Quer você seja um aspirante a cineasta ou apenas queira ter uma ideia do processo de produção de um filme, aqui está uma análise muito básica do passo a passo para produzir um filme. Pense nisso como um guia para iniciantes no processo de filmagem (via New York Film Academy).

Passo a passo para produzir um filme

Etapa 1: a ideia

Cada filme que você já viu começou com uma ideia no cérebro de alguém. Embora as coisas mudem à medida que o projeto avança, a história que você inventar no início servirá como a base sobre a qual todo o resto será construído. Comece a pensar sobre o tipo de história que você deseja que seu filme conte e todos os elementos importantes da história envolvidos: enredo, personagens, conflito, etc.

Nossa dica: ideias surgem em nossas cabeças de forma inesperada! Certifique-se de sempre carregar seu telefone ou uma cadernetinha para anotar quaisquer ideias interessantes que aprimorem sua história.

Também é uma boa ideia criar uma pasta na qual você salva artigos de jornais e revistas, trechos de diálogos ouvidos, notas sobre personagens que você vê na rua e até mesmo sonhos. Você pode não saber o que fazer com essas coisas agora, mas chegará o dia em que o fará.

Etapa 2: O Roteiro

O roteiro é onde você colocará a história, o cenário e o diálogo de forma estruturada. Esta importante ferramenta será usada pelo resto da equipe para saber o que vai acontecer no filme. Você também usará seu próprio roteiro como referência ao longo do processo, já que pode precisar se atualizar em certas ações, linhas de diálogo e muito mais.

Nossa dica: não tenha medo de fazer alterações no roteiro, mesmo depois de achar que ele está pronto. Na maioria das vezes, ideias melhores virão a você bem depois desse estágio do processo de filmagem.

E não tenha medo de deixar seus atores improvisarem, seja no ensaio ou no set. Você pode se surpreender com o que seus atores são capazes de imaginar do ponto de vista de seus personagens. Isso é especialmente verdadeiro para cineastas que podem não ser muito bons para escrever diálogos.

Etapa 3: os storyboards

Um storyboard é uma sequência de desenhos que representam as tomadas que você planeja filmar. No passo a passo para produzir um filme, recomendamos altamente este processo porque ajuda a visualizar cada cena e decidir coisas como ângulos de câmera, tamanhos de tomadas, etc. Você descobrirá o verdadeiro valor do seu storyboard quando ele ajudar a comunicar o que você está tentando fazer para outras pessoas no set.

E para aqueles que pensam: “Não consigo desenhar”, fotografar seus storyboards pode ser uma solução rápida. Sua câmera do telefone funciona bem para isso. Basta levar alguns amigos até sua localização e dizer a eles: “Você está aqui, você está aí” e tirar fotos. Tire muitas fotos. De muitos pontos de vista diferentes. Em seguida, selecione aqueles de que você mais gosta e aí está o seu storyboard. Fazer isso tem a vantagem adicional de mostrar o que é realmente possível. Porque muitas vezes desenhamos storyboards e depois descobrimos, para nossa decepção, que teríamos que demolir mais uma parede para obter a perspectiva que imaginamos.

Etapa 4: o elenco e a equipe

Montar sua equipe pode ser emocionante, recomendamos que você gaste o tempo necessário para encontrar as pessoas certas para o seu filme. Para os membros da tripulação, certifique-se de considerar o trabalho e experiência anteriores deles e solicite o portfólio ou qualquer exemplo, se disponível. Você também deve fazer testes para encontrar os melhores atores e atrizes para seus papéis.

Nossa dica: não se sinta obrigado a incluir amigos e familiares em seu projeto. Este é o seu filme, o que significa escolher as melhores pessoas para o trabalho. Esperançosamente, seus conhecidos são profissionais o suficiente para aceitarem quando você não achar que eles são adequados para o seu projeto.

Etapa 5: As locações

Você pode precisar construir sets para um cenário que gostaria de ter. Mas para cenas em que um local real funcione, você precisará fazer algumas pesquisas para encontrar as melhores locações. Leve uma câmera com você e viaje o máximo possível, tirando fotos de lugares que você acha que servirão como o cenário perfeito para cenas específicas.

Nossa dica: Sempre considere o espaço necessário para o elenco e a equipe. Não escolha um espaço apertado e estreito, onde apenas os atores vão caber bem e não as câmeras, luzes, etc.

Etapa 6: a filmagem

Tudo culmina neste momento. Para se preparar, certifique-se de ter um roteiro de filmagem pronto, juntamente com uma programação organizada do que será filmado e quando. Dê a si mesmo bastante tempo para filmar cenas, para que você nunca se apresse e possa acomodar mudanças ou problemas. É comum que uma cena que dura um minuto no corte final exija mais de cinco horas para ser filmada.

Nossa dica: se o tempo permitir, tente filmar as mesmas cenas de novos ângulos. Dessa forma, você terá mais filmagens para trabalhar e manter seus espectadores envolvidos.

Etapa 7: a pós-produção

Se você achou que a filmagem demorava, é que você não viu a pós-produção. A pós-produção é quando você edita todas as suas filmagens para criar um corte preliminar do filme. Depois de terminar o corte bruto, você começará a adicionar coisas como efeitos sonoros, música, efeitos visuais e correção de cores. Este processo exigirá o uso de softwares de edição – se você não tiver confiança com esses programas, sinta-se à vontade para encontrar / contratar um editor experiente.

Nossa dica: antes de polir seu corte bruto, mostre-o para pessoas em cujas opiniões você pode confiar. É melhor que você descubra o que não está funcionando agora do que quando seu público estiver assistindo a versão final.

Confira também:  Introdução à edição de vídeo: Como construir significado em imagens

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Você já estruturou sua história, criou grandes personagens e deu a eles falas concisas, digamos que você faça tudo isso, entregue seu roteiro para toda a sua família e amigos próximos apenas para ouvir um coletivo “ah tá bom”… não entre em pânico, você não tem um grande problema, exceto aquele que é comum a todos os roteiristas, mesmo os grandes. Todos os roteiros precisam de um ajuste fino depois que são escritos, em alguns casos é um ajuste rápido nos motores, em outros casos, é um novo motor. Nos próximos minutos, daremos uma olhada nos problemas mais comuns de roteiros e como solucioná-los  (via moviola.com).

Como resolver problemas do seu roteiro: Heróis desagradáveis

O público moderno tende a gostar dos heróis que tenham uma dose saudável de ambivalência. Que tenham seus ideais e motivações sendo constantemente cutucados e estimulados pelo conflito da história. Em muitos aspectos, um Batman vulnerável e torturado é muito mais interessante do que o Superman completamente invencível, mas o que você faz quando seu protagonista é muito desagradável? Bem, já sabemos a resposta, está no título do livro de Blake Snyder, escrevemos um momento Save the Cat.

Save the Cat é quando uma história mostra no início do roteiro o protagonista fazendo algo altruísta para nos dar um motivo para torcer por ele. Mas e se isso não for suficiente? Se o feedback que você está recebendo das pessoas é que elas não conseguem gostar do seu herói, você tem um problema. A solução, bem, você pode começar tentando melhorar seu momento de Save the Cat, mas às vezes o problema pode ser intrínseco à sua história.

A sua protagonista é uma assassina em um universo de crimes do submundo? Ou um traficante de drogas no centro da cidade? Montar dois grandes momentos de Save the Cat pode tirar a autenticidade do personagem, a mudança de vocação de herói pode deixar a história inverossímil. A sugestão de Snyder em tal situação é tornar o vilão realmente mau. Quando a escuridão é muito escura, os personagens com algumas manchas escuras parecem muito mais brilhantes. Se o chefe do cartel de drogas está lentamente matando seu traficante que era considerado membro da família, de repente temos pena e simpatia por sua situação.

Outra opção é dar ao seu protagonista um senso de humor avantajado. Se acharmos o personagem legal, com bom temperamento, não ligaremos muito para suas ações negativas. Por exemplo, imagine uma cena com uma mulher que está discutindo ao telefone com sua filha adolescente sobre o garoto que ela está namorando enquanto realiza um assalto. Isso cria uma separação entre trabalho e personalidade, acrescentando ironia ao mesmo tempo em que demonstra que ela é um ser humano que luta com problemas do dia a dia. 

