É de conhecimento geral que os maquiadores tradicionais tornam os atores e atrizes (e o resto de nós!) Mais atraentes, escondem as falhas e aumentam a beleza. Mas transformar personagens em criaturas assustadoras, feridas, sobrenaturais ou mutiladas para o cinema, a TV e o palco é o papel dos maquiadores de efeitos especiais (maquiadores SFX).

Esses profissionais sabem simular o aparecimento de lesões, envelhecimento, outras características mundanas e deformidades. Eles sabem como criar feridas de bala e queimaduras, e podem até mudar completamente o formato do nariz de alguém. E eles fazem tudo isso parecer real! Vamos conhecer mais sobre como funciona a maquiagem de efeito (via New York Institute of Beauty).

Maquiadores SFX e suas ferramentas e materiais

Os maquiadores de efeitos especiais usam maquiagem padrão de palco / filme, mas também usam uma variedade de próteses – geralmente feitas de látex, silicone ou borracha. Alguns até incluem peças robóticas móveis.

Criar essas alterações realistas geralmente significa muitas horas com o ator na cadeira, com o artista SFX trabalhando duro. É necessária uma atenção meticulosa aos detalhes no processo de várias etapas de reforma do rosto.

Qualidades de um grande maquiador SFX

Os artistas SFX devem ser capazes de se comunicar bem com os atores e membros da equipe enquanto planejam suas mudanças no SFX e mantêm uma presença calma durante a aplicação e os testes de maquiagem. Eles terão que coordenar seu trabalho com o departamento de efeitos especiais, bem como com figurinistas e maquiadores convencionais.

Em quais tipos de projetos os maquiadores SFX trabalham normalmente?

Os maquiadores de efeitos especiais costumam trabalhar em ficção científica e filmes de terror, mas são necessários em qualquer filme em que os personagens passam por uma mudança dramática na aparência.

Por exemplo, um personagem pode precisar de dez, vinte ou mais anos. Eles podem precisar ser baleados ou espancados ou passar por uma transformação sobrenatural. Isso significa que o artista SFX é uma presença importante no set de muitas produções. De zumbis a vítimas de tiros, alienígenas a monstros, os artistas SFX criam a realidade na tela que dá vida à história do cinema, da TV e do palco.

Ideias de maquiagem de efeito para iniciantes 

1. Cortes e feridas

Itens necessários:

• discos de algodão
• cola branca
• sangue falso (você pode fazer o seu próprio – veja o número 2)
• sombra ou tinta (opcional).

O artista neste vídeo usa cola, discos de algodão e sangue falso para criar três tipos diferentes de feridas. É bastante comum não ter látex líquido quando você está começando e cola branca ou cola para cílios são alternativas excelentes. Se você quiser acelerar o processo de secagem, é definitivamente uma boa ideia obter uma ajudinha de seu secador de cabelo. Para fazer cortes e feridas com esse tipo de técnica, você pode usar cola branca ou cola para cílios e bolas de algodão, discos de algodão, papel de seda ou basicamente qualquer outra coisa com que você possa fazer uma ferida. Você pode colorir suas feridas com delineador labial vermelho, sombras, pinturas faciais ou uma roda de hematoma. Use diferentes tons de sombra ou tintas para adicionar realismo e profundidade às suas feridas.

2. Sangue falso

Itens necessários:

• corante alimentício vermelho
• outros produtos de cozinha opcionais, como cacau em pó e xarope de milho.

Muitos tutoriais, como o primeiro que coloquei nesta lista, presumem que você já tenha sangue falso. Mas se não tiver, não tem problema. Sangue falso é provavelmente um dos produtos de maquiagem SFX mais fáceis de fazer em casa e existem zilhões de diferentes receitas possíveis por aí. Foi escolhido esse tutorial do Ellimacs porque eles fornecem quatro receitas diferentes e são todas coisas que você pode encontrar facilmente em sua casa. Com um pouco de experimentação, você pode até criar sua própria receita de sangue falso. Outra razão pela qual foi escolhido um tutorial caseiro de sangue falso é que nunca se sabe se um sangue comprado em loja é seguro para a boca ou não, então se você for colocar sangue na boca é melhor saber que tudo veio de coisas da sua cozinha. Uma terceira razão, como se você precisasse de mais alguma para escolher um sangue falso saboroso e caseiro, você pode realmente personalizar a cor e a consistência do seu sangue. Dependendo da idade do sangue, de onde está fluindo, quão vermelho brilhante e berrante você quer que pareça, um jarro de sangue padrão pode não funcionar para você. É definitivamente útil saber como personalizar seu próprio sangue falso.

3. Gelatina FX e Próteses de Gelatina

Itens necessários:

• gelatina
• glicerina
• água

Há tantos tutoriais de próteses usando silicone, látex, espuma de látex e tantos outros produtos que provavelmente um maquiador iniciante não tem em casa. Usar gelatina FX caseira para próteses é tão incrível quando você está começando porque é barato e fácil. Se você não gosta de como sua prótese sai, você pode facilmente fundir a gelatina novamente e tentar novamente. Os materiais de que você precisa para fazer essa mistura são gelatina, glicerina (que são fáceis de encontrar em seu supermercado ou farmácia) e água.

Foi incluído um segundo tutorial sobre esculpir e moldar com argila, gesso e gelatina, mas você pode estar usando sua gelatina de várias maneiras diferentes. O gesso é muito barato e fácil de usar. É importante salientar que você nunca deve aplicar o gesso diretamente na pele porque ele aquece durante a cura, portanto, sempre use uma escultura de argila em vez da pele para criar o molde de gesso. Ao usar gelatina, você pode optar por aplicá-la diretamente na pele para criar efeitos diferentes, mas, novamente, tome cuidado com a gelatina porque ela fica muito quente quando você a derrete.

Qual dessas ideias de maquiagem de efeito para iniciantes você vai experimentar?

Todos esses tutoriais não são apenas úteis para mostrar truques que não exigem nenhum produto especial de SFX, mas também para fazer com que você olhe para as coisas que tem ao seu redor e considere outro uso para elas. Muitas das melhores maquiagens SFX não usam nada mais do que suprimentos de supermercados e a própria criatividade do artista.

Quando você está apenas começando com a maquiagem SFX, é muito importante praticar o máximo que puder e ficar realmente confortável com a criação de feridas falsas, contusões, próteses e todas essas outras coisas boas. Não há necessidade de esperar até ter um kit profissional completo para fazer isso, apenas encontre uma maneira de contornar a necessidade daquele produto e vá em frente! (via MixxSFX).

Confira também: Direção de arte: 7 pequenos detalhes que você não pode esquecer

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Não subestime o poder da maquiagem no audiovisual! (via cinelinx).

Usando maquiagem no audiovisual para criar um estilo

Exemplo: Edward Mãos de Tesoura (1990)

Enquanto Edward Mãos de Tesoura pode ser um dos personagens mais amados de Burton por causa da atuação de Johnny Depp, o personagem também é memorável por sua aparência. Para começar, há seu cabelo de ninho de pássaro. A aparência rala de teia de aranha não só reafirmou o público sobre a existência triste, solitária e sem pais de Edward, mas também se tornou um identificador fácil para o estilo gótico de Burton. Na verdade, o penteado selvagem, indomado, mas sólido, de Edward era semelhante ao de Beetlejuice, cujo filme foi lançado dois anos antes, e seria semelhante a muitos outros personagens que veríamos em filmes posteriores de Burton.

A maquiagem branca pastosa de Edward ajudou o público a entender que ele não era apenas um homem normal. A cor pálida de sua pele ajudava a destacar seu cabelo e roupas pretas, mas também era usada para enfatizar as cicatrizes em relevo em seu rosto. Ao direcionar a atenção do público para as feridas auto infligidas acidentalmente, o público de certa forma sente pena de Edward, o que é uma necessidade para a história funcionar. E o personagem Edward Mãos de Tesoura também deve muito ao supervisor de efeitos especiais Stan Winston, que já havia trabalhado em Aliens, O Enigma de Outro Mundo e O Exterminador do Futuro. Especificamente, Winston trouxe seu conhecimento de próteses funcionais para Edward Mãos de Tesoura para criar a característica mais memorável do personagem.

