permitir que uma cena mostre uma ação e um movimento completos.

Um bom exemplo do oposto disso é um momento muitas vezes ridicularizado em Busca Implacável 3, onde a única ação de Liam Neeson pulando uma cerca é dividida em 14 cortes diferentes. Se você garantir que qualquer cena mostre uma ação completa, terá uma chance muito melhor de permitir a apreciação e a imersão do público.

Como editar uma cena de ação: Conclusão

Essas cinco técnicas diferentes para editar uma cena de ação têm pontos em comum. O principal deles é que elas produzem o efeito imersivo que o melhor do cinema – do gênero ação ou outro qualquer – pode nos dar. Vamos ao cinema para ver o impossível tornar-se verossímil, para ver o ficcional feito para parecer real. Cada uma dessas técnicas editoriais contribui para o efeito alquímico disso, garantindo que o que é criado se torne algo que nos atrai mais profundamente e assim nos lembrando porque vamos ao cinema.

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01. Software de edição de vídeo: Adobe Premiere Pro

O melhor software de edição de vídeo para profissionais que usam Windows.

Plataforma: Windows e Mac | Principais recursos: Edição multicam, edição 3D | Teste grátis: Sim | Ideal para: profissionais de edição de vídeo, estudantes de edição de vídeo

+ Excelentes funções automáticas

+ Ferramenta de edição de vídeo padrão da indústria

+ Teste grátis disponível

– Custo mensal relativamente alto

Aplicativo individual do Premiere Pro: R$90,00/mês

Creative Cloud Todos os Apps: R$224,00/mês

Adobe Premiere Pro é um dos dois pacotes de software de edição de vídeo mais usados pelos melhores profissionais, desde vídeos e comerciais do YouTube a programas de TV ou filmes de grande sucesso. O outro é o Final Cut Pro, o segundo da nossa lista. Então, como você escolhe entre eles? Isso dependerá de vários fatores, mas o primeiro e mais óbvio é que o Final Cut Pro está disponível apenas para Mac. Portanto, se você é um profissional que usa o Windows, podemos definitivamente dizer que o Premiere Pro é o melhor software de edição de vídeo para as suas necessidades.

Outro fator a se ter em mente é que o Premiere Pro faz parte da Adobe Creative Cloud e interage perfeitamente com tudo, desde a ferramenta de motion graphics Adobe After Effects ao Adobe Stock, a partir do qual você pode importar vídeos, arquivos de áudio e imagens. Portanto, se a Creative Cloud já faz parte do seu fluxo de trabalho, esse é outro bom motivo para escolher o Premiere Pro.

Você pode assinar o Premiere Pro sozinho, mas se usar mais de um dos aplicativos da Adobe, você economizará dinheiro assinando o Creative Cloud. 

• Download do Adobe Premiere Pro CC

02. Final Cut Pro X

O melhor software de edição de vídeo para profissionais que usam Macs.

Plataforma: Mac | Principais recursos: edição multicam, balanceamento inteligente de cores | Teste grátis: 90 dias (oferta por tempo limitado) | Ideal para: profissionais de edição de vídeo, estudantes de edição de vídeo

+ Edição versátil e poderosa

+ Interface brilhante

+ Perfeito para usuários da Apple

– Custo relativamente alto

Final Cut Pro X: $299.99

Como mencionamos acima, é difícil dizer se o Final Cut Pro X é melhor no geral do que o Premiere Pro, ou vice-versa, porque ambos são ferramentas altamente respeitadas usadas em todo o setor. No entanto, existem algumas diferenças claras entre eles para ajudá-lo a escolher, e uma delas é o fato de que o Final Cut Pro X não tem assinatura. Portanto, se você é um usuário do Mac (observação: não há versão para Windows) e não gosta da ideia de uma assinatura infinita da Creative Cloud, o Final Cut Pro X permite que você pague apenas uma parcela única.

Otimizado para Mac, o Final Cut Pro X integra-se de forma inteligente com partes relevantes do ecossistema da Apple, como suas fotos ou coleções do iTunes. Ele também tem a vantagem de ser relativamente fácil de usar, apesar de conter recursos de nível profissional. Destes, gostamos particularmente da inovadora Magnetic Timeline, ferramentas de agrupamento, as variadas opções de efeitos, recursos organizacionais e a maneira direta de adicionar e editar áudio. Além disso, na versão mais recente, lançada em agosto, os vídeos agora podem ser analisados automaticamente quanto ao movimento dominante e cortados de forma inteligente com o Smart Conform para convertê-los em vídeo horizontal, vertical ou de qualquer outro tamanho; uma adição útil para quem exporta para plataformas sociais.