Claro que este é um território perigoso. O público médio pode não querer assistir a uma história com pouca redenção, a menos que você esteja escrevendo para o gênero de terror. Uma forma de atenuar isso é adicionar um personagem secundário com uma bússola moral mais forte para questionar o estilo de vida do protagonista. Isso dá ao público permissão para achar as ações do protagonista desagradáveis e não se sentir como se estivesse sendo fortemente manipulado pelo roteirista para torcer para um bandido:

Traficante: “Não tenho escolha, ele vai matar meu irmão”.

Personagem secundário idealista: “Sempre há uma escolha”.

Double Mumbo Jumbo

O próximo passo em como resolver problemas do seu roteiro é o que Blake Snyder chama de Double Mumbo Jumbo. Em resumo, esta é a regra de que só pode haver uma mágica por filme. Portanto, escolha alienígenas ou use fadas, mas não use ambos ao mesmo tempo. Para elaborar, o público está disposto a aceitar uma premissa sobrenatural, mas não duas. Se você está pedindo a eles que acreditem que o Hulk nasceu de um experimento científico que deu errado, não misture a história com a de um dragão antigo. A primeira magia citada é a magia da ciência. A segunda magia é uma criatura mitológica incompatível com a primeira. As chances de ambos serem verdadeiros são astronomicamente remotas. Portanto, se o seu roteiro tem um Double Mumbo Jumbo, o que você pode fazer?

A melhor solução é escolher uma e jogar fora a outra. Mas daí muitos irão dizer por exemplo que acabaram de inventar a melhor luta de clímax da história do cinema – Hulk vs. Dragão, que não podem desistir disso. Bem, então você é forçado a considerar a solução número dois, que é definir uma causa unificadora para ambas as magias. Acontece que o dragão é na verdade um experimento do mesmo laboratório da radiação gama que criou o Hulk, ele foi feito através de algumas pesquisas de mistura de genes que estavam sendo feitas em lagartos e ovos de codorna. Portanto, o que parecem ser dois tipos diferentes de magia são, na verdade, uma só. Simples, não é? Claramente, isso é um exemplo exagerado, mas não é tão ruim quanto duas formas juntas de causas sobrenaturais. Então, sempre que possível escolha uma grande magia e permaneça com ela.

Enrolando muito

Próximo problema de roteiro na lista de Snyder é enrolar muito. Seu público teste ficou entediado antes de chegar à página 20? pode ser que você esteja enrolando muito, em outras palavras, você teve que escrever muito no caminho da ambientação da história para chegar ao lugar onde a jornada começa. Se demorar muito para envolver o público na aventura, você perderá a atenção dele. Isso nem sempre foi verdade, mas certamente é verdade para o público moderno, onde oito minutos de YouTube parecem uma eternidade. A solução? Veja onde você pode condensar a história para transmitir mais significado com menos tempo de tela.

Digamos que você tenha duas cenas que introduzem dois aspectos fundamentais do seu protagonista: 

Na primeira seu protagonista está em um encontro com uma garota bonita, ele gagueja na conversa sem jeito, ela ri de forma exagerada e ele a ataca com raiva. Ela anuncia que o encontro acabou e sai furiosa, um pouco assustada. Portanto, estabelecemos que nosso herói é inseguro e um pouco instável.

Então, na próxima cena, vemos o protagonista curvado sobre uma bancada com um ferro de solda, uma confusão de eletrônicos e peças tecnológicas ao redor. Nós o vemos em vários estágios de frustração, debruçado sobre os livros da relatividade de Einstein, xingando enquanto fagulhas irrompiam de sua alma, dormindo em cima de suas anotações… Finalmente o vemos marcar uma data em uma tela, entrar em uma câmara e desaparecer. Aqui estabelecemos que nosso herói é um inventor gênio que luta com as leis da física prática e, finalmente, consegue criar uma máquina do tempo.

Agora, essas duas cenas podem levar um tempo considerável de tela para serem contadas corretamente. E se, em vez disso, substituíssemos as duas cenas por uma única cena em que nosso protagonista está discutindo com seu professor universitário durante uma palestra. Com o rosto vermelho, ele conclui o argumento com “Eu te digo que Einstein está errado e eu vou provar, a viagem no tempo é tão real quanto o movimento em qualquer outra direção”. E enquanto o professor e seus colegas riem e estremecem de constrangimento, ele desajeitadamente reúne suas coisas e tropeça para fora da sala de aula. Em uma curta cena, comunicamos as mesmas ideias de que nosso herói é socialmente inepto, inseguro e determinado a construir uma máquina do tempo. Assim podemos dedicar mais tempo à aventura de fato.

Perigo à distância

Outra dica para como resolver problemas do seu roteiro é ter uma aplicação direta de perigo em suas cenas. Se os bandidos atacarem lentamente pode ser tedioso ou não crível, ou ambos. O perigo deve ser claro e presente para prender a atenção do público. Se o seu filme é sobre o aquecimento global, você pode ter um problema, os efeitos mais significativos provavelmente não afetarão seus personagens principais durante a vida deles. A solução é apresentar uma premissa melhor ou encontrar maneiras de o vilão tocar e afetar diretamente o seu protagonista ao longo do filme.

Se for um filme de desastre sobre o aquecimento global, mostre-o através de vários anos no futuro e tenha seus heróis escapando por pouco de colapsos da calota polar, depois furacões e depois tsunamis. Se for a história de uma vaga burocracia do governo tentando tirar a casa de uma viúva, resolva o tema por meio do conflito com funcionários públicos corruptos e indiferentes. Faça o que fizer para manter as flechas caindo sobre seu herói. 

Confira também:  Como escrever um roteiro: Dicas para o seu primeiro projeto

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Problemas no roteiro: O problema do herói passivo

Blake Snyder diz, em seu livro Save The Cat!, que um dos mais comuns problemas no roteiro é um herói passivo. As circunstâncias o levam para frente, ao invés do contrário. Um herói pode ser de todas as formas, mas a única coisa que ele não pode ser é passivo. Heróis passivos são entediantes. Difíceis de criarem conexões com o público. Não queremos assisti-los. Na verdade, Snyder chega a dizer que um herói passivo não é, por definição, um herói.

Snyder oferece este guia para ajudar a identificar heróis passivos e colocá-los em movimento novamente (via Musicbed):

1. O objetivo do seu herói está claro definido no início da história? O que seu herói quer é óbvio para você e para o público? Se não, ou se você não sabe qual é o objetivo do seu herói, descubra. E certifique-se de que esse objetivo seja falado em voz alta e reafirmado em ações e diálogos ao longo da história.
2. As pistas sobre o que fazer a seguir simplesmente chegam ao seu herói ou ele as procura? Se tudo acontece muito facilmente para o seu herói, algo está errado. Seu herói não pode receber seu destino, ele deve batalhar por ele a cada passo.
3. Seu herói é ativo ou passivo? Se for o último caso, você tem um problema. Tudo o que seu herói faz tem que surgir de seu desejo ardente e de sua necessidade profunda de atingir seu objetivo.
4. Os outros personagens dizem ao seu herói o que fazer ou ele diz a eles? Esta é uma ótima regra: um herói nunca faz perguntas! O herói sabe e outras pessoas ao seu redor procuram respostas nele, não o contrário. Se você ver muitos pontos de interrogação no diálogo do herói, há um problema.

O problema da exposição nos diálogos 

Se sua história está sendo revelada principalmente por meio do diálogo, isso provavelmente é ruim. “Você se esqueceu de que seus personagens não estão ali para te servir”, escreve Snyder. “Eles próprios se servem. Eles devem entrar em cada cena com seus próprios objetivos e dizer o que eles pensam, não o que você pensa.” Isso é verdade até em um documentário. Normalmente são as coisas que o personagem não está dizendo – os silêncios e as pausas – que revelam mais sobre eles. Snyder: “Como na vida, o caráter é revelado pela ação realizada, não pelas palavras faladas.”

O problema de não ter nada no caminho

Snyder vem de um mundo onde os filmes têm caras bons e caras maus. Seu conselho é sempre deixar o bandido ainda mais malvado. Muitos de nós não fazemos filmes com “bandidos”, mas o espírito do conselho ainda pode ser aplicado: dê ao seu herói algo difícil de superar. Torne o conflito mais… conflituoso. Aumente as apostas. Não é muito interessante assistir a um filme sobre alguém que não está lutando contra algo. Esse velho ditado é verdadeiro: o conflito revela o caráter. Se seu filme carece de conflito significativo, provavelmente também não terá personagens significativos.