Usando maquiagem para expressar uma opinião

Exemplo: A Mosca (1986)

Enquanto a maioria dos filmes de Cronenberg apresenta trabalhos de maquiagem louváveis, aqui escolhemos destacar A Mosca porque os efeitos de maquiagem são uma parte muito importante do filme e de sua história. O filme rendeu um Oscar para o artista Chris Walas e para o trabalho de sua equipe na transformação do cientista Seth Brundle em um híbrido humano / mosca. O filme é considerado uma metáfora para os efeitos do envelhecimento e, portanto, a equipe de efeitos se concentrou em fazer a aparência de Brundle parecer mais frágil com o tempo. Isso inclui manchas na pele, queda de cabelo e postura corporal cada vez mais curvada. Eles começaram criando primeiro o visual do estágio final da transformação e, a partir daí, retrocederam para representar as diferentes etapas durante o curso do filme. Cronenberg realmente queria mostrar o desamparo de todos nós à medida que envelhecemos, e ele usou cenas como as unhas de Brundle caindo para nos lembrar de nossa mortalidade. Embora grotescos e perturbadores, os efeitos de maquiagem e criatura usados ​​em A Mosca são eficazes.

Maquiagem como um mecanismo de plot

Exemplo: Tootsie (1982)

A maquiagem no audiovisual permite que os atores se transformem em seus papéis, e nenhum filme destacou essa observação tão bem quanto Tootsie. No filme, Dustin Hoffman interpreta um ator chamado Michael Dorsey, que não consegue um emprego como ele mesmo. Como resultado, ele se veste de mulher e cria uma nova identidade. Ele se apaixona por sua nova persona e, devido ao seu sucesso, torna-se mais confiante. O filme torna-se, portanto, uma exploração interessante da beleza interna e externa, bem como do impacto que a maquiagem e a aparência podem ter na vida de um indivíduo. Por um lado, a maquiagem deixa Dorsey mais perceptível e, quando as pessoas o notam, valorizam seus talentos. Por outro lado, uma vez que ele se torna esse novo personagem, ele percebe coisas que nunca havia notado sobre si mesmo, das quais sente falta. Quando Dustin Hoffman se inscreveu para o papel, ele queria ter certeza de que a personagem feminina que interpretou parecia o mais realista possível. A equipe de maquiagem passou por várias rodadas de testes a fim de obter o visual perfeito no filme.

Uso inovador de maquiagem para criar algo novo

Exemplo: O Mágico de Oz (1939)

O Mágico de Oz foi a maior produção cinematográfica de seu tempo e realmente preparou o cenário de maquiagem e figurinos sofisticados para as décadas seguintes. Com tantos personagens que precisavam de maquiagem antes de filmar, o estúdio realmente criou uma “linha de montagem” para reduzir o tempo de preparação. Esse planejamento avançado para aspectos da produção, como maquiagem, foi um importante ponto de inflexão na produção de filmes que mais tarde se tornaria uma necessidade à medida que os filmes se tornassem maiores e mais complicados. Para o público, foi emocionante ver um filme mainstream com personagens variados e de aparência realista que não eram humanos. O sucesso e o status duradouro do filme ajudaram a convencer os estúdios de que maquiagem e efeitos de figurino mais realistas podiam valer o esforço extra.

Na verdade, os atores de Mágico de Oz enfrentaram muita luta para fazer tudo certo. O Homem de Lata originalmente deveria ser interpretado por Buddy Ebsun, mas ele desenvolveu uma alergia à maquiagem que o levou ao hospital por 6 semanas para se recuperar. Jack Haley foi o seu substituto e ele teve que trabalhar em um terno de metal incrivelmente restritivo que não lhe permitia sentar. Os trajes e a maquiagem do Leão Covarde, do Espantalho e da Bruxa Má eram tão realistas que os funcionários da MGM que não faziam parte da produção pensaram que eram reais. A MGM fazia com que os atores que representavam esses personagens almoçassem em seus trailers quando fantasiados, porque assustavam demais as pessoas. Por fim, o filme também desenhou seus figurinos e maquiagem em torno do processo Technicolor. A filmagem colorida exigia muita iluminação, então a maquiagem não precisava destacar as características faciais tanto quanto era típico em preto e branco. Em vez de chinelos prateados como no livro, um dos diretores do filme escolheu chinelos vermelho rubi para destacar o efeito de cor. Da mesma forma, o branco não ficava bem em Technicolor, então, em vez disso, um tom claro de rosa foi usado onde trajes brancos eram necessários, como a blusa de Dorothy.

Confira também:  Como fazer um storyboard: Principais fundamentos

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Nesta postagem, revisaremos os fundamentos da gravação de som direto no set. Isso inclui equipamentos, elementos e técnicas de gravação adequadas (via StudioBinder).

Sistemas de som direto: Qual é o certo para o seu projeto?

O que é single system?

Quando se trata de captação de som de filme e vídeo, a primeira coisa que você precisa determinar é se usará um single system ou double system.

Em um single system, o áudio é capturado diretamente na câmera e gravado simultaneamente com a imagem. Para um double ou dual system, o som é capturado independentemente da câmera e em um gravador de áudio digital.

A vantagem de um single system é que ele não exige que o áudio seja sincronizado na pós-produção. Isso é vantajoso em formatos de notícias e documentários que geralmente exigem uma rápida entrega do material.

O que é double system?

O double system é ideal se sua câmera não tiver entradas de áudio de alto nível. Mas o mais importante, um double system oferece uma qualidade de áudio maior. Um dos motivos pelo qual ele oferece isso é por causa que ele oferece uma taxa de amostragem mais alta.

Quando um sinal analógico é convertido em digital, as curvas do sinal de onda precisam ser divididas em amostras. O número de vezes que uma onda é mostrada determina a precisão com que a conversão digital corresponde ao original. Quanto mais amostras coletadas por segundo, mais precisa será a representação digital.

Esse processo é conhecido como quantização e é medido em quilohertz (kHz). Por exemplo, 11 kHz seria um som de baixa qualidade e 48 kHz seria o padrão para gravação de som digital.

Os double systems também oferecem maior profundidade de bits (bit depht). Este termo se refere a quantos valores diferentes de amplitude cada amostra de som possui. Quanto maior a profundidade de bits, mais preciso um sistema pode registrar e reproduzir as flutuações sutis em uma forma de onda.

Por exemplo, o áudio de 16 bits, que é padrão para um gravador de áudio digital, pode capturar 65.536 valores diferentes de som. Isso contribui para a riqueza e complexidade da gravação de som.

Talvez o benefício mais aparente do double system seja que o áudio não precisa ser conectado à câmera.

Se você tem um projeto que depende muito de filmagens de Dolly e Steadycam, não quer correr o risco de tropeçar em cabos ou equipamentos excessivos. Desta forma, você pode se concentrar na imagem, sabendo que o design de som não ficará comprometido.

Esteja usando um single system ou double system, é importante identificar qual configuração é mais apropriada para o seu projeto.

Tipos de ruído indesejados: Ruído adicional que você deseja evitar

O que é ruído controlável?

O ruído controlável é a interferência que pode ser gerenciada.

Os maiores infratores desse tipo de ruído são geladeiras, telefones celulares e eletrônicos pessoais. Certifique-se de que todos os telefones e aparelhos estejam desligados.

Mas, especialmente quando se trata de refrigeradores, lembre-se de ligá-los novamente após a produção pelo motivo óbvio.

O que é ruído incontrolável?

Como o nome sugere, o ruído incontrolável se origina de forças fora de nosso controle. Pode ser um carro ou avião que passa, ou música que emana de um prédio próximo.

É aqui que entram em jogo os fones de ouvido profissionais. Se você perceber alguma dessas interferências indesejadas, certifique-se de anunciá-las no set. Espere até que o som pare, ou se não parecer que vai parar tão cedo, vá para outro local.

Uma grande parte de um bom design de som e uma boa gravação de som virá por meio de um operador de som experiente. Embora o som seja possivelmente mais da metade do seu projeto, muitas produções limitam sua equipe de áudio.

Independentemente da sua filosofia, você quer uma pessoa experiente no set. Ao organizar seu elenco e equipe, você pode inserir informações de contato de mixadores de som e operadores de boom em sua agenda.

Isso não se limita às pessoas que você contrata, porque você pode querer manter uma lista altamente organizada de potenciais profissionais de som prontos para caso você precise.