Ainda não tem certeza sobre o Final Cut Pro X? Então a boa notícia é que você tem muito tempo para brincar com ele antes de comprometer qualquer dinheiro: atualmente há um generoso período de teste de 90 dias. 

• Download do Final Cut Pro X

03. Adobe Premiere Elements

O melhor software de edição de vídeo para iniciantes e entusiastas.

Plataforma: Windows e Mac | Principais recursos: Estabilização de vídeo, detecção de rosto, rastreamento automático de movimento | Teste grátis: Sim | Ideal para: iniciantes e entusiastas da edição de vídeo

+ Fácil de usar

+ Muitos recursos

– Não tão poderoso quanto as outras opções

– Não tão rápido quanto os outros

Adobe Premiere Elements: $99.99

Talvez você não seja um profissional e não tenha ambições de se tornar um, mas apenas queira editar alguns vídeos para se divertir, como filmagens de família ou seu próprio canal no YouTube não muito sério. Ou talvez você esteja pensando em ser um profissional um dia, mas quer um software de edição de vídeo fácil de usar para começar? Para tais fins, o Premiere Elements da Adobe é uma ótima escolha.

Não é tão complexo quanto o Premiere Pro – número um em nossa lista, portanto, a interface parecerá menos assustadora para um novato e sua curva de aprendizado será muito mais direta. Mas ainda vem com recursos poderosos, como detecção de rosto, efeitos de áudio e trilhas sonoras agrupadas.

Você obtém todos os efeitos de vídeo que espera em um editor de vídeo: transições, chroma-keying, opacidade e assim por diante. A abordagem para edição de vídeo é muito simples e visual. Além da funcionalidade de pesquisa inteligente, opções de estabilização de vídeo e funções automatizadas, como rastreamento de movimento e tonificação inteligente, tudo ajuda a acelerar seu fluxo de trabalho. Uma coisa que gostamos especialmente no último lançamento (2020) é a capacidade atraente de substituir céus estáticos por em movimento em sua filmagem.

O Premiere Elements não faz parte da Creative Cloud, mas está disponível por uma taxa única. 

• Download do Premiere Elements na Adobe

04. Adobe Premiere Rush

O melhor software de edição de vídeo para o seu telefone.

Plataforma: Windows, Mac, iOS, Android | Principais recursos: motion graphics no aplicativo, suporte a 4K | Teste grátis: plano inicial grátis | Ideal para: entusiastas (apenas Premiere Rush), profissionais (com Premiere Pro).

+ Tudo pode ser feito no aplicativo

+ Excelente para edição de som

+ Ideal se você já conhece Adobe

– Plano gratuito limitado deixa a desejar.

Premiere Rush Starter: Gratuito

Aplicativo individual do Premiere Rush: R$43,00/mês.

Há mais um software de edição de vídeo da Adobe a ser considerado: um aplicativo para iOS e Android chamado Premiere Rush. Este aplicativo de plataforma cruzada relativamente novo disponibiliza todas as melhores partes do Premiere Pro em seu tablet ou telefone.

Um dos melhores aplicativos de edição de vídeo, o Premiere Rush apresenta uma versão simplificada da interface do Premiere Pro, com ícones e painéis grandes que são mais fáceis de clicar em uma pequena tela sensível ao toque. 

O Premiere Rush faz parte da assinatura da Creative Cloud ou você pode assinar apenas ele sozinho. Como alternativa, há um plano inicial gratuito que inclui acesso ao aplicativo, 2 GB de armazenamento em nuvem, exportações gratuitas ilimitadas no Premiere Rush mobile e até três projetos exportados no Premiere Rush desktop. Esse compromisso de custo zero o torna um dos melhores softwares para edição de vídeos para o YouTube.

• Download do Adobe Premiere Rush

05. Corel VideoStudio Ultimate

Software de edição de vídeo de alta qualidade para iniciantes.