O problema de uma coisa após a outra

Se o enredo do seu filme soa mais ou menos assim: “Isso aconteceu, depois isso aconteceu e então isso aconteceu”, sua história provavelmente não é tão interessante. Uma boa história não é apenas sobre eventos acontecendo; trata-se de eventos acelerando, ficando mais complicados. Snyder chama isso de: virar, virar, virar. “A base da regra ‘Vire, vire, vire’ é: o enredo não apenas segue em frente, ele vira e se intensifica conforme avança”, escreve Snyder. “Mais deve ser revelado ao longo de cada etapa da trama sobre seus personagens e o que toda aquela ação significa.”

Essa ideia ecoa no conselho do escritor e criador de South Park, Trey Parker: “O que deve acontecer entre cada beat (em sua história) é a palavra ‘portanto’ ou ‘mas’”. E é ainda mais expandida neste vídeo de Tony Zhou, parte de sua excelente série Every Frame a Painting.

O problema da roda de cor emocional

Como espectadores, exigimos muito dos filmes. Esse velho clichê costumava descrever filmes incríveis – “Eu ri! Eu chorei!” – isso é verdade. Queremos que as histórias evoquem emoções dentro de nós, e quanto mais emoções, melhor. Um problema comum com filmes, especialmente curtas-metragens, é que eles podem ser emocionalmente monótonos. Eles são pesados. Ou engraçados. Ou sexys. Ou inteligentes. Mas raramente são muito mais do que isso, e essa falta de diversidade emocional pode fazer um filme parecer incompleto. Embora não seja possível incluir todas as emoções em um filme de cinco minutos, é possível incluir mais de uma. Nos faça rir, nos encolher, nos deixar frustrados. Essas são as coisas de que todas as grandes histórias foram feitas desde o início dos tempos.

O problema da primordialidade

Falando do início dos tempos, a pergunta final (e talvez a mais importante) que Snyder sugere que você se pergunte sobre sua história é: “Isso é primordial? Um homem das cavernas entenderia?” Uma boa história conecta-se conosco em nosso nível mais profundo, e é por isso que as maiores histórias duraram milhares de anos e irão durar milhares mais. Se sua história não ressoa em um nível muito primitivo – se não contém uma ideia ou emoção que todos entendam – pode não valer a pena contar.

Snyder dá estes exemplos:

• Duro de Matar: O desejo de salvar a própria família 
• Esqueceram de Mim: O desejo de proteger a sua casa 
• Sintonia de Amor: O desejo de encontrar um companheiro 
• Gladiador: O desejo de vingança 
• Titanic: O desejo de sobreviver

Todos entendem esses desejos, quer vivam na selva ou apenas se teletransportaram para cá direto do século 12 AC. “Você pode pensar que sua história é sobre algo mais‘ sofisticado ’do que isso”, escreve Snyder. “Não é. Em sua essência, deve ser sobre algo que ressoa no nível do homem das cavernas. ”

As verdades narrativas são universais e incrivelmente fáceis de esquecer. Parece que toda vez que começamos a trabalhar em um novo projeto, temos que aprender tudo de novo. Temos que nos lembrar do que são as histórias e o que as fazem valer a pena de assistir. 

Confira também:  Como escrever um roteiro: Estrutura básica de um roteiro para cinema ou série

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O que é um roteiro?

Um roteiro é um documento que descreve o cenário, os personagens, os diálogos e as instruções do palco para filmes e séries de TV. Os roteiristas enviam pilotos às produtoras e estúdios para avaliação; esses roteiros normalmente contêm informações mínimas sobre ângulos de câmera, seleção de tomadas, iluminação e efeitos sonoros. Os roteiros de filmagem, por outro lado, podem conter informações mais detalhadas. Os diretores seguem de perto seus roteiros de filmagem. No momento em que um roteiro piloto se transforma em um roteiro de filmagem, ele terá passado por várias revisões.

Como formatar corretamente um roteiro

A maioria dos roteiristas usa software de escrita de roteiros para formatar automaticamente seus roteiros, mas ainda é essencial entender como formatar seu trabalho. Depois de aprender a escrever no formato de roteiro, a escrita do roteiro se tornará natural.

1. Margens da página: você deve ter uma margem de 1 ½ polegada (3,81 cms) à esquerda da página, uma margem de 1 polegada (2,54 cm) à direita da página e 1 polegada (2,54 cms) de espaço em branco na parte superior e inferior da página.
2. Fonte: um roteiro padrão da indústria usa fonte courier tamanho 12.
3. Página de título: o roteiro deve ter uma página de título com apenas o título e do nome do roteirista, informações de contato e representante (se aplicável).
4. Numeração da página: exceto a primeira página, todas as páginas do script devem ser numeradas.
5. Nomes de personagens: quando você apresentar um personagem pela primeira vez, escreva seu nome em letras maiúsculas, seguido por uma breve descrição entre parênteses.
6. Diálogo: escreva o nome do personagem que fala em maiúsculas, centralizado na página e recuado 3,7 polegadas (9,398 cms) do lado esquerdo da página. Centralize as falas do personagem na página abaixo de seu nome. Cada bloco de diálogo deve ser recuado 2,5 polegadas (6,35 cms) do lado esquerdo da página.
7. Voiceover: indique a narração escrevendo “V.O.” ao lado do nome do personagem que está falando.
8. Off-screen ou off-camera: Indique personagens que podem ser ouvidos falando fora da tela com O.S. (off-screen) em roteiros de filmes e O.C. (off-camera) em roteiros de TV.
9. Descrições do diálogo: Centralize quaisquer descrições da fala do personagem entre parênteses diretamente acima do diálogo.
10. Linhas de ação e direções do palco: Alinhe as descrições da ação com a margem esquerda da página.
11. Scene headings: frequentemente chamados de sluglines, os títulos de cena são escritos em maiúsculas, alinhados à esquerda na página.
12. Localização: os títulos das cenas devem sempre ser precedidos por EXT para “exterior” ou INT para “interior”.
13. Transições: Escreva instruções como “FADE OUT” ou “SMASH CUT TO” em maiúsculas, alinhadas com a margem direita.

Como escrever um roteiro em uma estrutura de três atos

A estrutura de três atos divide seu roteiro em três seções distintas, cada uma ancorada em torno de um ou mais pontos da trama que conduzem a ação geral. Ao longo dos três atos, uma estrutura completa da história se desdobra. O personagem principal passa por um arco de personagem, a trama se desenvolve em direção à realização do objetivo do protagonista e, no final, a ação está resolvida e as pontas soltas são amarradas.

1. Ato um: o primeiro ato normalmente começa com a ambientação – uma ou mais cenas que estabelecem o mundo comum do personagem principal da história. Antes que o ato termine, no entanto, um incidente incitante deve ocorrer – um que puxa o protagonista de seu mundo normal para a ação principal da história. O ato termina com algum tipo de ponto de virada que inicia a ação no segundo ato.
2. Ato dois: o ato intermediário de um roteiro consiste em uma ação crescente que leva a um ponto médio e, em seguida, evolui para uma crise. O segundo ato aumenta os riscos da jornada do protagonista, talvez revelando um perigo imprevisto. O segundo ato normalmente termina com outro ponto de virada que faz parecer que o protagonista irá falhar.
3. Ato três: o terceiro ato começa com o que é conhecido como pré-clímax. Isso consiste em eventos que levam a um confronto culminante em que o protagonista enfrenta um ponto sem volta: eles devem prevalecer ou perecer. Este evento se inicia no clímax real, onde o protagonista enfrenta uma força oposta em algum tipo de confronto final. Finalmente, a história decresce em um desfecho, onde os eventos do clímax voltam à vida normal. Claro que a vida do protagonista nunca mais será a mesma.

Observe que quase todos os roteiros têm subtramas (também conhecidas como histórias secundárias) que ocorrem simultaneamente com a trama principal. Essas subtramas, muitas vezes cruciais para o desenvolvimento do personagem, também podem seguir uma estrutura padrão de três atos, mas a maneira como se desenrolam varia muito de uma história para outra.

Como escrever um roteiro em uma estrutura de sete atos

Uma estrutura de roteiro de sete atos se aninha dentro de uma estrutura de três atos, quebrando a narrativa em uma série de episódios menores e mais detalhados. Uma vez que você tenha uma noção do escopo geral de seu roteiro, pode ser útil detalhar a história com essa estrutura em mente.