Tipos de microfone: Os diferentes tipos de mics que você pode usar

Microfones shotgun

O microfone shotgun se tornou o padrão da indústria para gravação de som direto de filme e vídeo.

O que é ótimo sobre este dispositivo em forma de zepelim é que ele pode captar áudio sem capturar o ruído ambiental excessivo.

Freqüentemente, o microfone shotgun é montado em uma haste de boom, onde pode ser segurado acima ou abaixo de um ator para capturar o diálogo.

Além disso, acessórios protetores de vento, como um “blimp” ou o “dead cat”, se encaixam perfeitamente no microfone e reduzem os ruídos.

Microfones Dinâmicos

Microfones dinâmicos são os que você imagina quando normalmente pensa em um microfone. O mesmo que a maioria dos cantores segura quando canta.

Embora um microfone dinâmico não tenha a capacidade direcional de um microfone shotgun, ele é excelente para gravar em espaços barulhentos.

Esses microfones não requerem alimentação externa e não possuem um amplificador interno. Por causa disso, eles tendem a ser usados durante transmissões ou performances.

Microfones de lapela

O microfone de lapela é um microfone omnidirecional que se prende à roupa de um ator. Eles tendem a ser usados quando um ator irá se mover com frequência na cena.

O posicionamento desse tipo de microfone é fundamental para uma boa captação de som. Como o microfone de lapela não tem o equilíbrio de frequência de outros dispositivos, ele pode adicionar uma qualidade nasal indesejada ao diálogo.

Além disso, o microfone de lapela opera por meio de um sistema sem fio. Isso, claro, oferece um maior grau de movimento, mas corrói a vida útil da bateria muito rapidamente. Também existe o risco de uma interferência de rádio estragar um take.

Quando possível, a segurança de uma conexão com fio é sempre preferida na gravação de som.

Confira também:  Porque o silêncio no filme é importante?

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Confira os fundamentos básicos da coloração em vídeos e filmes no texto abaixo. 

Para que serve a coloração em vídeos?

Coloristas usam a coloração para ajustar diversos aspectos da imagem: contraste, equilíbrio de cores, equilíbrio de branco, nível de preto, saturação e luminância (via MasterClass).

A coloração é usada para fins artísticos, para garantir que a paleta de cores do filme transmita uma atmosfera, estilo ou emoção específica. Por exemplo, um colorista pode usar mais vermelho em momentos dramáticos para representar paixão, raiva e poder. 

A coloração pode até mesmo esclarecer elementos da narrativa de um filme, talvez adicionando um tom distinto a flashbacks ou a cenas que acontecem em um local diferente para diferenciá-los do resto do filme.

Correção de cor

A correção de cor é utilizada para deixar as filmagens mais naturais, pois a câmera não capta luz da mesma forma que nossos olhos. Ela também corrige qualquer erro de luz que houver nas imagens, como uma imagem muito escura.

Por exemplo, se um ator dá seu melhor desempenho em uma cena com defeito de iluminação, um colorista de filme pode salvar a cena corrigindo a iluminação, para que assim pareça consistente com o resto da filmagem. As ferramentas de correção de cores também podem otimizar a filmagem para que quaisquer efeitos visuais adicionados (VFX) se misturem da forma mais natural possível.

O cérebro e sua percepção das cores

Um dos maiores desafios na correção de cores é entender o quão subjetivo é o sistema perceptivo humano. O cérebro humano é incrivelmente adaptável e está constantemente ajustando as imagens que passam por nosso córtex visual para fazer mais sentido para nós (via moviola.com). 

Em outras palavras, a maneira como nosso cérebro percebe uma imagem é muito diferente da maneira como nossos olhos a vêem fisicamente, por exemplo, aqui vemos uma banana amarela contra um fundo esverdeado:

A banana é de fato vermelha, mas seu cérebro está tentando reconciliar sua experiência com bananas com o que está vendo, e o resultado é uma interpretação de que o fundo cinza é na verdade verde.

A cor como a conhecemos então não é um atributo físico de um objeto, é a confluência de processos físicos e cognitivos que acontecem com uma imagem em seu caminho para nossa consciência. Alguns dos fatores mais importantes para informar nossa interpretação das cores em uma imagem são:

• O que você viu imediatamente antes da imagem atual em que está trabalhando;
• Há quanto tempo você está olhando para a imagem atual;
• O contraste acontecendo dentro do quadro da imagem que você está olhando;
• Sua própria história pessoal de objetos em suas cores.

Matiz e Saturação

As cores em filmes e vídeos são normalmente divididas em três cores primárias: vermelho, verde e azul. Por que essas três cores? Bem, simplesmente porque essas três cores correspondem ao mecanismo físico que usamos para ver as cores em nosso mundo.

Como humanos, temos fotorreceptores chamados cones, alguns cones medem o comprimento de onda da luz azul, outros vermelhos e outros verdes. Portanto, ao separar as cores em vermelho, azul e verde, conseguimos a melhor correspondência para a forma como nosso público humano percebe as cores.

Quando diferentes cores se sobrepõem, elas se somam. Uma sobreposição de duas cores nos dá cores secundárias: amarelo, ciano e magenta. Combinadas com as primárias, essas seis cores são aquelas com as quais lidamos principalmente no processo de correção de cores.

Na correção de cores, isso normalmente é representado como um círculo cromático:

Em um círculo cromático, o ângulo em torno da roda representa o matiz, a essência da cor. Afastar-se do centro em direção à borda do círculo representa o quão saturada é uma cor. Uma maneira fácil de pensar em uma saturação de cores é na verdade no reverso, pense nisso como uma tonalidade de cinza. Quanto mais próxima uma cor estiver do centro da roda, mais fraca ela ficará, ou branco se a cor for extremamente brilhante. Quanto mais perto da borda da roda, mais forte é a cor. Em resumo, o ângulo de uma cor ao redor do círculo cromático é seu matiz e a distância do centro é sua saturação.

Gráficos para coloração em vídeos

Ao corrigir e graduar as cores, é importante avaliar com precisão o seu vídeo. Seu monitor pode não estar devidamente calibrado, então ele não é confiável, e nossos olhos se adaptam à imagem, então não podemos confiar neles também. É aqui que entram os gráficos de vídeo.

Os gráficos nunca mentem, mas eles podem ser bastante intimidadores se você nunca aprendeu como interpretá-los. Abaixo há uma definição simples dos principais gráficos disponíveis nos softwares de coloração. Vamos começar com o wavefom.

Waveform 

Com o waveform, você pode ver o quão clara ou escura é cada parte de sua imagem. Como o nome sugere, ele mostra o brilho da imagem representado como uma forma de onda. 

Se você estiver editando HD, o preto é 0 e o branco é 100. Os níveis abaixo de 0 na parte inferior do gráfico serão cortados e os níveis acima de 100 próximos ao topo do gráfico também serão cortados, então você deseja que seus níveis sejam dentro da faixa de 0-100. No entanto, isso é verdadeiro apenas para vídeo SDR (Standard Dynamic Range). Com os padrões Ultra-HD, vem a entrega de High Dynamic Range, onde os brancos podem chegar a 10.000.

Aqui está uma foto subexposta com sua waveform:

O nível máximo – a área mais brilhante – atinge o pico em torno de 80 no gráfico. A parte mais brilhante desta imagem são as nuvens, então isso significa que as nuvens não serão totalmente brancas. A parte mais escura fica em torno de 5 no gráfico, o que significa que nenhuma parte dela é totalmente preta. Esta é uma informação realmente boa quando queremos corrigir a exposição.

Aumentando os níveis de branco, diminuindo ligeiramente os pretos e tornando os tons médios muito mais brilhantes, podemos utilizar toda a gama dinâmica da imagem. 

A figura abaixo mostra como as partes mais brilhantes, as nuvens, sobem até 100 após a correção da imagem – mas não acima disso:

Isso significa que não estamos cortando o branco, mas as nuvens estarão totalmente brancas. Além disso, os pretos são um pouco mais baixos, com picos muito pequenos quase tocando a linha 0.

Padrão RGB

O waveform mostra apenas os valores de luminância da imagem, não nos diz nada sobre as cores. O Padrão RGB mostra todas as três cores que compõem uma imagem de vídeo lado a lado.