Plataforma: Windows | Principais recursos: efeitos em tempo real, correção de cores | Teste grátis: 30 dias | Ideal para: iniciantes

+ Muito fácil de aprender

+ Boa seleção de ferramentas

+ Relativamente barato

– Muito básico (e incomum) para profissionais

Corel VideoStudio Ultimate: R$ 127,00

A Adobe pode dominar a metade superior de nossa lista, mas se você é um iniciante que deseja começar a usar um software de edição de vídeo, existem muitas outras opções para escolher. Portanto, vale a pena conferir o Corel VideoStudio Ultimate, principalmente se você já estiver familiarizado com o software de ilustração e design gráfico da Corel.

Este software tem uma interface adorável e muito visual que torna mais fácil começar a editar vídeos, embora existam alguns recursos poderosos para descobrir depois de dominar o básico. Incluindo rastreamento de movimento, suporte para 4K, suporte para vídeo VR de 360 graus, biblioteca de música, suporte para multicam, edição de texto 3D e milhares de efeitos. Tudo isso torna esta ferramenta uma boa opção pelo preço relativamente baixo.

• Download do Corel VideoStudio

Confira também: Continuidade no Filme: Principais fundamentos para manter a fluidez nas suas filmagens

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Se você é um editor de vídeo, entende o quão importante é a colorização, certo?

Ao lado da luz, a colorização tem a capacidade de transformar completamente o clima e o tom de um filme, sutilmente (ou às vezes não tão sutil) transmitindo mensagens-chave para o seu público e, como resultado, determinando como eles a interpretam.

Então, sabendo disso você sempre estará em busca do melhor software de colorização. Portanto, analisamos algumas das escolhas disponíveis no mercado. Confira a nossa lista para escolher entre os melhores softwares de colorização para editores de vídeo (via Freelance Video Collective).

Softwares de Colorização

→ DaVinci Resolve 16

O que gostamos:

• Versão gratuíta ou versão com Pagamento único
• Host de recursos poderosos
• Usado em Hollywood
• Capaz de editar vídeo (não apenas cor!)

Em primeiro lugar, DaVinci Resolve 16. Ao procurar o melhor software para colorização, você simplesmente não pode ignorar esta opção estelar da Blackmagic Design.

Embora seja capaz de muito mais (veja abaixo), o Resolve foi originalmente criado exclusivamente para colorização de ponta. E isso fica claro ao abri-lo.

Por exemplo, alguns de nossos recursos favoritos incluem os ‘nodes’ que você constrói como blocos de Lego, agrupando diferentes clipes com seus efeitos. Você pode então fazer alterações em massa nesses clipes se eles compartilharem os mesmos nodes.

Além disso, o face-tracking (‘face-refinement’) é excelente para fixar os rostos das pessoas, permitindo ajustar os olhos, suavizar a pele e clarear ou escurecer.

Da mesma forma, isso se aplica a “power windows”, onde você pode ajustar regiões específicas de seu quadro.

Além disso, a versão mais recente oferece equilíbrio automático de cores, redução de ruído e ferramentas de correspondência aprimoradas, fornecendo resultados incrivelmente precisos.

Em outras palavras, há muito poder a ser exercido com este software de colorização. Como mencionado anteriormente, o Resolve também é capaz de editar vídeos em geral e as pessoas estão começando a notar isso.

É quase um crime que tanto esteja disponível por um pagamento único de apenas US$299.

→ Red Giant Magic Bullet Colorista IV

O que gostamos:

• Plugin – pronto para usar!
• Funciona perfeitamente dentro do pacote Adobe
• ‘Correção de cor guiada’ para iniciantes
• Presets LUT incluídos.

Em segundo lugar em nossa lista de software para colorização – Red Giant Magic Bullet Colorista IV. Parece chique, não parece?

Ao contrário do DaVinci, este software é um plug-in, permitindo que você colorize diretamente sua filmagem usando qualquer software de edição de vídeo de sua preferência.

Na verdade, descobrimos que ele complementa o pacote Adobe particularmente bem, integrando-se perfeitamente.

Ele tem uma série de recursos brilhantes, incluindo o fato de funcionar a partir da GPU de sua placa de vídeo, permitindo ver instantaneamente as alterações feitas.

Ele tem uma série de presets LUT, e também permite que você traga os seus próprios, sem mencionar o suporte para filmagens de LOG com Look Up Tables integradas e muito, muito mais.

Tudo o que você espera como um editor de vídeo está aqui, por apenas US$ 199. Nada mal mesmo.

→ Adobe Premiere Pro (Lumetri)

O que gostamos:

• Salva os presets que você gosta para as colorizações futuras
• Muito semelhante a outro software Adobe (rodas de cores tradicionais, curvas e sliders)
• Vem gratuitamente como parte do Premiere Pro (assinatura do Adobe Cloud necessária).