1. Gancho: O gancho é a primeira cena do primeiro ato. Este é o seu ponto de partida. Nesta primeira seção, você estabelece o cenário e apresenta seu personagem principal. Em cada história, o personagem principal passa por uma transformação. Nesta primeira seção, você deve dar ao público um sentimento sólido de quem é o personagem principal e como é sua vida antes de embarcar em sua missão.
2. Plot point um: depois de apresentar ao público os personagens e o cenário de sua história, em seguida vem o incidente incitante. É o acontecimento que alimenta a trama e desencadeia o percurso do protagonista, obrigando-o a abandonar a sua confortável existência. Deve haver um forte motivo que os obriga a aceitar com relutância esse desafio. É um ponto sem volta e mais ou menos onde começa o segundo ato tradicional.
3. Pinch point um: conforme o segundo ato começa, seu personagem inicia sua jornada e reage aos novos ambientes e desafios. Os conflitos externos começam a exercer pressão sobre eles. É aqui que um escritor apresenta os antagonistas ou bandidos.
4. Midpoint: mais ou menos na metade de uma história, deve haver uma grande reversão. Como resultado, o protagonista fixa seus olhos no prêmio e muda sua estratégia da reação à ação. Quando a história começa sua escalada ascendente até o clímax, a intensidade e a tensão aumentam de velocidade.
5. Pinch point dois: algo dá errado quando o protagonista atinge um obstáculo. É um ponto de virada que cria suspense ao fazer o leitor questionar se o protagonista sairá vitorioso no final. O protagonista duvida de suas próprias habilidades enquanto reúne energia para enfrentar o inimigo e completar sua jornada. À medida que esta seção se desenvolve em direção ao grande confronto climático, o protagonista ganha uma nova perspectiva e encontra a confiança para perseverar enquanto o fim do ato dois tradicional se aproxima do fim.
6. Plot point dois: é aqui que a história se aproxima do clímax. É aqui que o protagonista finalmente enfrenta seu inimigo cara a cara. Este é o pico da intensidade dramática e emocional de uma história e deve fornecer uma grande recompensa para os leitores.
7. Resolução: Também conhecida como desfecho, esta cena final (a conclusão do terceiro ato em uma estrutura tradicional) é onde o protagonista retorna a alguma aparência de normalidade ou aceita seu novo normal. Ao final desse ato, os arcos dos personagens se encerram e o protagonista passa por uma transformação que os deixa no estado oposto em que se encontravam quando o leitor os conheceu.

Confira também:  Estrutura Narrativa: Quais são os mecanismos da história e do plot?

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Então você tem uma ideia incrível para um filme épico, carregado de emoções e que nunca foi feito antes, mas antes de dar vida a ele em uma tela, você precisa ter certeza de que ele funciona no papel.

Estamos prestes a mostrar a você uma estrutura básica de roteiro que já foi experimentada e testada, essa tem sido a base para quase todos os grandes filmes de Hollywood, na verdade, está no centro da maioria das histórias de sucesso contadas ao longo dos tempos (via moviola.com).

A ideia de uma storyline fundamental ou arquetípica é altamente valorizada em Hollywood, onde os estúdios estão desesperados para minimizar a chance de um fracasso, tanto que muitos leitores de roteiro em Hollywood irão para páginas específicas em um roteiro para ver se o enredo está seguindo o caminho prescrito nos momentos apropriados.

Mas mesmo se você estiver desenvolvendo um roteiro para um filme que você mesmo planeja produzir, ainda faz sentido criar uma história que outras pessoas queiram assistir incluindo os elementos básicos que estamos prestes a delinear. Vamos ver agora como escrever um roteiro, seguindo essa estrutura básica você estará no caminho certo para criar uma história atraente.

Estrutura da história em 5 etapas

Histórias têm sido contadas desde que o homem aprendeu a se comunicar, acredite ou não, a estrutura básica de uma boa história mudou muito pouco desde o tempo dos gregos e romanos até os dias de hoje.

Esta ideia de construir blocos fundamentais para todas as histórias às vezes é chamada de arquétipo da história, existem muitas definições sobre o que são exatamente esses blocos, mas sem dúvida a mais simples vem do famoso livro de Robert McKee “Story”. McKee divide a história em cinco partes identificáveis:

1. o incidente incitante
2. complicações progressivas
3. crise
4. clímax
5. resolução.

Essas 5 partes funcionam da seguinte maneira:

O Incidente Incitante

Um herói ou heroína está cuidando da sua própria vida fazendo o que normalmente faz, seja trabalhar em uma concessionária de automóveis, fazer negócios em Wall Street ou traficar drogas, quando um evento repentino – seu pai distante morrendo, um espião misterioso acidentalmente trocando pastas idênticas, ou a descoberta de que eles são, na verdade, membros de uma raça alienígena – os obriga a deixar o conforto do dia-a-dia e partir em uma busca para resolver esse problema que foi jogado sobre eles.

Complicações Progressivas

À medida que a busca por uma solução começa, o que parecia uma tarefa simples para um herói – devolver as malas e recuperar sua antiga vida – de repente se torna um círculo de complicações cada vez maior que empurra o objetivo cada vez mais para fora de alcance.

Crise

As apostas continuam a aumentar, o que pode ter começado como um simples mal-entendido agora tem implicações de vida ou morte. Finalmente o herói é forçado a escolher entre o menor de dois males ou escolher para o bem maior, um dilema para o qual não há resposta fácil no código moral do personagem e em vez de desistir, o herói decide enfrentar a fonte de seus problemas de cabeça erguida.

Clímax

O resultado desta crise é o clímax da história em que o herói luta com o arqui-vilão ou o tubarão faminto demais ou a burocracia opressora impessoal, e graças a essa difícil decisão tomada momentos antes pelo herói, o mundo, pelo menos o mundo de nossos heróis, foi irrevogavelmente mudado, talvez para melhor, talvez para pior, mas alterado de uma forma que nunca pode ser desfeita, a menos que o estúdio pague dinheiro suficiente para uma sequência.

Resolução

Finalmente todas as pontas soltas são amarradas em um laço: o irmão do herói se casa com a loira estúpida da floricultura, o melhor amigo jura nunca mais traficar drogas e se interna em uma clínica, e o orfanato entrega o cheque no banco que manterá as portas abertas para crianças carentes para sempre, embora por algum motivo nunca descubramos quem está realmente pagando pelos 3,2 milhões de dólares em danos causados pela perseguição de carros no shopping.

Estrutura de beats do Blake Snyder

Agora, neste ponto, você pode estar tendo dificuldade em acreditar que quase todos os filmes já feitos se enquadram nesta estrutura de cinco etapas de como escrever um roteiro, bem, estamos prestes a dar um passo maior. Um cara com o nome de Blake Snyder desenvolveu o que é chamado de estrutura de beats de Blake Snyder, o bs2, que na verdade expande essa estrutura para 15 beats específicas ou pontos de história que todo bom roteiro deveria ter. Ele até numera as páginas do seu roteiro que cada beat deveria estar, vamos percorrê-los rapidamente:

 1. A Imagem de Abertura

Começamos com a imagem de abertura, um visual que inicia o filme resumindo o tom do filme. Se for um filme de Natal animado, será brilhante com uma trilha sonora minuciosa e muitas decorações, se for um filme de ação sombria, estará cheia de cenas do centro de Gotham à noite com o som de trompas dissonante e misterioso.

2. A ambientação

É aqui que aprendemos como é a vida do herói antes do incidente incitante, também descobrimos o que o herói precisa para se tornar completo.

3. O tema declarado

Parte da ambientação, aqui descobrimos qual é a moral da história: pode ser o crime não compensa, o amor triunfa no final ou qualquer tipo de truísmos sobre a vida. Pense nisso como a hipótese dos cineastas que o resto do filme está tentando provar que está certa ou errada. Normalmente o herói realmente articula essa ideia: “se um homem honesto como eu dirigisse o país tudo seria melhor”, “se eu pudesse encontrar o homem certo minha vida seria completa”, “se eu me tornasse famoso manteria os mesmos amigos e nunca mudaria quem eu sou”.

4. O catalisador

Outro nome para o incidente incitante que mencionamos na estrutura de McKee, este é o evento que coloca o herói em sua jornada.

5. O Debate

Aqui o herói hesita e discute internamente ou externamente sobre se deve fazer a viagem, é a chance que ele tem de desistir antes de passar o ponto sem volta.