Vetorscópio

O vectorscópio YC é o gráfico que você usará para medir o matiz e a saturação de suas cores. A distância do centro indica a saturação das cores. Um pequeno ponto no centro significa que é uma foto em preto e branco. Um traço próximo ao círculo ao redor significa que suas cores estão supersaturadas.

Você vai querer usar o vetorscópio ao ajustar o tom da pele por exemplo, e para verificar a saturação de uma cor.

O ângulo do traço no vetorscópio informa a tonalidade dos pixels da imagem. Quanto mais brilhante for o gráfico em um determinado ângulo, mais pixels na imagem terão essa cor.

Conclusão

A coloração em vídeos é utilizada tanto para a correção de cor, quanto para fins artísticos. E essa não é uma tarefa nada fácil, principalmente porque nosso cérebro percebe uma imagem de uma forma muito diferente da maneira como nossos olhos a vêem fisicamente.

Uma das principais ferramentas utilizadas na coloração em vídeos é o círculo cromático, que representa o matiz e a saturação. Outras ferramentas muito utilizadas pelos coloristas são os gráficos, como o Waveform, o Padrão RGB, e o Vetorscópio. 

Confira também: Como editar uma cena de diálogo: 5 principais dicas de edição para você

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Na segunda etapa da correção de cor você isola partes específicas da imagem e ajusta sua cor separadamente do resto da imagem.

Neste texto, daremos uma olhada nas etapas envolvidas na correção secundária de cor, desde o mascaramento de partes da imagem até a combinação dessas máscaras para isolar regiões muito específicas.

Estaremos usando como exemplo o DaVinci Resolve da Blackmagic porque é uma espécie de padrão da indústria para correção de cor e porque é gratuito (via moviola.com).

Correção de cor: Mattes

A segunda etapa de correção de cor trata da criação de mattes para mascarar certas partes da imagem. Esses mattes são normalmente criados de duas maneiras: eles podem ser gerados com um keyer ou podem ser articulados manualmente com uma curva spline. 

Uma palavra rápida sobre a terminologia aqui, os termos mat e máscara são freqüentemente usados como o mesmo significado, mas mat na verdade se refere a qualquer imagem em tons de cinza que isola partes de uma imagem mestre, quando é usado para limitar o efeito de um filtro como um corretor de cor é chamado de máscara . 

Em outras palavras, a imagem em tons de cinza é um mat, e o mat pode então ser aplicado como uma máscara.

Fazendo mattes simples

Antes de entrarmos no assunto, aqueles de vocês que vêm de motion graphics ou efeitos visuais precisam entender o modo preguiçoso de trabalhar do colorista. 

O olho humano está mais preocupado com o contraste de luminância do que com os detalhes das cores. Dê uma olhada nessas duas imagens:

A imagem à direita teve suas informações de cor borradas, mas deixou seu canal de luminância intacto. Você percebe a diferença entre os dois? Provavelmente não muito, embora se você for mulher, sua visão superior das cores pode revelar as diferenças.

Mas dê uma olhada na mesma imagem se borramos o canal de luminância tanto quanto borramos os canais de cores:

Seus olhos perdoam as informações precárias espaciais de cor, desde que a luminância ou o contraste permaneçam nítidos. Assim, não precisamos nos preocupar muito sobre exatamente onde ficam as bordas dos mattes. 

Normalmente são usados mattes circulares ou retangulares simples com uma quantidade generosa de desfoque para criar correções de cores locais:

Os artistas de efeitos visuais estão acostumados a definir mattes em linhas muito precisas, mas esse tipo de detalhe é um exagero para a maioria dos trabalhos com cores e só retardaria o processo. Na verdade, existem muitas outras maneiras de criar mattes além de keys e curvas spline: Motion vector, pincéis e os mapas de disparidade são apenas alguns exemplos, mas a maioria deles leva mais tempo do que necessário para a correção de cor. Portanto, você pode salvar esse tipo de magia de pixel para seus efeitos visuais.

A maneira mais simples de criar um matte secundário é usar uma forma simples, também chamada de power window. Círculos e quadrados são provavelmente os mais comuns e são usados em uma ampla variedade de cenas.

Rastreamento

Até aqui tudo bem, mas quando pressionamos play nossa power window infelizmente fica exatamente onde a colocamos, sendo que o objeto se movimenta e sai do quadro. Obviamente, precisamos que a forma se mova com o objeto. A solução é trackear/rastrear o movimento do objeto. No Resolve, este é um processo bastante simples, basta acessar a guia de tracking e usar o tracker 3D:

Assim que o rastreamento for concluído nossa forma se moverá com o objeto e, portanto, a correção de cor também. 

Para movimentos mais difíceis, como, por exemplo, os braços em uma cena, o desfoque de movimento impedirá um rastreamento bem-sucedido. Nesses casos, você precisará mover e enquadrar a posição das formas manualmente.

Formas matte complexas

Às vezes, as formas predefinidas em uma correção de cor não se ajustam à situação específica. Digamos que precisamos aprofundar a cor desta luminária:

A forma incomum do objeto não permite um ajuste natural para um matte circular ou retangular, em vez disso, podemos criar uma forma personalizada usando uma curva spline. Usando uma ferramenta de curva, clicamos e arrastamos para criar pontos de controle que definem a forma:

Quanto mais você arrasta, mais ampla é a curva no ponto que você está criando. Apenas não exagere, adicione muitos pontos e você pode ter muito trabalho extra caso o objeto mude de forma com o tempo. Normalmente, com essas ferramentas de spline, e é esse o caso aqui no Resolve, você clica de volta no primeiro ponto que fez para fechar a forma.

Agora vamos ocultar o contorno, adicionar mais um pouco de laranja às sombras e tons médios, mas conforme aumente um pouco o contraste de tons médios, talvez seja melhor diminuir o laranja para evitar que os realces fiquem muito quentes:

Por fim, adicionaremos um pouco de suavidade ao mat para remover qualquer linha de transição dura entre nossa correção e o resto da foto:

Agora, poderíamos ter tentado usar uma power window retangular e mover os cantos para se alinharem com a forma geral da luminária, mas, neste caso, isso escureceria de forma não natural a parede circundante que deveria ser totalmente iluminada pela luz da lâmpada.

Correção de cor final

Como exemplo de correção final, vamos adicionar um node e usá-lo para reduzir um pouco a intensidade da janela principal desta cena que foi estourada durante a master. Uma simples power window retangular resolverá o problema.

Desta vez, usaremos uma correção de curva para corrigi-lo, adicionaremos três pontos de controle à curva. O inferior agirá como uma âncora para evitar que os tons médios e as sombras mudem. Em seguida, vamos puxar para baixo os destaques, arrastando para baixo os três pontos de controle superiores para criar uma bela curva de queda sem qualquer clipping à medida que reduzimos o brilho. Agora recuperamos um pouco da textura da cortina e perdemos a aspereza da cena original:

Obviamente, cada cena é diferente, mas espero que você tenha reunido princípios suficientes aqui para trabalhar no básico da correção de cor de seu vídeo.

Confira também: Como editar uma cena de ação: 5 dicas para manter o público sempre atento e imerso na trama

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Veja por que algumas cores ficam bem com outras e como usar isso a seu favor no próximo projeto. A cor não é apenas uma escolha estética importante, mas uma ferramenta útil para implantar significados subtextuais e associações intertextuais que dão ao filme significados em várias camadas.

Confira abaixo como colorir através da iluminação no audiovisual (via moviola.com). 

Como colorir através da iluminação: Física da Cor

Tecnicamente falando, as cores são a forma como nosso cérebro, por meio de nossos olhos, interpreta a radiação eletromagnética de um comprimento de onda dentro do espectro visível. A luz visível está entre 400 e 700 nanômetros.

Os diferentes comprimentos de onda são vistos como cores diferentes, como no espectro abaixo. Você vê num espectro como este tudo o que você vê num arco-íris.

Tradicionalmente, o espectro é dividido em sete partes separadas. A primeira pessoa a realmente definir isso foi Newton. 