Todos sabemos que a produção de filmes pode ser cara. Se você já está pagando por uma assinatura da Adobe para obter acesso ao Premiere Pro e ao After Effects, talvez não queira desembolsar algumas centenas de reais para um software de colorização.

“Por que eu deveria?!”, eu ouço você gritar…

O DaVinci Resolve é incrível e o Colorista é ótimo, mas o software interno de colorização do Adobe Premiere Pro também não é nada mal, você sabe.

Está melhorando a cada ano e pode ser a opção certa para você, dependendo do seu conjunto de habilidades e nível.

Conhecido como painel Lumetri, junto com os efeitos aos quais todos nós nos acostumamos ao usar no Premiere, nas edições recentes agora existem rodas de cores, curvas e sliders mais tradicionais disponíveis, permitindo a você mais controle sobre cada detalhe de sua colorização.

Para quem usa outros aplicativos da Adobe, como Lightroom e Photoshop, esses recursos farão você se sentir em casa.

Embora um pouco menos poderoso, o Lumetri agora oferece muitos dos mesmos recursos do Colorista. Uma opção realmente sólida para quem quer evitar gastar dinheiro.

→ Final Cut Pro X (Color Board)

O que gostamos:

• Ferramentas de colorização conhecidas (curvas, rodas, sliders)
• Vem de graça, integrado ao FCPX
• Tudo pode ser feito facilmente em um só lugar

Por último, se vamos olhar para o Premiere Pro, também temos que olhar para a outra alternativa mainstream.

Da mesma forma, a opção do Final Cut Pro X, Color Board, é um software realmente bom que está integrado em sua suíte de edição.

Ele vem com todas as ferramentas que você espera que um bom software de colorização tenha.

• Rodas de cores dinâmicas para resolver rapidamente os problemas de equilíbrio de cores e exposição em suas fotos.
• Curvas para sombras e highlights ou HUE’s e SAT’s, ajudando a remover projeções de cores de sombras, matizes de destaques. Suporte LUT, combinação de cores.

Está tudo aqui, pronto para ser ajustado.

Claramente, ao pesquisar o melhor software de colorização para editores de vídeo, um fator-chave que você está procurando é flexibilidade.

Como resultado, você deseja ser capaz de fazer tudo em um só lugar. Pode-se argumentar que seu Final Cut Pro X agora se encaixa no que você quer.

Bônus: Correção de cor

Além disso, além dos softwares gerais de colorização, você também pode encontrar programas como FilmConvert Nitrate e NeatVideo. Softwares de colorização como estes são especializados em alguma função.

Por exemplo, o FilmConvert pega seu vídeo digital e adiciona uma bela ‘sensação de filme’ com efeitos granulados e de cor. Ele também pode emular vários stocks de filmes diferentes.

Enquanto isso, o NeatVideo destruidor de grãos suavizará suas imagens granuladas e com pouca luz. Quase como mágica.

Além disso, se você estiver procurando por LUTS rápidos para usar em um projeto, dê uma olhada no Lutify.me. Ele fornece LUTs padrão da indústria de nível comercial para colorização mais rápida / fácil e para uma aparência de filme criativa.

Claro, você pode argumentar que pode fazer isso com qualquer um dos programas acima.

Você pode, mas essas funções específicas de software de colorização estão no topo de seus campos selecionados. Às vezes, sua filmagem estará longe demais para algo como o Lumetri Color consertar e você precisa desses especialistas.

Claramente, vale a pena fazer alguma pesquisa porque você ficaria surpreso com o que está disponível por aí. Muitas vezes, são os pequenos programas e plug-ins individuais que podem fazer uma grande diferença.

Eles vão custar mais – às vezes muito – mas sempre valem a pena.

Conclusão – Melhor software de colorização

Então, aí está. Uma seleção dos melhores softwares de colorização para editores de vídeo.

Em conclusão, se você está apenas começando e talvez não tenha o maior orçamento. Lumetri ou Color Board será sua melhor escolha (dependendo do software de edição que você usa).

Mas se você está procurando se atualizar e ter mais poder do que você já tem, olhar para algo como Colorista ou DaVinci Resolve é a opção certa. Além disso, você encontrará uma quantidade infinita de outros recursos e programas (FilmConvert e NeatVideo).

Confira também: Cor na cinematografia: Como usar cores nos filmes

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