6. Entrando na segunda parte

É chamado de “entrando na segunda parte” porque aqui concluímos o primeiro ato de uma estrutura de três atos. Aqui é onde o herói toma a decisão de partir na jornada. Blake Snyder acredita que isso deve acontecer na página 25 do script. Sério, não na página 24 e certamente não na página 26. Antes que você ria, saiba que em algum lugar de um estúdio em Hollywood neste momento há um leitor de roteiros virando a página 25 e encontrando as heroínas ainda no sofá na casa da tia Mabel bebendo chá gelado e assim jogando todas as páginas no lixo para a reciclagem.

7. A história B

Também conhecida como subtrama, esta é uma história secundária que mantém o interesse do público enquanto os detalhes da trama principal se desenvolvem. Geralmente é uma história de amor, seja entre um homem e uma mulher, um pai e um filho ou duas almas gêmeas destinadas a se tornarem melhores amigos.

8. Diversão e jogos

É aqui que um filme explora as realidades dos conceitos principais da história: o homem invisível quer ver como é ouvir conversas privadas dos outros, o garoto do kung-fu usa suas novas habilidades malucas para ganhar alguns torneios, o corretor de investimentos corrupto consegue desfrutar do fruto de seus ganhos ilícitos. Esta é a emoção que o público comprou e veio ver, é por causa da tensão da busca do herói que eles vão ficar e depois recomendar aos seus amigos, mas foram esses os momentos que venderam o ingresso em primeiro lugar.

9. O ponto do meio

É aqui que as coisas estão em seu ponto mais alto ou mais baixo: o corretor de investimentos corrupto está fazendo mais negócios do que nunca e parece ser intocável pelas autoridades ou o garoto do kung-fu é incapaz de aprender o movimento secreto do ninja e tem sua pior surra até agora pelo quarterback estrela do ensino médio. É aqui que a diversão e os jogos terminam e voltamos às complicações grandes da história principal.

10. O mal se aproxima

É aqui que as forças do mal, sejam as forças humanas da natureza ou uma gosma alienígena assustadora nos esgotos da cidade, reaparecem após serem frustradas ou aparentemente derrotadas durante a seção de diversão e jogos.

11. Tudo está perdido

É aqui que os bandidos derrotam tão absolutamente o herói que não parece possível que um final de conto de fadas ainda possa surgir disso. O corretor é pego fazendo um grande comércio ilegal, o tubarão pré-histórico rompe a barreira elétrica inexpugnável e agora está livre para pegar o elenco restante um por um. O homem invisível é borrifado com tinta de mil marcadores permanentes.

12.  Noite escura da alma

Este é o ponto em que o herói reconhece sua derrota e descobre que não tinha condições para estar à mercê de forças universais maiores do que ela. Este é o momento que prepara tudo para a grandeza do sacrifício que será exigido pelo herói para corrigir todos os erros.

13. Entrando na terceira parte

O final do segundo ato e o início do clímax mencionado na estrutura de cinco partes de Robert McKee. Este é o momento em que os heróis tropeçam na resposta evasiva para a situação impossível, é uma resposta que não estava lá um momento atrás, mas através de uma revelação repentina, muitas vezes graças ao interesse amoroso da história B, que se cristaliza em sua mente, pode custar a vida, pode ser um tiro no escuro, mas ainda há uma chance de dar certo.

14. Final

É aqui que tudo vem à tona, os bandidos são mortos, do menos importante ao mais importante, ou o presunçoso promotor recebe um golpe decisivo pelo advogado de investidores corruptos e nosso corretor de investimentos consegue se livrar por um tecnicismo ou o homem invisível encontrou coragem para derrotar seus inimigos mesmo coberto da cabeça aos pés de tinta. E nas melhores histórias todo o mundo do herói mudou, as coisas nunca mais voltarão a ser como eram, é um novo dia e um novo amanhecer.

15. Imagem final

Esta é uma imagem de fechamento que revela que o mundo do herói realmente mudou, talvez seja uma cena do trabalhador de escritório finalmente vivendo seu sonho de ser um instrutor de esqui ou a super-heroína que descobriu que ela agora quer salvar crianças de equipamentos de recreação mal projetados. Este é também a etapa de resolução na estrutura de McKee, onde todas as pontas soltas são amarradas.

Confira também:  Gêneros audiovisuais: Principais elementos do Gênero Faroeste/ Western

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Então você decidiu que quer escrever um filme ou outra forma de stoytelling. O que faz uma boa história se tornar uma ótima história? Os personagens. Mas como você cria personagens críveis? Por onde você começa? A arte do design de personagens é complexa. Neste artigo, veremos como começar (via moviola.com).

Confira abaixo como criar um personagem crível.

Como criar um personagem crível: dimensionalidade 

Algumas das críticas mais comuns a filmes é que ele tem muita exposição, ou falta profundidade ou falta realismo. Quando alguém diz que um personagem não é tridimensional o suficiente, eles estão querendo dizer que ele não tem a complexidade de um ser humano do mundo real. 

Os humanos reais têm uma mistura complexa de motivos, integridade, honestidade e emoção. Exemplo: O escritório de Jerry dá dinheiro para a fundação da floresta tropical porque ele se preocupa com o que está acontecendo com as árvores da Amazônia ou porque ele quer passar um tempo com Julie, a loira atraente? Suas motivações podem ser puramente a primeira ou puramente a segunda, mas na maioria dos casos a complicada mistura das duas é o que é a vida real. 

Se seus personagens de filme carecem desse tipo de ambivalência, mesmo o público adolescente mais desligado vai achar seu filme ruim. Portanto, precisamos criar personagens críveis. Mas você pode se surpreender com o fato de que bons personagens de filmes são tudo menos reais.

Os personagens de um filme são a essência fortemente condensada dos seres humanos. Vamos falar a verdade, a vida real é entediante. Ela é cheia de diálogos, seria uma série cheia de cenas intermináveis de escovação de dentes e cenas de compras em que as provas de roupas não estaria perfeitamente contida em uma montagem de 30 segundos. Os personagens nas telas são em todos os aspectos superiores aos mortais normais, seus sucessos são exponencialmente maiores e seus erros são igualmente monumentais.No roteiro, o banqueiro não perde $ 20.000 em negociações ruins, ela perde 20 milhões de dólares e é dinheiro da máfia.

Adicionar dimensão aos personagens é, em primeiro lugar, criar uma contradição ou ironia na vida e situação desse personagem: O psiquiatra de sucesso que luta secretamente contra sua própria psicose; o detetive que é assassino em série; o cirurgião com fobia de sangue… é importante que essas contradições permaneçam consistentes, mudar personalidades no meio do filme não soará verdadeiro para o público.

Personagem Vs. Caracterização

Ok, então criar profundidade significa criar contradições, mas quando falamos sobre profundidade de personagem, o que realmente queremos dizer com o termo personagem? Em seu livro “Story”, Robert McKee traça a distinção entre personagem (caráter) e caracterização, ele descreve a caracterização como a soma de todas as qualidades observáveis em um ser humano que são por exemplo: sua idade, sua inteligência, a maneira como falam, o carro que dirigem, basicamente qualquer coisa que você possa observar apenas assistindo a um dia típico de sua vida. Portanto, no caso do cirurgião com fobia de sangue, sua vida realizando cirurgias seria parte de sua caracterização, mas a fobia de sangue também é uma das peculiaridades de sua personalidade, mas ainda é uma característica observável.

Em contraste com a caracterização, McKee define personagem (caráter) como o que é revelado sobre uma pessoa nas escolhas que ela faz, como por exemplo a decisão de operar em uma emergência apesar de seu medo de sangue, falando desse personagem especificamente. E isso é importante para o roteirista entender, o personagem é revelado nas escolhas que um personagem faz sob intensa pressão, quanto maior a pressão, mais profunda a revelação sobre o personagem, então, para revelar o máximo sobre seus personagens, sua história precisa constantemente colocá-los em situações de panela de pressão onde as apostas são altas. Exemplo: Um corrupto esclarecendo suas atividades é uma coisa, agora ele se entregar mesmo quando os mafiosos têm um rifle apontado para ele, revela caráter. 

As melhores contradições em seu elenco são, então, entre personagem e caracterização. Imagine o bravo fuzileiro naval encontrando a lula alienígena gigante apenas para sair correndo gritando, há a contradição entre caracterização – o guerreiro destemido, e personagem – um covarde. Substitua o fuzileiro por uma velhinha que espanca a lula com uma vassoura e você terá uma contradição diferente, desta vez entre a fragilidade física e a bravura inabalável.