Algumas pessoas acreditam que ele incluiu a cor índigo apenas para dar sete partes, para assim corresponder ao número de notas na escala musical principal. Estes são os comprimentos de onda aproximados para cada uma das cores:

A radiação eletromagnética com comprimento de onda acima de 750 nm é chamada de infravermelho, e a radiação abaixo de 350 nm é ultravioleta. Cada cor no espectro pode variar em saturação, claridade e escuridão, e estima-se que o olho humano possa distinguir cerca de 10 milhões de variações de cores.

Matiz, Saturação, Brilho

Matiz, saturação e brilho são as principais propriedades da cor que nos permitem distinguir entre cores diferentes. Usar a cor de forma eficaz é um dos elementos mais essenciais em um filme, já que a cor pode chamar a atenção do espectador para sua composição e afetar o clima e o impacto emocional de sua cena.

O que é matiz?

Os matizes são as três cores primárias (vermelho, azul e amarelo) e as três cores secundárias (laranja, verde e violeta) que aparecem na roda de cores ou círculo de cores. Quando você se refere ao matiz, você está se referindo à cor pura ou ao espectro visível de cores básicas que podem ser vistas em um arco-íris.

O que é saturação?

A saturação da cor é a pureza e a intensidade de uma cor. Quanto maior a saturação de uma cor, mais vívida e intensa ela é. Quanto mais baixa a saturação de uma cor, ou croma, mais próximo está do cinza puro na escala de cinza. 

O que é o brilho da cor?

O brilho da cor refere-se à claridade ou escuridão relativa de uma cor. Percebemos o brilho da cor com base na quantidade de luz refletida de uma superfície e absorvida pelo olho humano. Nós nos referimos à intensidade da luz que atinge os olhos como “luminância”.

O círculo cromático

Tudo começa com o círculo cromático. Ele deve ser familiar para qualquer pessoa que tenha experiência com corretor de cor de 3 vias.

O círculo cromático é a ferramenta mais comum que você verá quando se trata de controle de cores. De forma simplificada, a roda de cores compreende 12 cores com base no modelo de cores RYB (ou subtrativo).

No modelo de cores RYB, as cores primárias são vermelho, amarelo e azul. As três cores secundárias são verde, laranja e roxo e podem ser feitas misturando duas cores primárias. Outras seis cores terciárias podem ser feitas misturando as cores primárias e secundárias.

Em primeiro lugar, você notará cores mais quentes no lado direito e cores mais frias no lado esquerdo. As cores quentes são brilhantes e energéticas. As cores frias dão uma impressão suave e calma.

Vamos definir rapidamente as harmonias mais comuns das cores ou paletas de cores, cada uma consistindo de duas ou mais cores dentro de um padrão específico ou relação no círculo cromático.

5 combinações comuns de cores em filmes

1. Paleta de cores complementares

Duas cores em lados opostos da roda de cores formam um par complementar. Esta é de longe a combinação mais comumente usada. Um exemplo comum é laranja e azul ou verde-azulado. Ela combina uma cor quente com uma cor fria e produz um resultado de alto contraste e vibrante. A saturação deve ser controlada, mas um par complementar geralmente agrada naturalmente.

As cores laranja e azul podem frequentemente ser associadas a conflitos em ação, interna ou externamente. Freqüentemente, um conflito interno dentro de um personagem pode se refletir na escolha da cor em seu ambiente externo.

2. Paleta de cores análogas

Cores análogas ficam próximas umas das outras na roda de cores. Eles combinam bem e podem criar uma harmonia geral na paleta de cores. São cores mais quentes ou cores mais frias, então não têm o contraste e a tensão das cores complementares.

As cores análogas são fáceis de aproveitar em paisagens e exteriores, pois são frequentemente encontradas na natureza. Freqüentemente, uma cor pode ser escolhida para dominar, uma segunda para apoiar e uma terceira junto com tons de preto, branco e cinza para acentuar.

3. Paleta de cores triádicas

As cores triádicas são três cores dispostas uniformemente ao redor da roda de cores. Um deve ser dominante, as outros para acentuar. Elas darão uma sensação vibrante mesmo se os tons forem bastante insaturados.

Triádica é uma das paletas de cores menos comuns em filmes e, embora difícil, pode ser bastante impressionante.

4. Paleta de cores complementar dividida

As cores tetrádicas consistem em quatro cores organizadas em dois pares complementares. O resultado é uma paleta completa com muitas variações possíveis. Como acontece com a maioria dessas paletas de cores, uma cor geralmente é dominante.

Espero que esta divisão básica possa ajudar a dar a você controle na escolha de cores planejadas e escolhidas, seja no set ao trabalhar com um designer, ou puramente na postagem, a fim de destacar seu trabalho.

Confira também: Software de edição de vídeo: Os 5 melhores programas em 2020

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A composição do chroma key hoje é ridiculamente fácil em comparação com como era no passado. Anos atrás, ao filmar um filme de cinema era necessário filmar o assunto contra uma tela verde, criar mattes de filme e combiná-los usando uma impressora óptica. 

Mudanças de contraste e problemas de registro eram a ruína do cineasta.  Isso nem mesmo começa a abranger todos os outros problemas, como linhas matte, elementos que saem do alinhamento e problemas de transparência. 

A introdução de scans de filmes de alta resolução e da composição eletrônica tornou as coisas melhores, mas somente nos últimos anos é que se pode dizer que o chroma key se tornou disponível para praticamente qualquer pessoa. Existem até aplicativos para telefones celulares que permitem compor em tempo real. 

Confira abaixo os principais fundamentos do chroma key (via moviola.com).

O processo

A criação de uma composição de chroma key pode ser dividida em algumas etapas: selecionar a cor sólida (verde), recortar o fundo e compor o primeiro plano com o material de fundo. 

Recortar o fundo é usar seu software para criar a área da imagem que é transparente. Isso geralmente é qualquer coisa que não seja o seu assunto em primeiro plano, e a área a ser tornada transparente é sua tela verde. 

Portanto, se você quiser compor seu ator no espaço profundo, recorte essa pessoa contra uma tela verde, crie um matte ou canal alfa (o canal alfa contém as informações de transparência). Agora que seu software sabe que parte da imagem é transparente, você pode codificar / compor seu ator em um plano de fundo. 

Tudo o que você pode fazer no processo de filmagem para tornar melhor o ato de recorte acabará tornando a composição mais fácil e melhor. Em uma festa infantil, não vou me importar muito com a qualidade do matte, mas com qualquer outra coisa, a menos que eu esteja propositalmente buscando um visual de composição ruim, é desejável criar o composto mais limpo e uniforme que puder. 

Para ajudá-lo nessa jornada, aqui estão algumas coisas que você deve tentar fazer e coisas a evitar ao filmar composições.

Resolução

Quanto maior a resolução do seu material original, melhor. Lembre-se: sua imagem vai acabar como pixels, e os pixels são alinhados em uma grade, mas a maioria dos objetos que você está filmando para o assunto em primeiro plano não vai caber perfeitamente em uma grade, então quanto mais resolução você começar trabalhando com, mais finos os detalhes de borda que você será capaz de capturar. Isso permitirá a criação de mattes com bordas mais suaves, o que torna composições mais realistas, em oposição a elementos de resolução mais baixa com suas bordas em blocos.   

Progressivo ou entrelaçado

Progressivo, filme sempre no modo progressivo. Este é um fato. Entrelaçado ainda é um modo disponível, mas é um formato horrível, especialmente para qualquer tipo de composição. 

Veja desta forma: cada quadro entrelaçado é composto de dois campos de meia resolução que são capturados um após o outro. Isso pode criar o que é conhecido como artefatos temporais. Não é um grande problema ao capturar assuntos de natureza morta, mas uma vez que há movimento envolvido, seja o movimento da câmera ou o assunto se movendo no quadro, você obtém uma queda na resolução e problemas com suas bordas. 

Geralmente, é melhor gravar um vídeo progressivo de resolução mais baixa do que um quadro entrelaçado de resolução mais alta. Por exemplo, 720p é melhor do que 1080i, especialmente quando você considera que a resolução de 1080i está mais próxima de 540p do que 720p. Mesmo se você estiver entregando um projeto acabado entrelaçado, é muito melhor começar com elementos progressivos e, em seguida, converter para entrelaçado após a composição.

Obtenha a cor certa para o chroma key

A tela verde é a que geralmente é usada, porque o verde é o mais distante da maioria dos tons de pele e, portanto, deve ter o menor efeito nos tons de pele quando ativada. 