Variando a Dimensionalidade dos Personagens

Agora você pode estar pensando que quanto mais dimensões tiver seus personagens, melhor, certo? Na verdade não. A profundidade ou dimensão dos personagens deve variar de acordo com o papel que eles desempenham na história. Se você dedicar uma quantidade significativa de tempo na tela para definir a personalidade de um personagem, o público vai esperar ver ele novamente mais tarde no filme. 

Digamos que temos um herói de ação, vamos chamá-lo de Bruce, no início vemos sua esposa brutalmente assassinada em sua loja de cupcakes através de uma cena com muito sangue e glacê rosa; agora vemos Bruce conversando com a professora de jardim de infância de seu filho, uma jovem atraente e núbil. Imagine dois cenários alternativos: 

• no primeiro, a professora revela que ela recentemente perdeu o noivo em um acidente bizarro de jardinagem e, portanto, tem uma conexão especial com o filho de Bruce. 
• No segundo simplesmente ouvimos a professora dizer “não se esqueça da sua mochila Jimmy” enquanto o garotinho passa correndo para encontrar o pai, ela sorri, entrega a bolsa e a cena corta. 

Vamos pegar o primeiro cenário, o público instantaneamente já supões de que este é o interesse amoroso na história, ela é dimensionada como sofredora, mas nobre viúva, ela se encaixa perfeitamente, pronta e disposta a cumprir o papel de mãe e restaurar uma integridade que foi destruída na tragédia do cupcake. 

Agora imagine que ela nunca mais apareça no filme, exceto nos créditos em que ela aparece como professora de jardim de infância número três, você tem um público frustrado que passa o filme inteiro perguntando quando a senhora do jardim de infância vai aparecer de novo. Eles receberam uma dimensionalidade sem explicação. 

Agora, voltando ao segundo cenário, a mesma personagem faz uma aparição que tem pouca ou nenhuma dimensão, neste caso o público não tem expectativa, ela é uma personagem sem importância, e ficaríamos realmente surpresos se ela aparecesse uma segunda vez.

Portanto, a dimensionalidade dos personagens deve ser sempre proporcional ao seu significado para a história.

Confira também:  Gêneros Audiovisuais: Principais elementos do Filme de Guerra

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Uma breve história do filme policial

Todos os gêneros mais populares têm uma história de como foram sendo definidos; o filme policial não tem nenhuma – ou melhor, tem tantas que é impossível dar uma explicação direta da evolução do gênero sem se perder em inúmeras passagens, à medida que diferentes fórmulas criminais surgem, evoluem, competem, mudam e polinizam. 

Os filmes policiais surgem de uma ambivalência radical em relação ao romance criminal. Esse romance deu a detetives heróicos como Sherlock Holmes (1900 ou 1903, a data exata é incerta), no trigésimo segundo Sherlock Holmes Baffled – uma oportunidade incomparável de dar a vida à esse mundo melodramático e fascinante, e criou criminosos de seriados mudos como Fantômas (Fantômas e suas quatro sequências, França, 1913-1914) e Bull Weed (Underworld, 1927), ambos vilões e heróis. 

A chegada do som sincronizado em 1927 e a Grande Depressão em 1929 criaram um enorme apetite por entretenimento escapista e uma forma de entretenimento em massa, capazes de atingir até o público menos sofisticado, incluindo os milhões de imigrantes de classe baixa que haviam chegado aos Estados Unidos. Os grandes filmes de gângsteres da década de 1930 e a longa série de filmes de detetive que floresciam ao lado deles, seus detetives agora eram cada vez mais étnicos, como por exemplo: Charlie Chan Carries On de 1931, com 41 sequências; O Misterioso Mr. Moto de 1937, com sete sequências e Mr. Wong, Detective de 1938, com quatro sequências.

Esses filmes eram nominalmente baseados em romances. Mas os filmes policiais não atingiram o prestígio como seu correspondente literário até o surgimento do filme noir – contos atmosféricos de heróis condenados pela paixão – nomeados e analisados ​​por jornalistas franceses, mas produzidos na América ao longo da década, a partir de 1944.

Os filmes policiais do pós-guerra, independentemente da fórmula adotada, foram moldados nos EUA pela ansiedade cultural em relação à bomba nuclear (A Morte num Beijo 1955) e à família nuclear (Horas de Desespero, 1955). O declínio do filme noir após A Marca da Maldade (1958) foi compensado por uma série notável de comédias criminais nos Ealing Studios da Inglaterra (como O Mistério da Torre, 1951) e uma série magistral de thrillers psicológicos dirigidos por Alfred Hitchcock (Pacto Sinistro, 1951; Janela Indiscreta, 1954; Um Corpo que Cai, 1958; Intriga Internacional, 1959; Psicose, 1960). 

A década de 1960 foi a década do herói internacional de espionagem James Bond, que encabeçou a franquia de filmes mais lucrativa da história em uma longa série que começou com O Satânico Dr. No (1962). Mas foram os filmes Bonnie e Clyde (1967), O Poderoso Chefão (1972), O Poderoso Chefão: Parte II (1974) e Chinatown (1974), que reinventaram os filmes policiais para um público jovem.

A substituição do Código de Produção de 1930 pelo sistema de classificação de 1969 permitiu que filmes de nicho fossem comercializados com sucesso, mesmo que fossem tão graficamente violentos quanto Henry – Retrato de um Assassino (1990) ou tão sombrios em sua visão da política americana quanto A Trama (1974) ou JFK (1991). 

Os anos finais do século, marcados por um crescente medo público do crime, um fascínio pelo sistema de justiça pública e uma profunda ambivalência em relação aos advogados, permitiram que mil flores envenenadas desabrochassem ao redor do mundo, a partir da varredura sociológica dos britânicos teve a minissérie televisiva Traffik (1989), refeita e suavizada para o público americano como Traffic (2000), para os filmes de crime ritualísticos de Hong Kong de John Woo (Die xue shuang xiong [The Killer], 1989) e Johnny To (Dung fong saam hap [The Heroic Trio], 1993) e sua progênie americana (Pulp Fiction, 1994), ao erotismo fumegante de Instinto Selvagem (1992). Talvez a nova linhagem mais distintiva do gênero tenha sido a comédia policial dos Irmão Coen, cujos filmes, Gosto de Sangue (1985) e Matadores de Velhinha (2004), deixaram alguns espectadores rindo e outros confusos ou com nojo (via Encyclopedia).

Subgêneros

Filmes de Gângster

Os filmes de gângster são um subgênero dos filmes policiais que se concentram no crime organizado ou na máfia. Muitas vezes, a trama gira em torno da ascensão e queda de um líder do crime organizado. Muitos filmes de gângster exploram a natureza destrutiva do crime organizado, enquanto outros tentam mostrar a humanidade dos personagens individuais.

Exemplos: Os Bons Companheiros, Scarface, Os Infiltrados.

Filmes Noir

Filme noir não é simplesmente um gênero, mas um termo para um tipo distinto e estilístico de drama criminal que foi popular nas décadas de 1940 e 1950. O filme noir é caracterizado por um estilo visual em preto e branco e efeitos de iluminação intensos. O personagem principal é geralmente um herói cínico. O subgênero conta com uma voz narrativa e vários flashbacks para explicar sua intrincada trama.

Exemplos: Crepúsculo dos Deuses, Relíquia Macabra, A Embriaguez do Sucesso.

Neo-Noir

Neo-Noir refere-se ao filme moderno que assume as características do filme noir. Atualizações modernas são feitas no Neo-Noir em termos de mídia e elementos visuais. Os filmes Neo-Noir também atualizam temas e conteúdos para se ajustarem à sociedade atual.

Exemplos: Chinatown, Sin City, Los Angeles – Cidade Proibida.

Thriller Policial

O thriller policial é um subgênero que incorpora os aspectos de suspense com um enredo de filme policial. O enredo desse subgênero geralmente se concentra em um serial killer, assassino, assalto ou caça ao homem. Ao contrário dos filmes policiais tradicionais, o enredo se concentra tanto no criminoso quanto no protagonista. Thrillers policiais usam aspectos de ação e aspectos psicológicos para criar tensão e suspense.

Exemplos: Os Suspeitos, O Fugitivo, O Fio da Suspeita.

Confira também: Qual a importância da luz em uma filmagem e no cinema?

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A comédia é um dos gêneros mais maleáveis do cinema e da televisão. A comédia pode iluminar uma cena, falar muito sobre o humor de um personagem e até ajudar a sustentar longas explicações e discursos expositivos (via No Film School).