Verde também é o canal de cor que sempre tem mais informações, a menos que você esteja gravando sua filmagem em 4: 4: 4, e tende a ter menos ruído, o que torna a tonalidade mais limpa. 

No entanto, há momentos em que verde não é a tela com a cor certa a ser usada. Por exemplo, se o assunto estiver vestindo roupas verdes, conseguir um chroma key limpo pode ser mais problemático. Telas azuis tendem a ser preferíveis para assuntos com cabelos loiros, porque geralmente elas recortam melhor. O tom de pele do assunto deve ser levado em consideração ao escolher se deseja usar verde, azul ou alguma outra cor.

A distância é importante

É desejável manter o assunto o mais longe possível da tela e manter o foco no assunto em primeiro plano.

Iluminação

Ilumine o assunto em primeiro plano e a tela separadamente.

Iluminando sua tela

Pode parecer contra-intuitivo, mas ao filmar um chroma key, você deseja saturar a tela – em outras palavras, quanto mais escuro, melhor. Existem algumas razões para isso. Uma delas é que uma tela bem saturada oferece boa separação de cores, enquanto uma tela clara pode ser mais difícil de manipular. 

A regra é fazer com que a tela seja ¾ de stop mais escura do que a luz principal. Além de fornecer um recorte melhor, uma tela mais escura projetará menos reflexo sobre o assunto. Esse reflexo pode contaminar o assunto em primeiro plano, tornando mais difícil fazer um recorte com bordas limpas. As sombras são definitivamente algo a evitar. As sombras vão lhe causar muitas dores de cabeça quando você tentar recortar, forçando você a expandir a cor / croma que você está codificando, o que pode afetar sua imagem de primeiro plano, ou você terá que começar a usar mattes de qualidade duvidosa ou terá que começar a usar rotoscopia (desenhando seus mates à mão).

Iluminando seu primeiro plano

É uma boa ideia levar em consideração o ambiente no qual você está compondo o seu objeto de primeiro plano ao iluminá-lo. Se eles estiverem sendo compostos em uma tomada noturna, pode não fazer sentido tê-los bem iluminados, uma vez que não necessariamente cabe na cena.

Conclusão

O trabalho do chroma key é usado com grande efeito em muitos filmes e pode ser bastante imperceptível, mas nem sempre foi assim. Espero que este artigo tenha ajudado a acelerar o seu caminho para a criação de mates críveis que envolvem o público em seu filme. 

Confira também:  Edição: Principais softwares de colorização de filmes e vídeos

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Existem poucas coisas mais frustrantes do que filmar uma cena, apenas para perceber mais tarde que sua filmagem está tremida e inutilizável. Você sabe que a próxima etapa para um conteúdo melhor é uma filmagem mais estável, mas não sabe quais opções são melhores para você e seus projetos.

Gimbals de 3 eixos, estabilizadores, sistemas de estabilizador com colete, Steadycams. Iremos guiá-lo pelas opções disponíveis no mercado para que você possa obter a filmagem mais suave possível.

Vamos acompanhá-lo passo a passo, tipo por tipo, para você encontrar os melhores estabilizadores de câmera (via moviola.com).

O que são estabilizadores de câmera?

Um estabilizador de câmera é um equipamento montável que funciona para evitar qualquer movimento indesejado e manter a filmagem suave durante a operação. Os estabilizadores muitas vezes precisam ser devidamente balanceados e podem incorporar gimbals para evitar que as imagens tremam, alguns dos quais são eletronicamente acionados por motores sem escova para ajustes precisos.

Os estabilizadores de câmera são todos baseados no peso da câmera, portanto, embora os diferentes tipos de estabilizadores sejam frequentemente criados para câmeras mais pesadas, também existem opções profissionais criadas para câmeras mais leves.

Alguns estabilizadores podem até prejudicar a filmagem de uma câmera se ela for de um peso inadequado para ele. Sempre certifique-se de verificar isso antes de comprar.

Tipos de estabilizadores de câmera

• Estabilizadores portáteis: evita o uso de colete ou gimbal de 3 eixos. Freqüentemente, é uma opção menos cara que depende muito de uma operação suave.
• Gimbal de 3 eixos: incorpora um conjunto de gimbals giratórios. Frequentemente eletrônico e pode depender muito da bateria e do tempo de carga.
• Sistema Estabilizador com Colete: Combina um acessório de colete, molas, braços isoelásticos, gimbal multieixo e trenó com pesos.

Estabilizadores de mão

Um estabilizador de mão é qualquer estabilizador que não usa um colete ou gimbal de 3 eixos para criar estabilidade extra. Essas são normalmente as opções menos caras e que dependem muito do operador.

O estabilizador na imagem acima foi criado para câmeras mais pesadas em comparação com os outros estabilizadores de mão Glidecam.

Sempre verifique a capacidade de peso do estabilizador.

Gimbals 3 eixos

Um gimbal de 3 eixos é um estabilizador de câmera que faz ajustes automáticos com base na gravidade para fornecer uma filmagem estável. As opções motorizadas ajudam a fazer ajustes, mas requerem tempo de carga e baterias.

O que é um gimbal?

Um gimbal é simplesmente uma montagem giratória que permite que um objeto gire em torno de um único eixo. Eles são freqüentemente usados em navios para dispositivos de navegação ou para manter as coisas estáveis enquanto o barco balança na água.

Pode parecer confuso quando descrevemos estabilizadores modernos porque um estabilizador específico pode ter um gimbal (ou gimbal de 3 eixos) como parte de sua construção, mas da mesma forma esse estabilizador NÃO será referido como um gimbal, mas sim um sistema estabilizador com colete.

Algumas das opções de estabilizador mais populares são gimbals motorizados de 3 eixos alimentados por bateria, como o DJI Ronin M.

Esses estabilizadores podem levar 15 minutos para montar e balancear, com alguns dos estabilizadores mais avançados ostentando um recurso de auto-balanceamento eletrônico.

Você também pode ajustar a rigidez do motor em alguns estabilizadores, permitindo mais controle sobre sua operação. Essa função é particularmente útil ao alternar para uma câmera diferente.

Existem estabilizadores de gimbal de 3 eixos não motorizados, como o estabilizador SNOW. Sem necessidade de baterias e organicamente precisas.

Sistemas Estabilizadores com Colete ou Steadicam

Um sistema com colete é um estabilizador que combina um acessório de colete, molas, braços iso-elásticos, gimbal multi-eixo e trenó com pesos.

A versão mais conhecida deste é o Tiffen Steadicam.

Curiosidade: Steadicam na verdade um nome de uma marca.

Esses estabilizadores são usados com mais frequência com câmeras de cinema de última geração e, dependendo de sua faixa de suporte, podem ter problemas para equilibrar câmeras muito leves.

A chave para usar efetivamente um sistema de estabilização com colete, ou qualquer estabilizador baseado em peso, é transferir o centro de gravidade da câmera para o “trenó” (placa de peso).

Quando os sistemas de colete são montados com câmeras profissionais (bateria da câmera, monitor, lente, etc.), eles podem pesar até 27 kilos, mas esse peso é distribuído uniformemente por seu torso, permitindo que o operador se mova com relativa facilidade.

Muitos desses estabilizadores não requerem baterias para operar, pois são puramente mecânicos, mas o estresse físico pode forçar o operador a fazer pausas durante um set.

Aqui está um vídeo útil da Bart Johnson Productions, onde eles testam um DJI Ronin M (gimbal motorizado de 3 eixos) versus o Tiffen Steadicam (sistema estabilizador com colete)

Ao fazer uma lista de filmagens de suas cenas, certifique-se de adicionar o fato de que você usará um estabilizador – porque às vezes isso significa algum tempo extra de configuração para montar sua câmera em qualquer equipamento que estiver usando.

Quanto mais detalhado você for com sua lista de filmagens, mais poderá criar programações precisas e discutir importantes escolhas criativas com sua equipe.

Compartilhe com sua equipe e colabore para o sucesso.

Como escolher um estabilizador

Quanto você quer gastar?

O orçamento não é o único fator determinante para o equipamento, mas geralmente ele tem a voz mais alta. Felizmente, existem algumas opções fantásticas para quase todos os orçamentos.

Agora, se você é um operador de câmera procurando entrar no mundo dos sistemas com colete, pode se ver segurando a mesma etiqueta de preço que encontraria em uma concessionária Honda.

De qualquer forma, não desanime.

Se você deseja uma filmagem estável, existem opções para você.

Qual câmera você vai usar?

Sua escolha na câmera é tão importante quanto sua escolha no estabilizador, e os dois têm uma relação simbiótica um com o outro.

Às vezes, um estabilizador mais caro funcionará contra você, porque muitas vezes eles foram construídos para lidar com câmeras maiores que pesam mais do que DSLRs.

A maioria das opções de estabilizadores funcionam melhor quando são “pesadas na parte inferior” porque isso força a câmera a permanecer na posição vertical.

Mas nem sempre se trata de peso…

Outras vezes, sua câmera será muito volumosa, especialmente com uma lente acoplada, e pode exigir acessórios adicionais ou uma opção totalmente diferente.

Se você não possui uma câmera, mas está no mercado, sugiro escolher sua câmera primeiro e, em seguida, encontrar um estabilizador que funcione melhor com ela.

Mesmo que você tenha uma ideia geral do tamanho e peso da câmera, isso o ajudará a eliminar opções que não funcionam e reduzir sua lista a um tamanho administrável.

Quais acessórios você precisa?

Alguns estabilizadores e sistemas de estabilizador podem não funcionar com todas as câmeras ou em todas as situações, mas muitos desses estabilizadores oferecem acessórios como extensões de braço ou opções adicionais de vida útil da bateria.

Se você estiver dividido entre dois estabilizadores e descobrir que um tem mais funcionalidade quando emparelhado com acessórios compatíveis, isso pode tornar sua decisão muito mais fácil, especificamente com placas de montagem de liberação rápida mais adequadas para sua câmera.

O que você vai filmar?

Sabe aquela nova minissérie de romance que sua mãe sempre pede para você assistir? Essa produção tem necessidades diferentes de, digamos, um vídeo de skate.

Para qual você está se preparando?

Não importa qual desses você planeja filmar, você vai querer a capacidade de capturar imagens estáveis.

Mas cada um desses projetos requer um tipo diferente de sistema de estabilização, e você vai querer ter o correto para você em seu próximo projeto.

Você quer lidar com eletrônicos?

Algumas das opções neste artigo têm motores alimentados por bateria que fazem ajustes guiados enquanto você opera o estabilizador.

Isso significa baterias; muito provavelmente de íon de lítio recarregável ou alcalino.

Outros estabilizadores não requerem assistência motorizada e permitem que a gravidade faça grande parte do trabalho.

Não há correlação direta entre preço e eletrônicos, já que alguns dos estabilizadores mais caros não requerem fonte de alimentação.

O estabilizador é muito avançado para você?

Seu nível de experiência é importante, porque os estabilizadores geralmente exigem que o usuário equilibre o estabilizador antes que ele possa ser usado efetivamente no campo.

A melhor maneira de aprender com estabilizadores é a abordagem prática junto com tutoriais do YouTube. Podem ser necessárias algumas tentativas até você conseguir equilibrar corretamente o estabilizador.

Confira também: Teoria de Enquadramento: Princípios fundamentais para a filmagem

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Há uma etapa importante entre a idealização e a criação de filmes e outras mídias que exigem o planejamento de cenas: fazer um storyboard.

Confira abaixo como fazer um storyboard e seus principais fundamentos (via MasterClass).

O que é um storyboard?

Um storyboard é um esboço visual de um filme (seja um curta ou longa-metragem) ou animação. É uma parte importante do processo de pré-produção e consiste em uma série de imagens que mostram tudo o que vai acontecer em sua peça acabada.

Muitos storyboards são desenhados à mão, mas alguns criadores ou animadores optam por usar software de storyboard. O resultado final lembra uma história em quadrinhos.

Por que o storyboard é importante?

Se você está trabalhando com um script, já conhece o fluxo do seu projeto. A chave é traduzir esse fluxo e as novas ideias da forma de palavra para a forma de imagem. Cada imagem em seu storyboard precisa incluir informações suficientes para que alguém que nunca leu seu roteiro possa vê-la e saber o que está acontecendo. Mas não deve conter muitas informações, pois isso irá atrapalhar os detalhes relevantes.

• Pense no storyboard como a novelização gráfica de seu roteiro, em que cada painel representa um novo ângulo de câmera ou um momento-chave da ação.
• O objetivo do processo de storyboard é duplo: garantir que você obtenha toda a cobertura necessária no set para criar uma história coerente e emocionante na sala de edição e fazê-lo de forma econômica, para evitar gastar tempo desnecessário com filmagens ou perder dinheiro na produção de vídeo ou efeitos especiais.
• Bons storyboards podem ser extremamente úteis ao dirigir grandes sequências de ação. Desenhar sua lista de filmagens pode ser um princípio organizador na cacofonia de produzir filmagens complicadas. Os storyboards tornam-se um mapa preciso do que é quase certo que será um dia agitado de filmagem. Você quer que tudo saia como planejado.

Tomadas e cortes

Depois das câmeras e lentes, todo narrador de vídeo possui duas ferramentas essenciais: tomadas e cortes. Essas duas ferramentas são muito, muito mais importantes do que o equipamento que você usa.

Uma tomada é um clipe de vídeo. Tem um começo e um fim, mas além disso pode durar qualquer período de tempo (desde que seja ininterrupto) e conter o que você quiser. A escolha das cenas é a ferramenta expressiva fundamental da narrativa em vídeo, e há muitos tipos diferentes de cenas que você pode fazer. A maneira como você faz suas filmagens é o principal sinal para que seu público se sinta de uma certa maneira ao assistir ao seu vídeo.

Um corte é o fim de uma tomada. Os cortes são sua ferramenta narrativa essencial. A forma como uma cena termina e, em seguida, como a próxima começa, é a forma principal com que o vídeo conta uma história. Bons cortes criam continuidade e coesão e mantêm o público envolvido com a história. Você decide quando fazer um corte duas vezes: uma vez quando você está gravando seu vídeo original e novamente na pós-produção quando você corta e edita seus clipes juntos.

Fazer boas tomadas e cortes é mais difícil do que parece! É especialmente difícil fazê-los bem sem um planejamento.

Como fazer um storyboard em 4 etapas fáceis

Siga estas etapas para criar seu primeiro storyboard.

1. Faça uma lista de planos. Pegue uma cena de seu roteiro e faça uma lista de planos. Como os ângulos de câmera específicos podem contar a história ou tornar um momento mais impactante? O que você pode revelar sobre seus personagens e a história através dos ângulos da câmera? Desenhe um esboço de sua lista de planos.
2. Faça um esboço. Esteja você trabalhando em um longa-metragem ou em um curta de animação, escolha uma das sequências mais complexas e analise uma visão da cena. Liste todos os planos que você prevê que serão necessários como matéria-prima e, a seguir, esboce-os nos quadrados de seu storyboard, como uma história em quadrinhos. Se você não é muito bom em desenhar, não há problema em usar formas básicas e figuras fixas em um pedaço de papel. Mas se você não está obtendo o efeito desejado, pode trabalhar com um artista de storyboard para fazer alterações ou mapear uma sequência proposta. 
3. Preencha com os detalhes. Seu storyboard deve conter os elementos mais importantes de cada cena. Mas, embora seja uma imagem estática, o resultado final será um vídeo ou animação em movimento que segue todo o enredo. Com isso em mente, certifique-se de indicar movimento em seu storyboard. Por exemplo, você pode indicar a direção em que uma pessoa está caminhando com setas. Você também deve incluir quaisquer adereços que estarão presentes no produto final, bem como os ângulos da câmera e o enquadramento de cada cena. Uma boa regra prática é incluir um esboço geral de todos os detalhes relevantes de cada plano, sem se aprofundar muito nos detalhes que distraem.
4. Adicione palavras. Depois de criar as imagens, pode ser útil adicionar palavras na parte inferior das imagens para dar mais contexto sobre o que está acontecendo. Este é um ótimo lugar no processo de storyboard para incluir qualquer coisa que não possa ser expressa em seus desenhos simples, como qualquer locução que você planeja incluir.

Quais são os melhores templates e programas de storyboard?