Ainda assim, existem muitos aspectos e características das comédias que as pessoas esperam quando estão lendo seu roteiro ou piloto. A comédia pode ser a coisa mais difícil de fazer, e é certamente uma das coisas mais arriscadas a se lançar ou desenvolver. Uma comédia que não funciona é super constrangedora.

Mas corra o risco! Porque precisamos de mais comédias! Quando o mundo ao nosso redor fica envolto em ódio e escuridão, a comédia é a luz brilhante que nos mostra o caminho de volta à alegria, de volta à nossa humanidade. 

Agora vamos começar a definir os principais elementos da comédia.

Definição do gênero comédia

O gênero de comédia abrange qualquer trabalho no cinema ou na televisão cujo objetivo geral é criar humor e gerar risadas intencionais para o público. Tem origem nas peças gregas antigas e na tradição oral.

Surgiu muito tempo atrás quando existiam apenas comédia ou tragédia. Não havia intermediário! Se todo mundo não morresse no final, era uma comédia!

As definições hoje em dia se tornaram um pouco mais refinadas. Vamos falar sobre elas a seguir.

Características da comédia

As comédias geralmente apresentam falas, brincadeiras com palavras, situações desconfortáveis e, às vezes, se inclinam para o lado oposto do realismo. Seus arcos são geralmente pessoais e a violência é quase sempre praticada para gerar risos e sem consequências sérias.

Aqui está uma boa compilação de alguns exemplos:

Principais elementos da comédia e seus principais subgêneros

É aqui que a comédia se separa em subgêneros específicos. Esses tipos de comédia ajudam a restringir o tom e o teor da piada, bem como a história do roteiro. Vamos examinar alguns dos principais.

Comédia erótica

Filmes como O Virgem de 40 anos e séries de TV como You’re the Worst vivem no espaço sujo da comédia. Eles adoram piadas sobre sexo, relacionamentos e humor desagradável.

Ela funciona porque nos deixa desconfortáveis. As funções e os desejos corporais são um grande equalizador. Os Irmãos Farrelly são referências desse tipo de comédia, combinando sexo e humor desagradável em um humor atemporal.

Humor negro

Vamos falar sobre a morte. E violência. E situações horríveis. A comédia sombria ilumina o que você costuma ver nos dramas. Filmes como Morte no Funeral e séries como Bored to Death iluminam o que não podemos suportar.

Confira esta cena clássica (mas bastante nojenta) de Fargo dos Irmãos Coen:

Esta é uma cena em que um criminoso está colocando o corpo de seu parceiro em um cortador de madeira. Mas é engraçada. Por quê?

Bem, veja como é filmado e enquadrado. À distância, permitindo que algumas das estranhezas e absurdos sejam vistos de longe. Você certamente já ouviu o clichê (que não é inteiramente verdade, mas tanto faz) Tragédia + Distância = Comédia? Bem, isso é o que acontece aqui.

Comédia do Constrangimento

Schadenfreude é a palavra alemã que significa ter prazer na dor de outras pessoas. Uma das minhas séries favoritas da comédia do constrangimento é The Office. Quão divertido é ver Michael colocar o pé na boca repetidamente? No cinema temos como exemplo Missão Madrinha de Casamento, Entrando numa Fria e The King of Comedy.

A comédia de constrangimento também vem de algo chamado ironia dramática. É aquilo de você saber o que está acontecendo com o personagem enquanto ele tenta escondê-lo. Também é comum na comédia situacional (sitcom).

Assista a esta cena clássica de Os Simpsons:

Comédia Deadpan

O humor deadpan geralmente nos apresenta algumas das frases mais engraçadas do audiovisual. Como esse é mais um estilo do que qualquer outra coisa, pense em Ron Swanson em Parks and Recreation ou até no filme Apertem os Cintos… O Piloto Sumiu! Todas as falas são entregues com sinceridade, mas todas são engraçadas.

Confira esta cena do Apertem os Cintos… O Piloto Sumiu!

Leslie Nielsen não era um talento da comédia. Pelo menos, não durante a maior parte de sua vida. Ele era um ator que estrelava dramas. Assim como muitos outros atores de Apertem os Cintos… O Piloto Sumiu!.

O que isso tem a ver com comédia deadpan?

Ao usar atores que interpretaram todos os momentos “de maneira séria”, a bobagem do que estava acontecendo no roteiro ou na tela foi imediatamente contrastada por eles. É hilário.

Muito rapidamente, Nielsen ficou conhecido por ser hilário. Mas seu deadpan foi o que fez isso.

Contraste e contexto são essenciais. Se você faz um filme em que TUDO na tela é ridiculamente bobo, é difícil para o público aproveitar a onda, encontrar os picos e nuances. Eles apenas ficarão cansados.

Seria como assistir a um filme de ação em que nunca houvesse uma pausa entre as cenas da luta.

Mockumentary

Nada como um pequeno mockumentary para zombar da seriedade da maioria dos documentários. Talvez o grande mockumentary de todos os tempos seja Isto É Spinal Tap. Na TV, programas como Modern Family e What We Do in the Shadows usam estilos de mockumentary para mostrar a vida cotidiana.

Mas esse subgênero geralmente deixa você se perguntando quem está realizando os documentários nessas séries.

Em certo sentido, parece uma espécie de ‘trapaça’ que os personagens deixem de lado a audiência. Por outro lado, nos aproxima da ‘família’ da série.

O mockumentary permite que você e os personagens compartilhem um olhar de conhecimento. Ele conecta o público aos personagens de uma maneira poderosa. Talvez seja por isso que a geração Y não consiga parar de assistir ao The Office em loop.

Mais sobre a comédia no audiovisual

A comédia é um ótimo gênero, porque pode se misturar a qualquer outro gênero por aí. A leveza pode fornecer uma reviravolta interessante em qualquer coisa. Das piadas e risadas em Janela Indiscreta ao terror-humor encapsulado em Todo Mundo Quase Morto.

As comédias de ação tradicionalmente se saem muito bem nas bilheterias. Em filmes como Central de Inteligência e A Espiã Que Sabia de Menos, os dois conseguiram integrar a comédia em seus cenários e foram extremamente lucrativos.

Na televisão, a comédia é a espinha dorsal das sitcoms, mas, à medida que a TV expande seus horizontes, observe os sucessos de comédias sombrias como Barry, It’s Always Sunny in Philadelphia, Fleabag e End of the F * cking World.

A palavra dramédia também tem sido muito usada. Séries como Casual e filmes como Tully enfatizam eventos de vida dramáticos e realistas, enquanto os expressam com humor para fazer com que a pílula amarga da realidade tenha um sabor mais doce.

Você deve ter percebido que escrever no gênero comédia do audiovisual permite que você mescle com todos os outros gêneros em geral. Apenas certifique-se de definir o tom e o tema, e tudo vai dar certo.

Confira também: O que é tema no audiovisual e porque precisamos dele?

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1. Violência
2. Raça secundária: o vilão
3. Cavalos e o cenário do faroeste
4. Herói Clássico do Faroeste

1. Violência no Gênero Faroeste

Você não pode categorizar um livro ou um filme no Gênero Western, se não houver presença de violência, é impossível. É como tentar chamar um filme de romance sem haver romance nele. Os enredos de livros e filmes de faroeste giram em torno do conceito de violência. No entanto, a forma como a violência é apresentada é diferente dependendo do tipo de faroeste que seja. Se for um faroeste clássico, teremos violência física que normalmente é apresentada como confronto de armas ou uma briga de socos. O Super Western vai ficar na violência física. A violência que ocorre em um livro do Super Western é muito mais detalhada e violenta em geral. Assim como as cenas violentas de Blood Meridian. Se eu estiver correto, cada capítulo do Blood Meridian explica como alguém foi assassinado. Todos os detalhes que McCarthy usaria e toda a violência são suficientes para provar o quão mais violento é o gênero Super Western. Tanto o gênero clássico de faroeste quanto o super faroeste compartilham a convenção da violência (via The Western Genre).

2. Raça secundária: o vilão

É convencional para o Gênero Faroeste identificar uma raça diferente dos brancos como os vilões da trama. No faroeste clássico, esse papel pertence aos personagens nativos americanos. Existem centenas de exemplos que eu provo isso, um dos melhores exemplos seria No Tempo das Diligências. Embora o enredo do filme não gire em torno de batalhas com os nativos americanos, há uma cena específica que mostra a convenção aceita de uma raça secundária como vilão. O papel do vilão muda drasticamente em um Super Western. Na verdade, é muito difícil apontar quem é o herói e quem é o vilão. É uma questão de controle psicológico e um fator geral de quem está causando mais danos à sociedade. É assim no filme Super Western Os Imperdoáveis, você esperaria que alguém que mata e assassina fosse o bandido do filme, no entanto, este não é o caso aqui, o protagonista William Munny mata a todos no último confronto ainda que seja visto como o herói do filme. Mas a pergunta é porque? Bem, na verdade, é muito simples. Identificamos quem está causando mais danos no presente e quem está tentando impedi-los. Os personagens que causam danos à sociedade são os bandidos e aqueles que tentam impedi-los são os heróis. É por isso que William Munny é visto como um herói.

3. Cavalos e o cenário do faroeste

Há outra coisa além da violência que o Gênero Faroeste deve ter para ser chamado de Faroeste, deve haver cavalos, armas e o cenário da história deve ser um cenário de Faroeste. De certa forma, o Gênero Faroeste é forçado a incluir o cavalo nos filmes porque era uma convenção do faroeste viajar a cavalo. Um cowboy sempre viaja a cavalo. Em segundo lugar, esperamos armas na trama de faroeste, uma vez que a violência é essencial e é uma convenção para o gênero. Não seria correto dizer que todos os confrontos no Gênero Faroeste envolvem confronto mortal porque não é assim. Mas seria normal dizer que na maioria dos confrontos que ocorrem no Gênero Faroeste o uso de uma arma é necessário. Provavelmente, o elemento mais essencial do Gênero Faroeste é o cenário. Você literalmente não pode ter um Western sem que ele ocorra no faroeste. Mais uma vez, seria como ter um filme de terror sem cenas assustadoras. Não percebemos isso, mas um cenário ocidental é uma das convenções mais fundamentais para o Gênero Faroeste.

4. Herói Clássico do Faroeste: Cowboys

Cowboy é outra convenção do Gênero Faroeste. O cowboy tem sido um elemento significativo para o Gênero Faroeste, você não pode ter, fazer ou chamar um filme de faroeste se ele não tiver uma figura de cowboy nele. Como todo filme de super-herói, devemos ter um vilão, e é preciso ter um herói. Todos nós aceitamos esse fato e nem pensamos nisso quando assistimos a um filme de super-herói, é senso comum. Esse próprio conceito levou o público do Faroeste a aceitar figuras de cowboy como heróis. No entanto, o resultado disso foi que um vilão teve que ser identificado e categorizado para futuros Faroestes. Esse papel foi atribuído aos nativos americanos ou a uma raça secundária diferente dos brancos. O White Cowboy foi retratado como um herói e, na ocasião, tanto os nativos americanos quanto os mexicanos eram vistos como os “bandidos”. Seria muito difícil nomear um filme de faroeste que não retratasse uma figura de caubói branco como um herói, se estamos falando de um filme de faroeste clássico. Se for um Super Western, um conjunto de regras completamente novo se aplique para identificar um herói. O herói do Super Western, é um herói que, por algumas de suas ações, não se enquadra no título de herói. Basicamente, o que quero dizer com isso é que, o herói do Super Western não realiza nenhuma ação heróica particular no sentido de que está salvando uma pessoa. Na verdade, é o oposto completo. Os heróis do Super-Western realizam trabalhos e atendem pessoas com base moral em uma recompensa ou por um motivo específico que os beneficia de uma forma ou de outra.

Confira também:  Direção: Os 10 principais diretores de cinema do mundo atualmente

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Para definir o filme de guerra é preciso, portanto, estabelecer parâmetros, o primeiro dos quais é separar o fato (documentários e cinejornais) da ficção (histórias criadas, mesmo que baseadas em fatos), e determinar quantas lutas devem aparecer na tela para poder ser designado como um filme de guerra. Alguns filmes têm a guerra como pano de fundo significativo, mas não retratam nenhum combate. Alguns têm sequências de combate como um episódio na história maior, como …E o Vento Levou, que começa no pacífico Velho Sul, avança para a Guerra Civil e segue para o período de Reconstrução e os problemas do pós-guerra. Por esse motivo, …E o Vento Levou, um grande filme sobre a Guerra Civil, raramente é rotulado simplesmente como um filme de guerra (via Film Reference).

O filme de guerra como gênero é melhor definido como um filme que conta uma história ficcional, ou baseada em fatos reais, sobre uma guerra histórica real. Lutar naquela guerra, planejá-la e travar o combate dentro dela deve preencher a maior parte do tempo do filme. Isso incluiria biografias de combatentes, como o herói da Segunda Guerra Mundial Audie Murphy (1924-1971) (Terrível Como o Inferno, 1955) e filmes ambientados em combate, mas que removem seus personagens do conflito por meio de flashbacks visualizados (Desembarque Sangrento, 1967). Essa definição elimina o cenário doméstico, a guerra como pano de fundo ou episódio único, o filme do acampamento militar, o filme do campo de treinamento e a biografia que não contém o combate real.

Depois que o gênero de combate foi estabelecido, apareceram filmes com tons cômicos que teriam sido inadequados durante a própria guerra. Papai, Você Foi Herói? (1966) e Anáguas a bordo (1959) foram comédias de sucesso ambientadas na Segunda Guerra Mundial, a primeira na campanha italiana e a segunda em um submarino no Pacífico sul. M*A*S*H (1970) foi uma comédia dura sobre a Coréia, ambientada em uma unidade hospitalar cirúrgica móvel; a sitcom A Marinha de McHale tratou a guerra marinha no Pacífico como uma brincadeira; e Guerra, sombra e água fresca, também uma série de televisão, zombou da vida em um campo de prisioneiros de guerra na Alemanha.

Os filmes retrataram a guerra, junto com suas lutas, horrores e oportunidades inerentes para o heroísmo, desde os primeiros anos do cinema. A categoria de filmes de guerra abrange quase todos os gêneros cinematográficos, incluindo ação, suspense, romance, faroeste e até comédia. Os temas apresentados nos filmes de guerra variam e incluem liderança, patriotismo, luta contra inimigos, efeitos na sociedade, colapsos pessoais e os aspectos absurdos da guerra. Mesmo levando em consideração sua diversidade, os filmes de guerra compartilham algumas características, veremos algumas delas abaixo (via Our Pastimes). 

Cenas de Combate

Sequências retratando batalhas que envolvem tanques, aviões de combate, navios de guerra, armas de fogo e combate corpo-a-corpo têm sido marcas consistentes dos filmes de guerra desde os primeiros dias do gênero. Por exemplo, O filme mudo de D. W. Griffith de 1918, “Hearts of the World”, retratava a guerra de trincheiras da época da Primeira Guerra Mundial. Mesmo os filmes de guerra que exploram o funcionamento interno da mente de seus personagens frequentemente incluem cenas de combate também. Por exemplo, “Patton”, um filme biográfico premiado de 1970 sobre o general George S. Patton, apresenta extensas cenas de campo de batalha, bem como sequências baseadas em diálogos.

Elenco  de personagens multiculturais

Os filmes de guerra freqüentemente retratam unidades de combate compostas por soldados de várias origens geográficas, étnicas e raciais. Essa característica tornou-se clara em filmes de guerra feitos durante e após a Segunda Guerra Mundial, com foco nas tropas americanas. As unidades retratadas em filmes da época da Segunda Guerra Mundial normalmente incluíam combatentes americanos com raízes irlandesas, italianas e judaicas. Os personagens eram de grandes cidades como Nova York ou Filadélfia, bem como de pequenas cidades do Sul e do Meio-Oeste. “Os Bravos Morrem Lutando”, um filme de 1965 estrelado por Frank Sinatra, levou esse conceito a outro nível, mostrando indivíduos japoneses do campo inimigo sob uma luz simpática.

Psicologia da Guerra

Explorar os aspectos psicológicos da guerra, incluindo a tensão mental que o combate exerce sobre os soldados, é outra característica dos filmes de guerra. Ao longo da história dos filmes de guerra, por exemplo, um personagem que age de maneira covarde muitas vezes pode passar por um período de crescimento pessoal e se redimir com um ato de coragem. “A Guerra de Hart”, um filme de prisioneiros de guerra de 2002, estrelado por Bruce Willis e Colin Farrell, é um exemplo dessa característica. O exemplo de um filme que examina como a guerra pode destruir o estado mental de um homem é “Apocalypse Now”, o épico da Guerra do Vietnã de 1979.

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