Se você tem algumas centenas de dólares sobrando, invista em um software de roteiro. Essas ferramentas cuidam da formatação do seu script para que você não tenha que mexer com margens, espaçamento, quebras de página e outros comandos desajeitados de processamento de texto. Esses programas também apresentam muitas outras ferramentas para ajudá-lo a como fazer um storyboard, listas de tomadas, agendas e orçamentos.

Abaixo estão os quatro principais programas de storyboard, do mais caro para o mais barato:

1. Final Draft
2. Movie Magic Screenwriter
3. Fade In
4. Celtx

2 programas alternativos e gratuitos para storyboarding

Se você preferir trabalhar com um programa de modelo de storyboard gratuito com os fundamentos de formatação básicos, considere estas opções.

• Se você já conhece bem o Photoshop, pode usá-lo para criar seu storyboard. Existem até vários modelos de storyboard gratuitos que você pode carregar direto para o Photoshop, tornando mais fácil e acessível a criação de seus próprios storyboards.
• O StudioBinder oferece soluções personalizadas para gerentes de produção, como detalhamentos de scripts, listas de tomadas, storyboards, cronogramas de filmagem, listas de contatos, gerenciamento de tarefas e calendários e muito mais. Disponível em vários níveis de assinatura diferentes, bem como para uma avaliação gratuita, o site também publica um blog útil cheio de dicas para a pré-produção.

Ao começar sua carreira no cinema, lembre-se de que um bom storyboard é parte integrante do processo criativo – aquele que o ajudará a traduzir com sucesso sua visão em uma obra de arte.

Confira também:  Continuidade no Filme: Principais fundamentos para manter a fluidez nas suas filmagens

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Claro, nos lembramos de citações específicas e / ou ações físicas dos atores, mas todos nós podemos cantarolar alguns trechos dos filmes Jurassic Park, O Senhor dos Anéis ou A Rede Social. E há também o uso de canções populares (ou obscuras) pelos diretores em seus trabalhos. “Sister Christian” nesta cena de Boogie Nights, “I Got You Babe” em Feitiço do Tempo e “Day-O (The Banana Boat Song)” em Beetlejuice são todos ótimos exemplos de cenas que utilizam perfeitamente uma música.

Todas essas músicas e filmes são muito diferentes, mas todos utilizam a trilha sonora para criar ritmo e significado na cena. Aqui embaixo estão algumas das maneiras de usar música de forma eficiente no seu filme. Lembre-se disso ao selecionar a trilha para seu próximo projeto (via POND5).

1. Combine o tom da música com o tom da cena

Esta é provavelmente a forma mais comum de escolher uma trilha sonora. Você escolhe uma música ou composição que reflita o tom pretendido da cena. Um vídeo de lapso de tempo lento da Via Láctea não funciona muito com death metal, nem uma música atmosférica lenta funciona com um vídeo de tilt-shift de rali de monster truck.

Não é apenas a melodia ou batida da música que transmite a mensagem. Pode ser também a letra (se a música tiver letra). Letras tristes com uma melodia otimista podem não funcionar com um vídeo otimista, porque as letras ficariam muito contrastantes. O mesmo vale para músicas mais lentas com letras alegres. Certifique-se de que toda a peça se encaixe com o que você deseja transmitir.

Veja “The Sound of Silence” de Simon and Garfunkel. É uma música icônica e que foi usada em vários filmes, programas de TV e, sim, em memes. Mas como é uma música mais lenta e sombria com letras sérias, é usada para denotar uma virada triste, especialmente o riff de abertura. Dito isso, tem sido usado em comédias, dramas e filmes de ação, porque ainda dá aquela mudança tonal com as notas de abertura.

Aqui está um supercut de todos os exemplos mais notáveis (começando com o original, A Primeira Noite de um Homem), onde “The Sound of Silence” entra em ação é levada a sério – especialmente se os personagens cometeram um grande erro.

2. Faça o oposto e não combine a trilha de propósito

Por outro lado, os cineastas usarão uma música ou composição “inadequada” para transmitir o caos em uma cena calma ou a calma em uma cena caótica. Muitas vezes isso é usado para efeitos cômicos, como no filme Vingança sob Encomenda, quando o personagem de Chris Farley quer uma ótima música de luta, mas escolhe… bem, você terá que clicar aqui embaixo e ver com seus próprios olhos.

Um exemplo de música calma em uma situação caótica seria em Procurando Dory, no final em que o caminhão salta do penhasco e o filme inteiro fica mais lento quando “What a Wonderful World” começa a ser reproduzido. Isso nos dá uma sensação de humanidade, pois o caos está acontecendo. (SPOILERS!)

3. Utilizar música diegética e não diegética

Música diegética é a música que está acontecendo a partir de uma fonte de dentro do mundo do filme. No vídeo do Feitiço do Tempo que linkamos lá no começo, o despertador é um exemplo de música diegética. Está vindo de um suporte de dentro do mundo do filme. Música não diegética é a música adicionada fora do espaço da história. Isso é basicamente qualquer base musical ou partitura que você adiciona para criar ritmo e significado na cena.

Quando ouvimos música diegética, não temos a mesma reação de quando ouvimos a não diegética. Entendemos que está afetando os personagens da história (o que pode, por sua vez, nos afetar como espectadores), mas não tem tanto vigor, porque existe a barreira da realidade da qual estamos atrás, experimentando a música do fora. No entanto, se a música diegética se transformar em música não diegética, instantaneamente nos sentiremos imersos na história e seremos afetados diretamente pela música.

Veja esta cena de Mong e Lóide. Veja a música passar de diegética no rádio no carro para não diegética e vice-versa. Você notará a diferença quando estiver no carro; é uma sensação diferente de quando muda para o mundo exterior no filme.

4. Dê ênfase aos momentos importantes

Filmes de esportes são notórios por suas canções gigantescas que provocam uma onda de emoções. Quando você traz uma música tão épica e intensa, é realmente difícil não ter um grande efeito no espectador – então, tenha isso em mente se quiser que seja mais sutil – mas, no geral, você pode utilizar uma trilha sonora épica para realmente aprimorar a emoção que você deseja transmitir. Assista à última tentativa de Roy Hobson (Robert Redford) em The Natural e tente não ficar arrepiado. (SPOILERS)

A música aumenta, atingindo os espectadores bem no coração e puxando as cordas até que eles tenham calafrios e estejam catalogando este momento como um dos melhores que já viram. Nunca tenha medo de ser épico – apenas certifique-se de que se encaixa. Uma trilha sonora épica para um vídeo sobre como cortar vegetais não vai realmente fazer muito sentido.

Para ver a importância de uma trilha, confira este vídeo de E.T. O Extraterrestre (SPOILERS ) sem a trilha sonora final épica de John Williams.

5. Transporte o público para um horário e local específico

Se você apenas ouvisse um filme passando na outra sala e houvesse alguma música de Huey Lewis and The News ou Michael Jackson na cena, você saberia que este filme provavelmente se passa na década de 1980. 

Os cineastas podem ambientar datas e períodos de tempo específicos apenas usando certas músicas. Diferentes gerações podem compreender essas músicas de maneira diferente, é claro, mas o resultado final é que elas criam uma tapeçaria muito detalhada para quando e onde uma narrativa ocorre e podem plantar os espectadores ali para experimentar os mesmos sentimentos daquele período de tempo – como, por exemplo, a era disco dos anos 1970/80.

Existem algumas ressalvas a esta regra, no entanto. Como acontece com a maioria das “regras” de cinema, elas podem ser quebradas. Escolhas musicais anacrônicas foram usadas por muitos cineastas ao longo dos anos. Sofia Coppola usou música pós-punk moderna em Maria Antonieta; Coração de Cavaleiro apresenta canções clássicas de rock do Queen e AC / DC; Baz Luhrmann usou todos os tipos de canções modernas de artistas como Nirvana e U2 em medleys e números musicais para o Moulin Rouge; e Quentin Tarantino usou canções de Rick Ross e John Legend para Django Livre.

Pode ser muito chocante e muito estranho, mas também pode se misturar perfeitamente com o clima, personagens e enredo para dar uma grande justaposição de música e visuais. Use essa tática com precaução, porque muitas pessoas odeiam isso, e também porque é difícil de conseguir acertá-la.

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